Это первый раз когда я была на международной ярмарке такого уровня. Спойлер: мне понравилось. Если бы я знала в какой части будет сосредоточено самое интересное на мой взгляд, то начала бы именно оттуда, но я, к сожалению, пошла с другого конца. Первый час мне всё казалось немного скучным (стоит уточнить, что я была голодная и злая), когда же началось самое увлекательное у меня сел телефон. 🐌
Эта керамика почти единственная которая мне понравилась Lindsey Mendick, Carl Freedman Gallery.
Живопись Sophie von Hellermann, Pilar Corrias Gallery.
#Frieze
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤4🔥3😁1
Ragnar Kjartansson's 'Three Sisters (remake of Jay Ranelli's Lost Photo c. 1990),’ 2021, i8 Gallery.
Kjartansson was inspired to create the artwork after hearing a story from family friend Jay Ranelli, who visited the first McDonald's in Moscow, where he saw three servers with name tags that read Irina, Masha, and Olga, the same names as the characters in Anton Chekhov's famous play, ‘Three Sisters.’
With the original image lost, or perhaps the original story, one of exaggerated lore, Kjartansson recreated the scenario in his studio. Within a hand-painted set, he photographed three women who represent Chekhov's epochal siblings in a replica of the Russian McDonald's branch, using a film camera to capture the same effect and texture of the original image.
#Frieze
Kjartansson was inspired to create the artwork after hearing a story from family friend Jay Ranelli, who visited the first McDonald's in Moscow, where he saw three servers with name tags that read Irina, Masha, and Olga, the same names as the characters in Anton Chekhov's famous play, ‘Three Sisters.’
With the original image lost, or perhaps the original story, one of exaggerated lore, Kjartansson recreated the scenario in his studio. Within a hand-painted set, he photographed three women who represent Chekhov's epochal siblings in a replica of the Russian McDonald's branch, using a film camera to capture the same effect and texture of the original image.
#Frieze
🔥5
Snail without Shell
Ragnar Kjartansson's 'Three Sisters (remake of Jay Ranelli's Lost Photo c. 1990),’ 2021, i8 Gallery. Kjartansson was inspired to create the artwork after hearing a story from family friend Jay Ranelli, who visited the first McDonald's in Moscow, where he…
В этой же галерее был Olafur Eliasson, которого я благополучно проворонила "ну камень и камень" подумала я 👉
А вот что говорит о работе Olafur:
A conical block of startlingly white ice seems to emerge from the ground as if it were the peak of an iceberg hidden beneath our feet. This pristine ice, however, is not melting. The metre-and-a-half tall sculpture was carved from Carrara marble – a material that shares with ice a capacity to scatter light rays that penetrate its outermost layer, resulting in the translucence that has made it so desirable for artists over the millennia.
The carving was based on a 3D scan of a block of ice found on Diamond Beach, Iceland. The beach gets its name from the glistening pieces of ice that wash up there and rest on the shore until they melt away.
#Frieze
А вот что говорит о работе Olafur:
A conical block of startlingly white ice seems to emerge from the ground as if it were the peak of an iceberg hidden beneath our feet. This pristine ice, however, is not melting. The metre-and-a-half tall sculpture was carved from Carrara marble – a material that shares with ice a capacity to scatter light rays that penetrate its outermost layer, resulting in the translucence that has made it so desirable for artists over the millennia.
The carving was based on a 3D scan of a block of ice found on Diamond Beach, Iceland. The beach gets its name from the glistening pieces of ice that wash up there and rest on the shore until they melt away.
#Frieze
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥3👍1
Timothy Taylor Gallery представляла американского художника Eddie Martinez. Пространство стенда было оформленно не менее чем 2537 маленькими оригинальными рисунками Мартинеса. Они не продавалась, а служили фоном для более крупных работ в рамах, представленных по цене от $10000 до $40000, большая часть которых была продана в первый же день.
Из интересного: на аукционе 2019 года одна из его работ была продана за 1,8 миллиона евро. Но галерист Тимоти Тейлор говорит, что художникам не стоит учитывать цены на вторичном рынке🤔
#Frieze
Из интересного: на аукционе 2019 года одна из его работ была продана за 1,8 миллиона евро. Но галерист Тимоти Тейлор говорит, что художникам не стоит учитывать цены на вторичном рынке🤔
#Frieze
Snail without Shell
Photo
Особенно видео скульптура художника Ranbir Kaleka, Synaptic Visions of Dead Time.
