#СтудArts #PROискусство

🍁 Что вам приходит на ум, когда речь заходит про искусство? «Черный квадрат» Малевича? А может «Звездная ночь» Ван Гога? Или «Постоянство памяти» Сальвадора Дали?

Знаете ли вы, что сделало именно эти картины шедеврами, а их авторов – всемирно известными? Что такое шедевр и почему одни картины мы можем назвать таковыми, а о других вообще не имеем представления? Искусство шире живописи и скульптуры? Что вообще можно считать искусством?

❓Хотите отыскать ответы на эти и другие важные вопросы? Поговорить об искусстве с людьми, которые живут и дышат им? Если да, то новая рубрика пресс-службы Студенческого союза МГИМО «СтудArts: PRO искусство» точно для вас!

🍁 «СтудArts» — это анализ истории, биографии, фактов и закономерностей, которые привели к созданию того или иного сюжета, увековеченного в живописи, архитектуре, музыке и других формах культуры. Это не просто изложение сухих фактов о том или ином произведении искусства: это заострение внимания на самых значимых и интересных деталях. И всё это доступным языком отнюдь не от диванных экспертов, но от людей, которые любят искусство настолько сильно, что готовы без конца делиться этой высокой и чистой любовью с вами.

До встречи в субботу!

#СтудArts #PROискусство

Доброго субботнего вечера, уважаемые ценители искусства!

🔵 Сегодня, 4 ноября, отмечается главный государственный праздник осени — День народного единства. По случаю праздника мы бы хотели поговорить о картине «Воззвание Минина», которая также известна как «Воззвание Минина к нижегородцам» и «Минин на площади Нижнего Новгорода, призывающий народ к пожертвованиям».

☺️☺️☺️☺️☺️☺️☺️☺️
😶 😏😀🤥😏😜🤬🫠
☺️☺️☺️☺️☺️☺️☺️☺️

🙄 Полотно, выполненное маслом, является творением кисти великого художника-передвижника К.Е.Маковского, который внёс значительный вклад в искусство в конце 19 и начале 20 веков. Примечательным элементом шедевра станковой живописи является размер — 7х6 метров, что выводит полотно на лидирующую позицию в списке самых больших картин в нашей стране.

🙄 Мир мог не увидеть картину, потрясающую своими масштабами, если бы другой известный художник-передвижник Илья Репин не представил публике свою работу «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» 1891 года. Маковский не мог не оценить мастерство коллеги по творческому цеху, однако всем сердцем желал превзойти художника. Маковский купил огромную мастерскую в Париже, где неустанно работал с утра до ночи на протяжении 6 лет.

🙄 В 1896 году огромное полотно было завершено. Впервые оно было представлено на 16-й Всероссийской промышленно-художественной выставке в Нижнем Новгороде (примечательно, как номер выставки резонирует с веком описанных событий, с веком Смутного времени). Впоследствии картина была подарена городу в честь 300-летия династии Романовых и до 1972 года находилась в Гербовом зале Городской думы. В том же году картину передали Нижегородскому государственному художественному музею, где и по сей день можно насладиться шедевром.

☺️☺️☺️☺️☺️
😐😍😶🫠😏
☺️☺️☺️☺️☺️

Нижегородский купец Кузьма Минин выступает с речью перед толпой на площади Нижнего Новгорода. Он обращается к окружающим в надежде собрать пожертвования для создания ополчения, которое должно освободить Родину от интервентов из Польши. Послушать Минина пришли бедняки и богачи, молодые и старые, люди с семьями и одинокие — собрались все представители русского народа. В правой части полотна изображён крестный ход с иконой Казанской Богоматери из собора Иоанна Предтечи, которая стала символом защиты страны от врагов. Народ спускается с заднего плана вверху картины и постепенно растворяется по мере приближения к переднему краю, что даёт возможность детально рассмотреть находящихся внизу картины купца и его жену, а также средства и пожертвования, которые лежат прямо на земле перед столом, где дьяк записывает все приношения.

☺️☺️☺️☺️☺️☺️
🤥🫠😜😍😜🫠
☺️☺️☺️☺️☺️☺️

🙄 Главная задача Маковского состояла в том, чтобы передать единство всего народа, сплочённого в патриотическом подъёме. Однако данное полотно не стоит воспринимать как полностью исторически достоверное, так как многие персонажи были сознательно добавлены в сюжет для эффекта массовости. Критики признавали, что эта картина, как и другие работы Маковского, имеют серьёзную культурную значимость с точки зрения подлинного и точного отображения предметов старины.

