После его смерти она долго стояла у окна, прижавшись лбом к стеклу, и молчала. А на рассвете следующего дня шагнула вниз с шестого этажа. Её похоронили отдельно, но через десять лет перезахоронили рядом с ним. На могиле выбили слова: «Смерть настигла его на пороге славы». И чуть ниже: «Верная спутница, не захотевшая пережить разлуку». Так закончилась история любви, которая длилась меньше трёх лет, но оставила миру десятки портретов и одну из самых страшных легенд Парижа.

Амедео Модильяни
«Жанна Эбютерн, сидящая перед дверью» 1919
Холст, масло, 81x129 см
Художественный музей Броуд, Лос-Анджелес. 

Во французской коммуне Живерни из-за сильной жары пострадали сады художника Клода Моне. Аномальные температуры уничтожили часть растений, уже погибли настурции и несколько других растений. Садовники пытаются спасти оставшиеся цветы, группируя их вместе и поливая более уязвимые ночью. И только кувшинки чувствуют себя прекрасно, словно не замечают пекла.
Сад был разбит Клодом Моне при доме, в котором он жил с 1883 по 1926 год. Моне собственноручно спроектировал каждый уголок усадьбы, чтобы затем перенести всё на свои полотна.

Клод Моне 
«Белые кувшинки» 1899
 Холст, масло, 89×93 см.
ГМИИ им. Пушкина, Москва

В ночь перед открытием выставки «неофициального» искусства в павильоне "Дом культуры" на ВДНХ в сентябре 1975 года цензурная комиссия запретила к показу 38 произведений. В знак протеста художники сняли свои работы, поставив их лицом к стене. Выставка была закрыта, а участников, вышедших из здания, оцепила конная милиция. В результате многочасовых переговоров с администрацией художникам всё же удалось отстоять большую часть своих работ, в том числе признанный огнеопасным двухметровый арт-объект из веток группы «Гнездо». Кроме того, этой, образованной незадолго до выставки группе молодых радикалов-насмешников, куда вошли Виктор Скерсис, Михаил Рошаль и Георгий Донской, удалось показать свой самый известный перформанс «Высиживайте яйца!». 

Над этим произведением Василий Поленов работал более десяти лет, уделяя особое внимание достоверности известного евангельского сюжета. В 1881-1882 гг. художник предпринял путешествие по странам Ближнего Востока, вернувшись с рядом небольших живописных работ, впоследствии приобретённых Третьяковым. Когда же большая картина на евангельский сюжет была завершена, Третьяков первым заявил о намерении включить её в своё собрание, однако накануне открытия 15‑й передвижной выставки полотно приобрёл император Александр III.
До 17 января 2027 года картину можно увидеть в Третьяковке на выставке «Павел Третьяков и Василий Поленов»

Василий Поленов
«Христос и грешница»(Кто без греха?). 1888
Холст, масло. 325 × 611 см
Русский музей, С-Пб.

«Но какова же твоя конечная цель?» – спросишь ты. Цель эта определится со временем, вырисуется медленно, но верно: ведь набросок становится эскизом, а эскиз – картиной лишь по мере того, как начинаешь работать более серьезно, углубляя и уточняя свою вначале смутную первоначальную мысль, неясную и мимолетную.
(Из писем Винсента Ван Гога к брату Тео)

Винсент Ван Гог 
«Автопортрет» 1887
Картон, масло, 42 x 33,7см
Институт искусств, Чикаго

Человек всматривается не просто в небо, он пытается прочесть знаки, смысл которых ускользает, но притягивает. Эти знаки не расшифровываются логикой. Они чувствуются как память о далёком прошлом и одновременно обращены в будущее.
Картина «Звёздные руны» Николая Рериха из тех произведений, которые не стремятся быть понятыми сразу. Они словно ждут, когда зритель замедлится и позволит им говорить на своём языке.
Впервые это полотно было показано в 1912 году на выставке «Мир искусства» и сразу привлекло внимание необыкновенной поэтичностью. Тёплая ночная тишина. Дремлющие горы и леса. Небо, усыпанное звёздами, похожими на древние письмена.

Николай Рерих
«Звездные руны» 1912
бумага на картоне, темпера, гуашь, 53 x 75 см.
ГТГ, Москва

В начале 1960-х годов Москва стремительно расширялась. На окраинах появлялись целые микрорайоны из типовых многоквартирных домов, которые впоследствии были прозваны «хрущёвками».
С неподдельной нежностью художник наблюдает, как они рождаются и обживаются. «Я люблю эти новые кварталы больших городов; в их незаконченности, даже в неполадках живет молодая душа новизны» .
Это настроение он постарался передать в картине «Свадьба на завтрашней улице». По дощатому настилу идет пара молодоженов — невеста в белоснежном платье и легких туфлях и жених в черном костюме с букетом в руках. Вдали видны трубы завода, чуть ближе — подъемные краны, машины, возвышаются белые корпуса новых домов, кое-где видны люди. Все они как будто замерли, приветствуя новую семью, рождающуюся среди хаоса стройки.

