Трудно представить мир без Энди Уорхола. Он считается одним из двух самых влиятельных и популярных художников ХХ века наряду с Пабло Пикассо. Как и Пикассо, он крайне узнаваем.

Фиби Хобан, биограф Жан‐Мишеля Баския, писала: «Для большинства студентов факультета искусств Уорхол был седовласым Волшебником страны Оз, а его знаменитая карьера – священным Граалем».

Многие поклонники Уорхола сходят с ума по его белому парику, а также по загадочности, эксцентричности и гламуру «Фабрики» – его ультракрутой студии художников и эстетов, которая постоянно была до краев заполнена серебристой фольгой, моделями героинового шика и наркотиками.

Героиновый шик - это направление в моде 1990‐х годов, характеризующееся бледной кожей, темными кругами вокруг глаз и субтильным телосложением моделей.

И даже сегодня от Уорхола никуда не деться…

Исследователи творчества Клиффорда Стилла неоднократно усматривали в его работах намеки на необъятные просторы Северной Дакоты, где прошли его детство и юность, или находили в них ассоциации с природой западного побережья Америки, где он жил и учился в конце 1940-х годов. Это приводит в действие эстетическую концепцию «возвышенного», которая также являлась центральным понятием и для других художников, таких как Барнетт Ньюман и Марк Ротко: беспомощный человек перед лицом безграничной власти стихии.
На фото: Clyfford Still. PH-973, 1959, Collection SFMOMA

Константин Бранкузи – французский скульптор румынского происхождения. Его принято считать основоположником стиля абстрактной скульптуры. Хотя сам скульптор говорил следующее: «Есть идиоты, которые определяют мою работу как абстрактную, но то, что они называют абстрактным, является наиболее реалистичным. Реальна не видимость, а идея, сущность вещей».

Начиная с 1910-х годов Бранкузи создаёт целую серию работ под названием «Спящая муза» и возвращается к этой теме на протяжении почти двадцати лет.
Создавая «Спящую музу», Бранкузи обращается за вдохновением к кикладской, африканской и румынской культуре. Он приходит к наиболее простым формам и максимально упрощает детали. Такой подход послужит вдохновением для последующих скульпторов, художников и дизайнеров XX века.

Традиционно так сложилось, что в суждении о произведениях искусства особенно ценится умение неким инстинктом уловить, «что хотел сказать художник». Великая работа всегда говорит с вами ясным языком, а обыденная стремится заболтать вас до смерти. Впрочем, существует критическая позиция к такому отношению. Откуда берется такая уверенность у толкователя искусства: «Я знаю, что хотел сказать автор». Как-будто риторика может заменить непосредственное переживание? Или наоборот, мы начинаем переживать именно из-за риторических приемов интерпретирующего? Важен и сам рассказ и его подача, харизма интерпретатора, который возможно и «вчитывает», а в лучшем случае, дополняет и расширяет горизонт зрительского опыта. Привлекая контексты, указывая на факты из биографии автора, подмечая формальные детали и выходя в конце концов на уровень концептуального обобщения. В идеале на уровень философского обобщения.

Через полчаса начнём лекцию в «А3». Присоединяйтесь!

На фото: Norman Rockwell. Art critic, 1955

Историю абстрактного экспрессионизма обычно преподносят и трактуют с точки зрения деятельности героических мужчин. Однако, роль женщин-художниц в послевоенном искусстве США была не менее заметной.

На двух лекциях, которые пройдут 3 и 18 февраля, мы поговорим и о выдающихся женщинах-художницах — Ли Краснер, Элен де Кунинг, Грейс Хартиган, Джоан Митчелл и Хелен Франкенталер, и не забудем мужчин, которые стали знаковыми фигурами этого направления: Джексона Поллока, Марка Ротко, Клиффорда Стила и др.

Лекции пройдет в галерее «Открытый клуб». Регистрация здесь:

На фото: Джоан Митчелл. «Джордж пошел купаться в Барнс Хол, но стало слишком холодно» (фрагмент). 1957 год.

Гордон Говард Ходжкин привлекает больше людей пишущих, объясняющих, интерпретирующих, чем любой другой современный британский художник. Названия его картин зачастую подразумевают наличие некоего сюжета. Однако увидеть или прочесть сюжет в его работах практически невозможно Работы Ходжкина - не нарративы. В основном это воспоминания. Но не безмятежное воспоминание о пережитой эмоции, а интенсивное ее переживание. Британский писатель Джулиан Барнс сравнил искусство Ходжкина с оперным искусством.

На фото:
Howard Hodgkin. “Going to America,” 1999

Криса Энгмана часто определяют как художника метамодерниста.
Он создаёт инсталляции на основе фотоколлажей и изображений. Он использует необычный приём: помещает снимки на то же место, где они были сделаны, и потом вновь их фотографирует. Запечатлевая картину, которая является единственным осязаемым доказательством минувшего, Крис Энгман привносит её в нынешний момент, тем самым соединяя прошлое и настоящее. Удивительно красивые, тонкие, чистые инсталляции, идея которых не кажется слишком многозначной. Скорее наоборот: правдивой и простой.