Автор: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts #PROискусство

Всем добрый вечер!

⬛️ Сегодняшний выпуск мы посвятим максимально дискуссионной и противоречивой теме, а именно «Чёрному квадрату» Казимира Малевича.

❕ Что Вы думаете об этой картине? Сегодня мы попытаемся объяснить, почему «Черный квадрат» — революционное произведение и заслуживает отдельного внимания!

С чего же всё началось? В конце 1915 года в рамках «Последней футуристической выставки 0,10» Малевич представил публике свой первый «Чёрный квадрат». Слово «последняя» указывало на окончание кубофутуристических поисков. На момент появления картины кубизм достиг своего апогея. Число «0,10» обозначало количество участников — десять художников и их попытку выйти за пределы пространства «нуля» (поэтому ноль-запятая-десять).

◼️Сама форма квадрата, по мнению Малевича, является универсальной — если её удвоить, получится прямоугольник; если разделить по диагонали — треугольник; а если заставить вращаться — круг. То есть из квадрата при желании можно создать целый мир.

👨‍🎨 На выставке Малевич выбрал для своей картины центральное место, в «красном углу» зала, словно для иконы. «Квадрат» перекликался с остальными 38 картинами, был знаком освобождения от лишних форм и ознаменовал отказ от содержания и переход к формализму в изобразительном искусстве.

😀 В чем же секрет популярности «Чёрного квадрата»?

▪️Малевич придумал новый стиль — супрематизм, центральным произведением этого стиля стал именно «Чёрный квадрат», и он привлёк немало сторонников и последователей.

▪️Идея, которую заложил автор в картину, была поистине революционной.

▪️Казимир Малевич был потрясающим пиарщиком своей картины. Именно по этому сейчас при мысли о чёрном квадрате мы вспоминаем именно его творчество.

Завершая разговор о «Чёрном квадрате», стоит сказать, что, конечно, этой картине можно приписывать какой угодно глубокий смысл. Однако не смысл картины или её эстетическая ценность сделали её значимой, а то, как художник смог подать её обществу.

До новых встреч!

Автор выпуска: Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

🎀 Добрый день, дорогие любители искусства!

Ни для кого не секрет, что совсем скоро наступят праздники. В эти снежные дни вы могли оценить работу нашей команды — людей, которые каждый день дарят вам новогоднее настроение.

🌲Конечно, речь о СтудЭльфах и Дедушке Морозе со Снегурочкой. Вот и мы, представители #СтудArts, спешим раскрасить вашу рабочую субботу и подарить вам новогоднюю атмосферу!

🖌 Сегодня мы расскажем вам о картине советского художника Фёдора Решетникова «Прибыл на каникулы» (1948). За это полотно размером 100 х 80 см художник был удостоен Сталинской премии второй степени.

🟥Сюжет:

В канун Нового года студент суворовского училища приезжает домой на каникулы. Не переодевшись в гражданское, мальчик с улыбкой рапортует дедушке о своём прибытии. Новогодний антураж добавляют и такие детали, как снег на шапке главного героя, гирлянды и, конечно, красавица-ёлка, украшенная игрушками. В образах суворовца, его дедушки и пионерки чувствуется лёгкость и оптимизм.

На картине заметно отсутствие родителей. Вероятно, война забрала их жизни (известно, что часто суворовцами становились сироты). Однако всё в нашем мире имеет конец: закончилась и война, перед ребёнком открыта дорога в прекрасное будущее.

🧑🏻‍🎨 Репродукцию картины «Прибыл на каникулы» можно увидеть изображенной на стене комнаты на другой, не менее знаменитой картине Фёдора Решетникова 1952 года «Опять двойка» (пожалуй, самой известной у мастера). Интересно, что репродукция «Опять двойка», в свою очередь, изображена на картине «Переэкзаменовка».

🖼️ Если вас заинтересовало одно из этих полотен, вы можете ими насладиться в Третьяковской галерее. До новых встреч!

Автор выпуска: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

⚡️Искренне надеемся, что на прошедших зимних праздниках вы успели хорошо отдохнуть и зарядиться позитивным настроем на год вперёд! Пусть новогоднее торжество позади, все мы понимаем, что ёлки будут наполнять наши дома уютом как минимум ещё две недели. В чем заключается особенность этого символа для выдающихся отечественных художников?

