Если бы Херста не существовало, его пришлось бы выдумывать. Причем именно англичанам. Потому что Херст, как Beatles, Mini Cooper, "Манчестер Юнайтед", двухэтажный красный автобус и левосторонее движение - тоже часть английской массовой культуры. Жулик, авантюрист, пророк, "Повелитель Мух" и убийца муз. Одним словом - самый дорогой английский художник современности.

Стив Коэн в мире искусства был неизвестен до того момента как решился приобрести акулу Дэмиена Херста за баснословные 12 миллионов долларов. Происходило все это 15 лет назад, подробностей как-будто никто не помнит, кроме Дональда Томпсона, который решил дать своей книге об устройстве арт-рынка современного искусства провокационное название “The 12 Million Stuffed Shark”. Шумиха вокруг произведения современного искусства настигла нас в прошлом году. Три экземпляра бананов, приклеенных к стене армированным скотчем, вызвали шок у посетителей ярмарки Art Basel Miami Beach. Это не помешало ( скорее наоборот) Маурицио Каттелану загнать их по 120 тыс. Долларов за штуку. А то, что оригинальный банан был съеден другим художником - перформансистом Давидом Датуной, утвердило культовый статус этого произведения , сразу после своего рождения. Это тебе не Малевича подрисовывать (Давид Тер-Оганьян).

Вернёмся к Стиву Коэну...в 2005 году всех напрягал ценник. Казалось бы ответ лежит на поверхности. Когда человек выкидывает 12 миллионов (с олигархами сегодня это скорее имиджевая история, а тогда это выглядело странновато), необходимо держать в голове, на сколько на самом деле богаты богатые. Ответ надо искать в декларации о доходах мистера Коэна. Годовой доход которого составлял 500 млн. долларов. При норме прибыли в 10 процентов (это естественно меньше, чем он получал, а сколько именно мы не знаем) на те активы, которыми он управляет, его доход составлял больше 16 млн в неделю! Так что работа Дэмиена Херста обошлась Коэну всего-то в каких-то 5 рабочих дней. Зато для Дэмиена Херсона - этот момент стал поворотным. Он становится по- настоящему дорогим художником. А настоящую выгоду получил человек, который его активно раскручивал, а именно Саатчи, так как львиная доля работ художника уже на тот момент находилась в его коллекции. Он был по сути монополистом на работы Херста. Если бы Николас Серота (директор Тейт), который готов был отдать 2 млн. долларов за акулу, смог как-то повлиять не ситуацию, то карьера Херста не была бы столь головокружительной. Конечно он уже был известен, просто ценник скромнее. В ситуации с Каттеланом, кажется речь идет не столько о дороговизне, сколько о продолжении утверждения своих позиций на арене “мира искусства”. Каттелан конечно коммерческий художник, никто в этом и не сомневался, но эпатаж обязательная часть стратегии суперартиста.Ты не можешь не сотрясать СМИ, иначе забудут. Из круговерти выставок нельзя выпадать. Быть в списках участников любых биеннале обязательна. Художник зависит от журналистов, а журналистам нужен свежий материал. Поэтому все зависят друг от друга. Цирк продолжается, клоуны остаются. Само же качество работ уже мало кого интересует. Оно априори высокое, так как ценник твоих предыдущих работ определил диапазон цен. Можно пуститься в рассуждения из серии «исписался» Виктор Олегович (Пелевин) или поздний Уорхол был «слаб» на новые идеи, вот он и вцепился в молодого Баския, но нужно ли?

“Выставочная этикетка живет недолго: среди всех видов письма об искусстве ей уделяется меньше всего внимания, ее автор редко известен, а наличие или отсутствие этикеток почти никогда не обосновывается”
Вышел первый номер Альманаха ЦЭМ в издательстве V–A–C Press. Публикация по истории и проблемах этикетажа доступна по ссылке:
https://artguide.com/posts/2102

Американский архитектор Филипп Джонсон, выступая в Колледже Барнарда в 1955 году, заявил: «Слово убивает искусство. Слово абстрактно, а искусство конкретно. Слово старо, его все время используют, и потому оно обросло множеством значений. А искусство - это новизна». Таким образом, писать о пустоте сложно, потому что слова всегда выражают присутствие. Самая знаменитая постройка Джонсона - «Стеклянный дом» являет собой принцип полной полной пустоты и полной прозрачности. Есть мнение, что Джонсон украл идею у своего учителя Мис ван дер Роэ ( Кайл Чайка. В поисках минимализма).Последний спроектировал в 1945 году дом для чикагского врача-нефролога Эдит Фарнсворт дом в форме стеклянной призмы. Джонсон видел рабочие планы этого дома, когда был куратором ретроспективы Людвига Миса в МоМА в 1947 г.