Ranbir Kaleka's proto-cinematic practice explores the movements and durations of time, communities, histories and identities alongside investigations of macro-factors like historical events, climate change and social realities. He often navigates psychosocial thresholds by intuitively diving into the depths of a trans-media image - pushing its representations outside of a conventional frame and into conditions of experience, and blurring the borders between the conscious and the subconscious in complexly layered compositions. Synaptic Visions of Dead Time features a skeletal structure with arches cast in the spirit of gothic noir, for a durational series of five video projections. Where Kaleka's larger practice recognizes the trajectory of the moving image across political histories, this particular work acquires greater personal significance as a visual artist dealing with the tensions of fraught images within what Michel Foucault called the "author function", or the artist's ability to perform a kind of presence in their own work.
#Frieze
Ranbir Kaleka's proto-cinematic practice explores the movements and durations of time, communities, histories and identities alongside investigations of macro-factors like historical events, climate change and social realities. He often navigates psychosocial thresholds by intuitively diving into the depths of a trans-media image - pushing its representations outside of a conventional frame and into conditions of experience, and blurring the borders between the conscious and the subconscious in complexly layered compositions. Synaptic Visions of Dead Time features a skeletal structure with arches cast in the spirit of gothic noir, for a durational series of five video projections. Where Kaleka's larger practice recognizes the trajectory of the moving image across political histories, this particular work acquires greater personal significance as a visual artist dealing with the tensions of fraught images within what Michel Foucault called the "author function", or the artist's ability to perform a kind of presence in their own work.
#Frieze
🔥3
В галерее Xavier Hufkens (Брюссель), показывали рисунки Paul McCarthy. Вообще я шла мимо, но глаз зацепился за эту дичь и я стала рассматирвать. Какое-то очевидное насилие тут происходит, кмк. Ну зная его работы это неудивиельно. Добавила одну из его работ для привлечения внимания, на стенде конечно её не было 💩
American artist Paul McCarthy (b.1945) is known for his wide-ranging and often provocative and disturbing œuvre, which encompasses performance, photography, film, multimedia installations, sculpture, drawing and painting. Messy, antagonistic, sexually explicit and politically charged, McCarthy’s output takes aim at consumerism, popular culture and our innermost fears and neuroses, such as sex, bodily fluids and human orifices. While he regularly appropriates icons of popular culture and childhood, including Santa Claus, Barbie, Snow White and Heidi in his work, McCarthy inevitably recasts his characters as violent, malicious and depraved. In a career spanning some five decades, McCarthy has come to be recognised as one of the greatest chroniclers, and transgressors, of contemporary social norms and taboos. Mercilessly ridiculing authority and the so-called rules of polite society, his anarchic œuvre mixes both high and low culture, and provokes an analysis of our most fundamental and sacrosanct beliefs.
#Frieze
American artist Paul McCarthy (b.1945) is known for his wide-ranging and often provocative and disturbing œuvre, which encompasses performance, photography, film, multimedia installations, sculpture, drawing and painting. Messy, antagonistic, sexually explicit and politically charged, McCarthy’s output takes aim at consumerism, popular culture and our innermost fears and neuroses, such as sex, bodily fluids and human orifices. While he regularly appropriates icons of popular culture and childhood, including Santa Claus, Barbie, Snow White and Heidi in his work, McCarthy inevitably recasts his characters as violent, malicious and depraved. In a career spanning some five decades, McCarthy has come to be recognised as one of the greatest chroniclers, and transgressors, of contemporary social norms and taboos. Mercilessly ridiculing authority and the so-called rules of polite society, his anarchic œuvre mixes both high and low culture, and provokes an analysis of our most fundamental and sacrosanct beliefs.
#Frieze
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤1
Snail without Shell
В галерее Xavier Hufkens (Брюссель), показывали рисунки Paul McCarthy. Вообще я шла мимо, но глаз зацепился за эту дичь и я стала рассматирвать. Какое-то очевидное насилие тут происходит, кмк. Ну зная его работы это неудивиельно. Добавила одну из его работ…
В этой же галрее открыла для себя художника Leon Kossoff. Вживую очень впечатляет, такая маленькая работа (1), но оторваться невозможно💛
British artist Leon Kossoff (1926-2019) is one of the most acclaimed figurative painters of the twentieth century. A born and bred Londoner, Kossoff found inspiration in his close environment; from within his studio walls to the city’s streets. Often building layer on layer of paint over long periods of time, Kossoff created expressive, tactile surfaces. Through a use of heavy impasto, his canvases took on a three-dimensional, almost sculptural quality. From early in his career, Kossoff’s focus on the city's streets led him to capture the post-war bomb-damaged neighbourhoods or historic landmarks like Christ Church Spitalfields and Arnold Circus, which held a deep connection to his family's history as part of the Jewish diaspora that settled in the area during the early 20th century. In the intimacy of his studio, he would create psychologically penetrating portraits and figure studies, often of family members and friends. Kossoff was considered a member of the ‘School of London’ group of artists, which included such artists as Frank Auerbach, Francis Bacon and Lucian Freud. Although their approaches differed, the group adopted a radical commitment to figurative painting at a time when conceptualism and minimalism were the dominant forces in the art world. Kossoff was also a skilled and dedicated printmaker throughout his lifetime.