🎄Сегодня мы расскажем вам о картине Бориса Кустодиева «Ёлочный торг» (1918 г., 98х98 см), которая хранится в Краснодарском музее им. Ф.А. Коваленко. Каждый знает, что ни одно новогоднее торжество не обходится без символа зимы — ёлки. Вот и художник считает, что первым делом обязательно нужно купить зелёную красавицу.

🌟 Внимательно изучив полотно, можно понять, как сильно отличался дореволюционный ёлочный торг от современных: самые маленькие ёлочки продавались уже наряженными, а самые большие были поистине громадными. Борис Кустодиев изобразил ёлочный торг как праздничное зрелище: взрослые внимательно выбирают будущее главное украшение своего дома, а детишки им подражают. Живописец расположил фигуры таким образом, что у зрителя создаётся впечатление настоящей предновогодней суеты. Это ощущение подкрепляет факт того, что композиция обладает незамкнутостью — текучее изображение можно продолжить в любую сторону.

💫 Для Кустодиева огромную роль играли цвета и линии. Так и в «Ёлочном торге» мастер придал большое значение свету на полотне: художник лишил небо глубины, а купола церкви написал интенсивными цветовыми пятнами, практически размыв разницу планов. Так живописец достиг эффекта сказочности всех объектов и деталей полотна.

🌲 Ведущие рубрики #СтудArts поздравляют вас с наступившими Новым годом и Рождеством! Желаем вам никогда не терять творческой глубины, интереса к искусству и краскам жизни!

💎 До скорой встречи!

Ведущие рубрики: Екатерина Фирсова (1 МЖ) и Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

В период сессии спешим скрасить ваши будни новым выпуском рубрики #СтудArts. Сегодняшний выпуск посвящен остроумному и в тоже время загадочному и магическому художнику — Рене Магритту.

💫 Рене Магритт — один из самых узнаваемых художников современности. Его образы очень плотно вошли в массовую культуру и по сей день активно цитируются как домами моды, так и сценаристами.

🌿 Говоря о личности художника, нельзя не отметить, что он был закрытым человеком, работал у себя дома на кухне, обожал четкий распорядок дня и не причислял себя ни к одному художественному стилю. Ведя такой простой образ жизни, он создавал необычайно загадочные картины и будто бы «жонглировал» смыслами в них. Его стиль получил название «магический реализм».

🍏 На картине «Сын человеческий» изображен обычный мужчина в чёрном котелке (впоследствии именно этот элемент не раз прослеживался в полотнах художника). Лицо человека закрыто ярко-зелёным яблоком. Существует очень много версий, почему именно яблоком, и что это вообще значит.

👉 Рассмотрим одну из версий: человек, изображенный на картине, ничем не выделяется среди других мужчин того времени. Его лицо, вероятно, обычное, спрятано за яблоком и вызывает неподдельный интерес. Зрителю невольно хочется взглянуть на него. Так Рене играет на нашем любопытстве. Каждый хочет видеть то, что пытаются скрыть от его глаз.

📌 Любая картина Рене Магритта вызывает у смотрящего на неё вопрос: «Что это значит и что за этим скрывается?». Но ответ всегда будет: «Ничего. Эта тайна ничего не значит, потому что тайну познать невозможно». Надо понять это кредо художника, чтобы приблизиться к пониманию его творчества.

Желаем всем приятной сессии и отличных результатов!

До новых встреч!

Автор выпуска: Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts #PROискусство

🎨 Добрый день, дорогие читатели!

Сегодня мы спешим рассказать вам о картине, которая, пленяя своей живописностью, мелькает в большом количестве фильмов, книг и уже по праву считается элементом массовой культуры.

🖼️ Конечно, речь идёт о полотне голландского художника Золотого века Яна Вермеера «Девушка с жемчужной серёжкой». За изящную красоту и величественность главной героини в народе картину называют «Голландская Мона Лиза». Работа находится в коллекции Маурицхейса в Гааге с 1902 года.

💡 «Девушка с жемчужной сережкой» представляет зрителю миловидную леди в тёмном пространстве. Чёрный фон акцентирует внимание как на женскую фигуру и её потрясающий головной убор, так и на главный элемент картины — драгоценность из жемчуга.

Картину относят к жанру, называемому в Голландии XVII века «трони», которым обозначали изображения головы человека, а не полноценные портреты. Художник попытался запечатлеть миг, когда девушка поворачивает голову в сторону зрителя, к кому-то, кого она только что заметила.