На зимней школе, которая начнется уже в ближайшую пятницу, поговорим о художниках метамодернистах.

На фото:
Chris Engman. Transplant, 2005. Digital pigment print
48 x 36 in.

Для Хайдеггера основное заблуждение всей западноевропейской культуры - в забвении истинного бытия, в подстановке вместо бытия - того или иного «сущего», т. е. вещественной или идеальной конкретности. Само же бытие, по Хайдеггеру, есть нетеоретическое событие (Ereignis) в мире «сущего», «просвет» (Lichtung) в плотности овеществленного универсума, позволяющий человеку в созерцании или действии обрести свою подлинность и историчность. Пытаясь вернуться к древнейшим истокам мышления о бытии и даже перешагнуть в дофилософские, мифологические его слои, Хайдеггер и вместе с ним романтическая критика рационализма, по существу, приходят к отказу от философии как таковой. Философия как профессиональная деятельность упраздняется в пользу различного рода практик. Любопытно, что тот же Грэм Харман специализировался именно по Хайдеггеру, коего он постоянно цитирует и пересказывает в своих работах.

За свою непродолжительную жизнь Фрида Кало создала около ста сорока картин, из них около пятидесяти автопортретов. С помощью них мексиканская художница раскрывала своё тяжёлое физическое и психологическое состояние.
«Автопортрет в терновом ожерелье с колибри» был написан через год после разрыва с мужем, известным мексиканским художником-монументалистом Диего Ривьерой, их отношения были наполнены ревностью, страстью и взаимными изменами. Но через непродолжительное время художники повторно поженились.
Работы Фриды часто называют сюрреалистическими, но сама художница всегда отрицала свою причастность к сюрреалистам и говорила, что с помощью своей живописи показывает собственную реальность. Творчество Фриды Кало принято относить к «наивному» искусству.

На фото:
Фрида Кало. Автопортрет в бархатном платье. 1926

Импрессионизм в национальных изводах.

В 1880-х гг. импрессионизм вышел за пределы Франции, перестав быть исключительно локальным явлением и приобретая дополнительные нюансы в зависимости от историко-культурного опыта воспринявших его стран.
Так, к факторам, определившим облик русского импрессионизма, следует отнести литературоцентризм отечественной культуры, признание ответственности художника перед обществом, склонность русского человека к рефлексии. Американский импрессионизм, напротив, оказался более восприимчив к французскому оригиналу, вероятно, вследствие «космополитизма» культуры Нового Света, влияния европейского искусства в целом и более тесных, продолжительных контактов с французскими художниками в частности.

Скоро анонсирую свои лекции в музее русского импрессионизма.

На фото: Клод Моне. Две картины из цикла «Руанский собор». 1894 год

1 февраля в галерее «А3» пройдет моя лекция «Как понимать современное искусство?»

Современное искусство — всего лишь средство, с помощью которого мы терроризируем себя.
Трейси Эмин, художница

Иногда современные арт-объекты ставят в тупик. Сложным кажется всё: терминология, описание, идея. Мир современного искусства слишком далёк от нас ещё и потому, что мы не уверены в «правильности» собственной трактовки арт-объектов.
На лекции мы поговорим об основных понятиях в современном искусстве и рассмотрим на примерах, как можно провести первые «опорные линии» на карте этой неизведанной территории.

🗓 01.02.2025
⏰16:00
📍Галерея А3, Староконюшенный переулок, дом 39

Юрий Злотников – один из классиков отечественного современного искусства, художник-абстракционист, работавший в эпоху «оттепели». Художественный язык Злотникова на фоне других проявлений абстракционизма наследует живописным системам Василия Кандинского и Пита Мондриана.
Абстракция в XX в. обнаруживает себя как наиболее духовноориентированное искусство. В «Библейском цикле», Злотников в отличие от своей знаменитой серии «Сигнальные системы» обращается к религиозным вопросам. Воспитанный в ортодоксальной еврейской семье, художник проявляет искренний интерес к христианству. Однако в данной серии важны не только сюжеты священного писания, сколько благодатное состояние духа, сочетающееся у мастера с динамичными мелкими мазками и жизнеутверждающей палитрой.
Абстрактные формы прерывистых разноцветных линий, двигаясь по диагонали, придают композиции движение. Они образуют своего рода следы, отпечатки человеческого присутствия.

Анна Андржиевская участница группы «Север-7» - объединения молодых художников из Санкт-Петербурга, которых журналисты окрестили «сверхновыми дикими петербургского искусства». Анна создает работы, наполненные сюрреалистическими образами, напоминающими красочные сны или галлюциногенные состояния.
Работа «Красивые сапоги» приближается к эстетике наивного искусства и в меньшей степени носит сюрреалистический характер. Картина сочетает как декоративный характер, так и элемент игры (узнавания предметов зрителем). Сама художница утверждает, что в ее картинах «есть логика и нарратив, но нет ничего поучительного». Свои работы она характеризует как «обрывки самых ярких своих снов», а также считает, что: «в целом мое послание зрители понимают. Достаточно названия как ключа к произведению». Название «Красивые сапоги» таким образом сразу сообщает нам непосредственность высказывания художницы.