#Frieze
British artist Leon Kossoff (1926-2019) is one of the most acclaimed figurative painters of the twentieth century. A born and bred Londoner, Kossoff found inspiration in his close environment; from within his studio walls to the city’s streets. Often building layer on layer of paint over long periods of time, Kossoff created expressive, tactile surfaces. Through a use of heavy impasto, his canvases took on a three-dimensional, almost sculptural quality. From early in his career, Kossoff’s focus on the city's streets led him to capture the post-war bomb-damaged neighbourhoods or historic landmarks like Christ Church Spitalfields and Arnold Circus, which held a deep connection to his family's history as part of the Jewish diaspora that settled in the area during the early 20th century. In the intimacy of his studio, he would create psychologically penetrating portraits and figure studies, often of family members and friends. Kossoff was considered a member of the ‘School of London’ group of artists, which included such artists as Frank Auerbach, Francis Bacon and Lucian Freud. Although their approaches differed, the group adopted a radical commitment to figurative painting at a time when conceptualism and minimalism were the dominant forces in the art world. Kossoff was also a skilled and dedicated printmaker throughout his lifetime.
#Frieze
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Продолжаем прогулку по Фризу 🐌
Прекрасная мрачноватая двухметровая работа (1) If this is not large..., масляной пастелью художника Rinus Van de Velde в Galerie Max Hetzler.
Связывая возможное и невозможное, Ринус Ван де Вельде (р. 1983) рассказывает историю вымышленных событий, выдуманных автобиографий и фантастических встреч. Охватывая разные медиумы, от рисунка и живописи до инсталляций и кино, Ван де Вельде известен своим остроумными комментариями и вывереным использованием угля на крупных холстах.
Стиль повествования Ринуса Ван де Вельде балансирует между правдой и воображением, что находит отражение в сложном взаимодействии света и тени в его работах. Убежденный в том, что искусство не рождается из одной истины, Ван де Вельде через свои произведения стремится открыть разнообразие реальностей. Населяя эти миры, художник часто изображает себя в роли главного героя.
С конца 2010-х годов Ван де Вельде дополняет свою характерную монохромную палитру выцветшими и приглушенными оттенками, которые становятся все более насыщенными с течением времени. В последние годы художник сосредотачивается на цвете в своём творчестве, начиная с небольших карандашных рисунков, которые превратились в более крупные композиции с яркими масляными штрихами. Влюбленный в спонтанность рисования, Ван де Вельде принимает характерные шаловливые и хаотичные качества этой техники, перенося этот дух на большой формат, который, своей величественностью, напоминает традиционное масляное искусство. В отличие от живописи, вечно обремененной обязательством делать определенные утверждения, Ван де Вельде видит в рисовании возможность "создать свой мир".
"Моя работа всегда основана на вымысле, находящемся рядом с реальностью. Это о правде и лжи. Где здесь настоящее? Это интересно, мне нравится это смешивать."
#Frieze
Прекрасная мрачноватая двухметровая работа (1) If this is not large..., масляной пастелью художника Rinus Van de Velde в Galerie Max Hetzler.
Связывая возможное и невозможное, Ринус Ван де Вельде (р. 1983) рассказывает историю вымышленных событий, выдуманных автобиографий и фантастических встреч. Охватывая разные медиумы, от рисунка и живописи до инсталляций и кино, Ван де Вельде известен своим остроумными комментариями и вывереным использованием угля на крупных холстах.
Стиль повествования Ринуса Ван де Вельде балансирует между правдой и воображением, что находит отражение в сложном взаимодействии света и тени в его работах. Убежденный в том, что искусство не рождается из одной истины, Ван де Вельде через свои произведения стремится открыть разнообразие реальностей. Населяя эти миры, художник часто изображает себя в роли главного героя.
С конца 2010-х годов Ван де Вельде дополняет свою характерную монохромную палитру выцветшими и приглушенными оттенками, которые становятся все более насыщенными с течением времени. В последние годы художник сосредотачивается на цвете в своём творчестве, начиная с небольших карандашных рисунков, которые превратились в более крупные композиции с яркими масляными штрихами. Влюбленный в спонтанность рисования, Ван де Вельде принимает характерные шаловливые и хаотичные качества этой техники, перенося этот дух на большой формат, который, своей величественностью, напоминает традиционное масляное искусство. В отличие от живописи, вечно обремененной обязательством делать определенные утверждения, Ван де Вельде видит в рисовании возможность "создать свой мир".