📌 О самой девушке известно мало. Однако исследователи творчества Вермеера считают, что на холсте изображена Мария — дочь художника. Невзирая на тайны девушки, по сей день остаётся загадкой и её украшение. Для настоящего жемчуга размер камня очень велик. Предполагают, что голландский мастер мог изобразить фальшивый жемчуг из венецианского стекла или перламутра.

✨ Творение кисти Вермеера понравилось миллионам ценителей: в 2013 году компания LEGO выпустила набор «Ограбление музея», где картина изображена в стилистике LEGO, а на следующий год до полотна добрался другой великий художник — Бэнкси, который создал своего рода «пародию». Вместо серёжки у девушки был нарисован будильник. Фото стены здания с изображением графитти было опубликовано на сайте художника под названием «Девушка с пирсингом барабанной перепонки».

⬇️А что думаете о картине вы? Пишите в комментариях!

До следующего сюжета!

Автор выпуска: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts #PROискусство

Дорогие читатели!

🔊 #СтудArts поздравляет вас с окончанием сессии и началом каникул. Уверены, что эти события вызывают у вас спектр самых разных чувств!

Говоря об эмоциональной части нашей сущности, знаменитый художник второй половины двадцатого века Марк Ротко считал, что искусство должно вызывать сильный эмоциональный отклик не в голове, а в сердце. О нём и пойдёт сегодня речь!

⭐️ Картины Марко Ротко запоминаются благодаря своей простоте. Они обычно состоят из 2-3, реже 4 или 5 цветов. Художник освобождает цвет от формы, и цвет обрушивается на зрителя. Цвет вызывает у человека определённую эмоцию. Так, картина «Белый центр» вызывает у автора спокойствие и умиротворение. Испытываете ли вы то же самое, смотря на картину?

✨Ротко стал одним из основателей абстрактного экспрессионизма. Данный стиль характеризуется отказом от геометрической абстракции в пользу, в случае Ротко, живописи цветового поля. Художники этого стиля считали, что предметная живопись загоняет человека в рамки, человек вынужден мыслить в определенной парадигме. Их живопись освобождает зрителя от мыслей, заставляя переживать эмоции.

⁉️Почему люди плачут перед картинами художника? Секрет заключается не только в игре с цветом, но и в размере картин, а также в том, как они выставлены. Так, картины художника имеют большой размер. Они специально развешены при приглушенном освещение. Более того, они не имеют названий. Этими приёмами художник добивался эффекта «поглощения» картиной. Ротко оставляет зрителя один на один с ней. Его картины завораживают, напрямую воздействуют на душу, а отсутствие названия заставляет проживать эмоции, освобожденные от мыслей.

📌 Интересный факт: Марк Ротко является одним из самых дорогих художников мира. Его картина «Оранжевое, красное, жёлтое» была продана на аукционе за 87 млн долларов.

Всем хорошего настроения и удачных каникул!

Автор выпуска: Юлия Скороходова (1 МО)

#СтудArts

🍀 Дорогие читатели!

Ведущие рубрики #СтудArts надеются, что вы чудесно провели время на майских праздниках!

👨‍🎨 Сегодня мы поговорим о прекрасном образце «золотого века» голландской живописи, таящем в себе множество секретов от названия до экспозиции!

Итак, полотно Рембрандта «Ночной дозор», или «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» (379,5 × 453,5 см, 1642 г.) около двухсот лет провисело в разных местах и было обнаружено искусствоведами лишь в XIX веке. На данный момент картина экспонируется в музее Амстердама Рейксмузеум.

📌Картина представляет группу амстердамских мушкетёров, собравшихся на праздник в честь своего капитана. Во время Тридцатилетней войны в Европе (1618-1648 гг.) жителям голландских городов приходилось защищать свою собственность оружием. Однако они продолжали собираться и в мирное время и «выходили в дозоры», следя за порядком.

✨ На переднем плане выступают три фигуры: капитан и два лейтенанта, чьи силуэты освещены, дабы зритель смог внимательно их изучить. Но и остальные персонажи, изображенные в тени и фоновом пространстве, не остаются незамеченными. Рембрандт исследует тему света и тени, создавая напряженную атмосферу и вызывая интерес к каждому образу.

💡 Секрет названия заключается в том, что на полотне долгое время было неверно определено время суток: ошибка произошла из-за обилия копоти и тёмного лака на картине, что вызывало ассоциацию с ночью. Положение тени от левой руки капитана Кока указывает на 14 часов дня. Так «Ночной дозор» стал «Дневным».