Юрий Пименов
«Свадьба на завтрашней улице» 1962.
Холст, масло, 86 x 80 см.
ГТГ, Москва

Зинаида Серебрякова родилась и выросла в имении Нескучное, в семье прославленных деятелей искусства Бенуа-Лансере. Может быть поэтому сцены простой деревенской жизни стали значимой частью творчества художницы.
Зинаида часто наблюдала за работой крестьянок в Нескучном и, прежде чем приступила к работе над картиной «Беление холста», сделала множество зарисовок. Крестьяне относились к семейству Бенуа-Лансере с большой любовью и уважением, и «добрая барыня» Зинаида часто просила деревенских женщин побыть моделями для ее этюдов.

Зинаида Серебрякова
«Беление холста» 1917 г. Холст, масло. 142 ×175 см.
ГТГ, Москва.

В 1929 году Сальвадор Дали встретил свою музу — Елену Дьяконову, больше известную как Гала. Она была замужем за поэтом Полем Элюаром, но Дали это нисколько не смущало. Не смущало его и то, что Гала была старше почти на 10 лет, и крутила романы с другими мужчинами. Отношения были странные: они могли не видеться месяцами. В конце 60-х Дали даже купил для жены замок Пуболь, куда он сам мог приезжать только по её письменному разрешению.
Друзья Дали называли Галу чумой, но без неё творить он не мог. После смерти Галы в 1982 году Дали впал в депрессию и почти не рисовал.

Сальвадор Дали
«Обнаженная Гала смотрит в невидимое зеркало» 1960, холст, масло, 42×32 см. Театр-музей Дали, Фигейрас

Пётр Иванович Щукин приобрёл эту картину в 1898 году у знаменитого парижского маршана Поля Дюран-Рюэля. Четырнадцать лет картина провисела спальне Щукина, он так и не решился представить её взору посторонних глаз. В 1912 году Пётр продает картину своему брату — знаменитому коллекционеру Сергею Щукину. А уже в 1918 году молодое советское государство национализировало коллекцию Сергея Ивановича. Спустя тридцать лет в ходе раздела собрания музея нового западного искусства в 1948 году картина попадает в Пушкинский музей, где находится до сих пор.

Пьер-Огюст Ренуар «Обнаженная» 1876
холст, масло, 92х73 см.
ГМИИ им. Пушкина, Москва

Известная шутка гласит, что если на картине изображены балерины, то это Эдгар Дега. Отчасти это верно, ведь годы жизни художника были посвящены попыткам уловить эфемерное очарование танца, делающее балет поистине волшебным зрелищем.  Он сумел взглянуть на это искусство совершенно по-новому. Дега не писал глянцевые картины, запечатлевавшие прим в момент триумфа. Его работы часто напоминают случайные кадры, снятые скрытой камерой, или взгляд, брошенный сквозь замочную скважину. Ему был важен балет как явление без прикрас и слащавости, а его героинями становились обычные кордебалетные танцовщицы.
«Пойманные мгновения» — вот самое точное определение его творчества.

Эдгар Дега
«Голубые танцовщицы» 1897
Бумага, пастель. 65 × 65 см
ГМИИ им. Пушкина, Москва

Поль Гоген гостил у Винсента Ван Гога в Арле с октября по декабрь 1888 года. Эта осень стала для обоих художников очень продуктивным в творческом плане временем но назвать их отношения идилическими никак нельзя.
Творческие и бытовые разногласия привели к острому конфликту, закончившемуся отрезанным ухом Ван Гога и отъездом Гогена.
Именно в это время Гоген создаёт портрет Ван Гога пишущего подсолнухи.
Ван Гог решил, что Гоген изобразил его безумцем: «Это, конечно, я, но я сошел с ума». Позже он смягчил свою позицию, сказав: «С тех пор мое лицо сильно изменилось, но это действительно был я, очень уставший и взвинченный, каким я был тогда».

Поль Гоген
«Ван Гог пишет подсолнухи» 1888
Джутовый холст, масло, 73 см × 91 см .
Музей Ван Гога, Амстердам

К спиртному Эдвард Мунк пристрастился довольно рано. Считается, что алкоголь пагубно повлиял как на эмоции, так и на психическое состояние художника. Некоторые из автопортретов Мунка показывают его слабость: автор находится в окружении бутылок и стаканов.
Со временем художник решил побороть свою зависимость. После одного из посталкогольных психозов Эдвард ложится в психиатрическую клинику. Лечение пошло на пользу и художник оставался трезвенником долгое время после выписки и даже обрел некоторое подобие душевного равновесия.

Эдвард Мунк
"Пьющие" 1906 год
Холст, масло, 75,5*96,5 см.
Музей Мунка, Осло

После изнуряющей жары Флоренцию обрушился настоящий ливень: более 45 миллиметров осадков за час — редкость даже для капризного тосканского климата. Вода нашла слабое место в кровле галереи Уффици и просочилась под световой фонарь одного из залов, где выставлены семь картин XVI- XVII веков, включая знаменитого «Вакха» – юношу с виноградным венком, написанного Караваджо около 1596 года.
Галерея отреагировала быстро: зал закрыли, картину сняли с экспозиции «в качестве меры предосторожности», реставраторы провели осмотр. Итог оказался обнадеживающим: ни капли воды не коснулось холста.