Если говорить кратко и фактологично:

▪️В 1918 году его беременная жена Эдит заболела гриппом и умерла. А через несколько дней после ее гибели от вируса умер и сам двадцативосьмилетний Шиле. Популярность пришла к Шиле прямо перед смертью. В сложившейся в Австрии после Первой Мировой войны культурной ситуации, нации нужен был новый символ искусства и Шиле, по ряду причин (см. ниже), идеально подошел под запрос аудитории.

Однако, как это часто бывает - дьявол скрывается в деталях.

▫️После смерти своего учителя Густава Климта весной 1918 года Шиле стал претендовать на роль ведущего художника Австрии.
Этот год принес художнику успех: Вена наконец признала гениальность восходящей арт-звезды, а это означало, что его работы начали наконец-то быть востребованы. Публике нужен был новый кумир и, одновременно, фигура способная «держать планку», заданную предшественником. Масло в огонь добавлял тот факт, что Шиле служил в армии и был участником (пусть и не столь активным. Поначалу он работал в конвое. Сопровождал пленных русских офицеров, а позже его перевели на должность клерка в лагере для пленных (помог блестяще красивый почерк) и даже выделили каморку, в которой художник обустроил мастерскую.

▪️В глазах соотечественников он выглядел патриотом, а для Австрии- это было в тот момент крайне важно. Также Шиле был этническим австрияком, в отличии от еврея Климта и, своего коллеги по цеху австрийских экспрессионистов, чеха Оскара Кокошки. Таким образом, популярность была ему обеспечена.

▫️Благодаря ей, финансовое положение Шиле сильно изменилось. Наконец-то он стал независимым и смог содержать себя, дом и беременную жену. Некоторые специалисты (Виталий Мишин) отмечают, что качество его рисунков в последний год жизни стало резко падать, так на рынке искусства на его работы резко увеличился спрос, что не могло не отразиться и на качестве (в частности, его поздних рисунков).

▪️В нашей стране, в силу разных исторических обстоятельств, гораздо лучше знают парижский авангард начала XX века, нежели художественную жизнь Вены “около 1900 года”. Однако, благодаря двум именам этой эпохи: Климту и Шиле у нас перед глазами возникает удивительная картина умонастроений и чаяний предвоенного поколения, чьи представления о прекрасном, а также о границах дозволенного в искусстве сильно отличались от французских мод. От того Австрийское искусство этого периода имеет большое значение для нас до сих пор.

🔲 Для сомневающихся сошлюсь на лекцию Мераба Мамардашвили (Вена на заре 20 века, прочитанную в стенах Пушкинского музея в октябре 1990 года).

Ссылка на текст здесь: https://mamardashvili.com/files/pdf/euro/29%20Вена%20на%20заре%20XX%20века.pdf

На этой неделе рассказываю для Science.Me об Эгоне Шиле. Подробнее здесь: https://scienceme.ru/99?fbclid=IwAR0iNLiZGng9zPM-mqEliYvtJG9GgVAce4jC_W2xR6kCIZLr6nf8TLzfSOI

В возрасте 98 лет умерла Ирина Александровна Антонова, директор ГМИИ им. Пушкина с 1961 по 2013 год.

На этой неделе рассказываю про Дейнеку! Присоединяйтесь!

Фигура Александра Дейнеки до сих пор остается крайне неоднозначной. По своей сути, он художник новатор, однако постоянная привязанность к действительности, а также внешний блеск и признание официальной советской властью в глазах “широких трудовых масс”👩🏼‍🏭👨🏼‍🏭сделало художника соцреалистом. Конечно, все несколько сложнее.

Социалистический реализм - это творческий метод принятый официальной советской эстетикой для всех сфер культуры искусства🎨. Сначала этот метод был утвержден в области литературы, благодаря усилиям РАПП (Российской ассоциации пролетарский писателей). В 1934 году этот метод был утверждён как основной художественный метод советской литературы А.М. Горьким на первом съезде советских писателей✍🏻. Следом потянулись художники, архитекторы, кинематографисты, театральные деятели и композиторы. По сути, утверждение метода “социалистического реализма” в искусстве стало окончательным признанием перехода от дискуссионного характера творческой деятельности, который наблюдался в 1920-е годы (благодаря многочисленным группировкам и объединениям) к одному “единственно верному пути”, которым “идут товарищи”👯‍♂️. В 1930-е наступили “заморозки” интеллектуальной и художественной жизни страны.