"Моя работа всегда основана на вымысле, находящемся рядом с реальностью. Это о правде и лжи. Где здесь настоящее? Это интересно, мне нравится это смешивать."
#Frieze
👍3
На стенде Cristea Roberts Gallery было несколько интересных произведений, заинтересовавших меня в том числе и своей техникой.
Работы из серии Casablanca Richard Serra. Вы наверняка видели его масштабные скульптуры (1), но оказывается с плоским он тоже работает. Эти две Касабланки были просто безупречны в своей лаконичности, я как любитель минимализма и чёрного цвета, оценила. На сайте Artsy Casablanca # 2, которая была представлена на Фризе, значится с ценой в $50,000.
В поиске информации о маэстро наткнулась на вот это его высказывание, очень мило🖤
Obsession is what it comes down to. It is difficult to think without obsession, and it is impossible to create something without a foundation that is rigorous, incontrovertible, and, in fact, to some degree repetitive. Repetition is the ritual of obsession. Repetition is a way to jumpstart the indecision of beginning. To persevere and to begin over and over again is to continue the obsession with work. Work comes out of work. In order to work you must already be working.
#Frieze
Работы из серии Casablanca Richard Serra. Вы наверняка видели его масштабные скульптуры (1), но оказывается с плоским он тоже работает. Эти две Касабланки были просто безупречны в своей лаконичности, я как любитель минимализма и чёрного цвета, оценила. На сайте Artsy Casablanca # 2, которая была представлена на Фризе, значится с ценой в $50,000.
В поиске информации о маэстро наткнулась на вот это его высказывание, очень мило
Obsession is what it comes down to. It is difficult to think without obsession, and it is impossible to create something without a foundation that is rigorous, incontrovertible, and, in fact, to some degree repetitive. Repetition is the ritual of obsession. Repetition is a way to jumpstart the indecision of beginning. To persevere and to begin over and over again is to continue the obsession with work. Work comes out of work. In order to work you must already be working.
#Frieze
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍1
В этой же галерее была представлена работа The Rising Sun в технике акватинта (разновидность офорта) американского художника иранского происхождения Ali Banisadr. Тут я могу только восхищаться красотой. Она прекрасна. Вообще, я поняла, что из всего увиденного на ярмарке, больше всего меня привлекала именно графика.
Любопытный факт: в биографии Банисадра упоминается о его синестезии (способность визуально воспринимать звуки). Я бы не отказалась от такой способности, но кто знает правда это или миф художника))
Али Банисадр родился в 1976 году в Тегеране, Иран. Он переехал в Калифорнию с семьей, когда был ребенком, и позже поступил в Школу Визуальных Искусств в Нью-Йорке, где учился до 2005 года, а затем в Академии Искусств в Нью-Йорке, которую окончил в 2007 году. Его первая персональная выставка состоялась в галерее Leslie Tonkonow Artworks + Projects в Нью-Йорке в 2008 году.
Творчество Банисадра характеризуется сюрреалистическими, галлюцинаторными и часто хаотичными пейзажами. Эта тематика вдохновлена детскими воспоминаниями, воображаемыми сценами, историей живописи и звуком. У Банисадра синестезия (способность визуально воспринимать звуки). Когда он был мальчиком во время ирано-иракской войны, Банисадр рисовал, чтобы создать визуальное представление звуков взрывов и авиаударов. Эти внутренние звуки направляют его художественное творчество на холсте и на медной пластине, создавая сложные композиции из беспорядочных форм и фигур.
#Frieze
Любопытный факт: в биографии Банисадра упоминается о его синестезии (способность визуально воспринимать звуки). Я бы не отказалась от такой способности, но кто знает правда это или миф художника))
Али Банисадр родился в 1976 году в Тегеране, Иран. Он переехал в Калифорнию с семьей, когда был ребенком, и позже поступил в Школу Визуальных Искусств в Нью-Йорке, где учился до 2005 года, а затем в Академии Искусств в Нью-Йорке, которую окончил в 2007 году. Его первая персональная выставка состоялась в галерее Leslie Tonkonow Artworks + Projects в Нью-Йорке в 2008 году.
Творчество Банисадра характеризуется сюрреалистическими, галлюцинаторными и часто хаотичными пейзажами. Эта тематика вдохновлена детскими воспоминаниями, воображаемыми сценами, историей живописи и звуком. У Банисадра синестезия (способность визуально воспринимать звуки). Когда он был мальчиком во время ирано-иракской войны, Банисадр рисовал, чтобы создать визуальное представление звуков взрывов и авиаударов. Эти внутренние звуки направляют его художественное творчество на холсте и на медной пластине, создавая сложные композиции из беспорядочных форм и фигур.
#Frieze
❤5👍2