🔄 В июле 2019 года началась реставрация. А в 2021 году картину в течение трёх месяцев демонстрировали посетителям с воссозданными фрагментами: как она выглядела до обрезки (давней традиции того времени) с использованием искусственного интеллекта и специальной технологии «свёрточных нейронных сетей» — так современные технологии дополняют искусство!

☀️ До встречи в новом выпуске!

Автор: Екатерина Фирсова (1 МЖ)

#СтудArts

Дорогие читатели!

🧣#СтудArts спешит порадовать вас новым выпуском, который посвящен уникальному и мистическому художнику XX века — Василию Кандинскому. Он не только является основоположником абстрактной живописи, но и первым художником, который смог теоретически обосновать абстрактное искусство.

🔉 Кандинский обладал особой формой восприятия мира. Свои картины он нередко описывал как звучащие и вибрирующие. Синтез цвета и звука был отправным пунктом его живописи. Такая концентрация искусства была выбрана не случайно: Кандинский с детства виртуозно играл на виолончели и фортепиано. Когда художник слушал музыку, он видел цветовые образы.

🌹Цвет у художника выходит на первый план, вызывает определенные психические и эмоциональные переживания. Краски на холсте приобретают одушевленный характер. Свои абстрактные произведения Василий Васильевич делит на три категории. Картины, написанные бессознательно, под действием первого впечатления, он назвал импрессией. Сознательное выражение внутренних переживаний — это импровизация, а высшей формой абстракции является продуманная композиция.

☦️Василий Кандинский был верующим человеком, поэтому нередко его произведения наполнены размышлениями о Судном дне, Всемирном потопе и других православных религиозных понятиях. Все это он пытался выразить в своих композициях, создавая многочисленные эскизы перед работой с оригиналом.

✨ «Композиция VIl» считается вершиной творчества художника. Перед ее созданием Кандинский нарисовал около тридцати эскизов и в конечном итоге создал, по его словам, произведение с самой сложной за всю его художественную деятельность структурой. Огромный холст 2х3 метра производил на зрителей глубокое впечатление. Вблизи впечатление усиливается благодаря разнородной структуре мазков.

📌 В настоящее время картина находится в Государственной Третьяковской галерее, поэтому рекомендуем вам обязательно увидеть произведение вживую!

До новых встреч!

Автор выпуска: Скороходова Юлия (1 МО)

#СтудArts

💾Дорогие читатели!

Сегодня в рубрике #СтудArts мы поговорим об одном из самых популярных произведений австрийского модерна — «Поцелуй» Густава Климта. Каждый хоть раз видел эту картину на футболках, кружках, открытках, в офисах и даже на домах. Однако о чем же она?

❤️ Далеко не случайно полотно относят к «Золотому периоду» творчества Климта. В работе сохранены традиции византийской мозаики и иконописи (характерный золотой фон), использована золотая фольга, золотая краска и другие драгоценные камни, что отсылает на давнее увлечение художника декоративным искусством.

✨ Задний фон полотна представляет собой цветочную поляну, заканчивающуюся обрывом. В этом элементе можно прочитать идею медленно увядающей красоты. Внимание созерцателя обращено на пару, освещённую золотом. Влюблённые, как можно заключить по их доверительной позе, растворяются в моменте и в своих чувствах. Они отделены от всего остального мира, и, кажется, их мысли далеко от общества и его проблем…

❓Откуда же Густаву Климту пришёл такой сюжет? Однажды некий граф заказал картину для своей возлюбленной и вручил художнику медальон с фотографией своей великолепной невесты. Климт должен был изобразить поцелуй герцога и девушки, однако получил совсем другой результат… Художник объяснил это тем, что попробовал передать те мотивы, которые в миг самого поцелуя бросают возлюбленных в бездну чувств. Граф и его пассия остались довольны и через некоторое время отправились в свадебное путешествие. Позже Климт раскрыл тайну «Поцелуя». Оказалось, что, вдохновившись образом невесты герцога, он сам влюбился в девушку и потому запечатлел томительное ожидание и нежность вместо самого поцелуя.

📍На данный момент картина Климта «Поцелуй» (180×180 см, 1908-1909 гг.) располагается в галерее Бельведера, в Вене.

До скорых встреч в мире безграничного искусства!

Ведущая рубрики: Екатерина Фирсова (1 МЖ)