Типичными сюжетами для живописцев становятся: заводские труженики за работой, счастливые колхозники на фоне целины, первомайские марши, радостные пионеры, люди на субботниках, вожди на встрече с населением и все в таком духе👩🏼‍🌾🧑🏼‍🏫🧑🏻‍🚒. Картины всегда реалистичны, в них нет метафор, абстракций и никаких аллюзий. Никакого “второго дна”. Цветовая гамма на полотнах часто светлая, пастельная - бесконечная “жизнерадостная” картина советской действительности👻.

Дейнека человек вышедший из ВХУТЕМАСа🎓 (Высшие художественно-технические мастерские - объединение учебных заведений в Москве, Петрограде и других российских городах. В Москве открылся в 1920 году и просуществовал до 1926 года).

В этом уникальном учебном заведении преподавали очень разные люди. От вполне “спокойного” живописца Константина Коровина до конструктивиста Владимира Татлина. Александру Дейнеке 21 год, он увлекается символизмом, кубизмом, футуризмом, но выбирает своим учителем Владимира Фаворского, что уже говорит о характере художника. Выбор “срединного пути”, без радикальных поворотов↪️. Именно работа над формой и композицией, поиск настоящей свободы в искусстве - все это давала уникальная атмосфера ВХУТЕМАСа.

Кстати, формально Дейнека не закончил учебу, покинув ВХУТЕМАС в 1925 году🧐 (формальным предлогом был конфликт с администрацией учебного заведения, не засчитавшая летнюю производственную практику). В это время он работает художником-иллюстратором в агитационно-массовом журнале “Безбожник у станка”. На протяжении всей жизни у Дейнеки будет очень много заказов. Будучи настоящим трудоголиком, он постоянно работает в самых разных техниках и ищет новые сюжеты для своих полотен📈. Об этом свидетельствуют многочисленные блокноты художника📒.

❔А какие рисунки Дейнеки выбрали бы вы?

Дорогие, друзья! Поздравляю всех с прошедшими новогодними праздниками! Посмотрите мою короткую лекцию для Skillbox! https://www.youtube.com/watch?v=0QAbEH9YJWo

В пятницу прямой эфир в Инстаграмм про концептуальное искусство! Присоединяйтесь: https://www.instagram.com/p/CJ8sDj_scEH/?utm_source=ig_web_copy_link

Всем привет, друзья! Мы устраиваем в эту субботу небольшой джем в кафе нашего знакомого, и хочу вас всех пригласить 🐸

Кафе находится в центре, прямо за госдумой - https://www.instagram.com/zadumoi__

just in case старт джема планируется в 18/19 часов

❔ Новые времена в индустрии современного искусства — это новые возможности?

Рассказывает Константин Плотников, искусствовед, куратор и преподаватель программы «Как понимать современное искусство»:

Pt. 1
«Сейчас как никогда работают горизонтальные связи. С моими коллегами искусствоведами и художниками, живущими за рубежом, мы в находимся в постоянном диалоге. Корректируя планы, мы не отказываемся от дальнейшего сотрудничества, напротив — ищем новые пути развития наших совместных проектов.

Преподаватели школы MSCA продолжают вести занятия в прежнем режиме. Мы пытаемся создать на занятиях атмосферу поддержки и эмпатии в студенческой среде. Творческие люди часто испытывают сильные эмоции относительно окружающей ситуации, иначе и быть не может! И задача преподавателей — помочь студентам направить эту энергию в конструктивное русло. Мы продолжаем активно работать над групповыми проектами, поддерживаем связи с институциями культуры Москвы (музеями, галереями, фондами)».

Pt.2
«Безусловно, для индустрии современного искусства наступают новые времена. Но вглядываясь в историю прошлого столетия, мы обнаружим целый ряд исключительных явлений художественной культуры, которые возникали в тяжелейших условиях. Например, изоляция с Европейским культурным пространством, которая возникла в период первой мировой войны и продолжилась в период гражданской войны, не помешала художникам русского авангарда активно заниматься творчеством и создавать абсолютно инновационные, не заимствующие на тот момент актуальные формы французского и немецкого искусства, художественные произведения, ставшие впоследствии признанными шедеврами мирового искусства.

Поэтому все, происходящее сегодня, став феноменом индивидуального сознания отдельных художников, будет преображаться, проходя сквозь авторскую рефлексию, в новые формы (в какие именно, мы сейчас можем только догадываться) художественного высказывания. А то, что потребность в таком высказывании не иссякнет, можно точно не сомневаться!»

Начиная с эпохи романтизма, искусство воспринимается в качестве некоего суррогата религии. Тоже происходит и сегодня. Проблема в том, что как таковая идеализация искусства ни на шаг не приблизит нас к его пониманию. Не важно, восторгаетесь вы авангардом или «классикой», «реальная» история искусства жестока и бессмысленна, как впрочем и сама жизнь.