Караваджо
«Вакх» около 1596г.
холст, масло. 95 × 85 см
Галерея Уффици, Флоренция

Ещё будучи подростком Сезанн вступился в колледже за новенького. Поль и сам не ощущал себя там своим, но все-таки был довольно крепким и независимым: отец воспитывал его сурово.
А новенький – был и робкий, и мелкий, к тому же шепелявил. Короче, начался буллинг.
Вмешательство Сезанна помогло, от мальчика отстали. А он в знак благодарности принес Полю целую корзину яблок.
Так началась их дружба и любовь Сезанна к яблоками.
Яблоки оказались просто идеальным объектом для натюрморта и для поиска новых принципов в живописи, чем был занят Сезанн всю жизнь.
А того несчастного мальчика из колледжа звали Эмиль Золя.

Поль Сезанн
«Натюрморт с яблоками» ок. 1890
холст, масло. 35,2 × 46,2 см
Эрмитаж, С-Пб

В 1962 году «Геологи» Павла Никонова были представлены на знаменитой выставке «30 лет МОСХа» в Манеже.
После посещения выставки Хрущёвым газета Правда писала: «Знакомясь с такими, например, картинами, как «Геологи» П. Никонова, и некоторыми другими, товарищ Н.С. Хрущев сказал:
— Картина должна возвышать человека, вдохновлять и вести его на благородный подвиг. А разве подобные картины могут выполнить такие высокие общественные задачи?»
Резкая критика главы государства на долгие годы определила судьбу картины. Только в 1987 году она стала частью собрания Третьяковской галереи.

Павел Никонов
«Геологи» 1962
Холст, масло, 185 x 225 см.
ГТГ, Москва.

Картина «Купальщицы» была написана в поздний сталинский период, когда советское искусство было зажато в жесткие идеологические рамки. Несмотря на это женщины на полотне выглядят удивительно свободно: в них нет политического посыла, лозунгов или соцсоревнования — только чистая радость бытия, гимн жизни, природе и человеческой красоте. 
Александр Дейнека, известен своим умением изображать атлетичные, сильные фигуры (спортсменов, стахановцев), переносит этот подход и на женские образы. Его героини — крепкие, здоровые, физически развитые женщины. В них нет изнеженной аристократической чувственности, но они лишены и грубой тяжеловесности. Их образы напоминают бессмертных древнегреческих нимф или граций, перенесенных в советскую реальность. 
 
Александр Дейнека
«Купальщицы» 1952
Холст,масло, 183 × 179 см.
Частная коллекция.

Жизнь Василия Верещагина была похожа на непрерывное путешествие. Участие в сражениях, сотни этюдов, десятки картин — и постоянные споры с теми, кто не хотел видеть правду. Особенно доставалось ему от высших военных кругов.
В 1867–1869 годах он добровольцем отправился в туркестанские походы, проявил храбрость и получил Георгиевский крест. Но когда он создал Туркестанскую серию, посвящённую тем событиям, разразился скандал. На его картинах не было бравых героев в парадных мундирах — только кровь, убитые, раненые, отрубленные головы. Он показывал войну без прикрас, и это многим не понравилось. Быть честным в искусстве — это самый сложный вид смелости. И Верещагин владел им в полной мере.

Василий Верещагин
«Нападают врасплох» 1871
Холст, масло, 82 × 207 см.
ГТГ, Москва

Посетители первой в России выставки одной картины заглядывали за холст, пытаясь отыскать спрятанную лампу. Свет луны на полотне казался таким живым, что художника подозревали в колдовстве или в том, что великий химик Дмитрий Менделеев создал для него волшебные краски. Люди уходили с выставки, вытирая слёзы.
Картину приобрёл великий князь Константин Константинович, внук Николая I.
Князь сразу заплатил пять тысяч рублей. В дневнике он записал, что замер на месте. Перед ним была широкая река, которую полная луна освещала на далёкое расстояние, вёрст на тридцать. Он чувствовал то же, что при выходе на высокий холм, откуда видна величественная река в лунном свете. Дух захватывало, оторваться было невозможно, а душа ликовала.

Архип Куинджи
«Лунная ночь на Днепре» 1880
Холст, масло. 105 × 146 см
Русский музей, С-Пб

Сам термин «кубофутуризм» ввёл именно Казимир Малевич — он использовал его в каталоге к выставке «Союза молодёжи» в 1913 году, чтобы обозначить новизну своих работ. Суть направления — в совмещении принципов кубизма (разложение формы на геометрические плоскости) и футуризма (передача динамики, движения, энергии современной жизни). Художники стремились организовать пространство картины так, чтобы оно напоминало работающий механизм, передавало ощущение движения. 

В картине «Точильщик» футуристическая энергия реализуется в мелькании деталей, а кубистическая структурность в обретении однородных элементов, способных составить любую конструкцию, которая на данном этапе воссоздаёт реальное явление, но в то же время может стать беспредметной.

Казимир Малевич
«Точильщик (Принцип мелькания)» 1912
холст, масло. 79 × 79 см
Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен