В 1999 году с целью вернуть уважение к фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству английские художники Билли Чайлдиш и Чарли Томсон основали международное художественное движение «стакизм» («Stuckism»).
Название «стакизм» (не самое удачное для альтернативы постмодерну) пришло авторам манифеста в голову, когда художница Трейси Эмин, в то время девушка Билли Чайлдиша, сказала ему: «Твои работы вязкие, ты сам вязкий! Вязкий! Вязкий! Вязкий!» (stuck). Именно это высказывание стало эпиграфом Манифеста стакистов.
На картине Чарльза Томсана изображен директор галереи Тейт Николас Серота, пытающийся разобраться что находится перед ним очередной шедевр Трейси Эмин или фейк?
На фото:
CHARLES THOMSON.
SIR NICHOLAS SEROTA MAKES AN ACQUISITIONS DECISON, 40 x 30", oil and acrylic on canvas
Название «стакизм» (не самое удачное для альтернативы постмодерну) пришло авторам манифеста в голову, когда художница Трейси Эмин, в то время девушка Билли Чайлдиша, сказала ему: «Твои работы вязкие, ты сам вязкий! Вязкий! Вязкий! Вязкий!» (stuck). Именно это высказывание стало эпиграфом Манифеста стакистов.
На картине Чарльза Томсана изображен директор галереи Тейт Николас Серота, пытающийся разобраться что находится перед ним очередной шедевр Трейси Эмин или фейк?
На фото:
CHARLES THOMSON.
SIR NICHOLAS SEROTA MAKES AN ACQUISITIONS DECISON, 40 x 30", oil and acrylic on canvas
Когда в ХХ веке рассеянный взгляд становится культурной привычкой, складываются основные установки новой, децентрированной субъективности. Зритель, к которому обращается современное искусство, - подвижный и деятельный носитель скользящего взгляда, но эта активизация содержит в себе долю пассивности. Прогуливающийся в пространстве инсталляции зритель напоминает фланера. Это пространство образовано сочетаниями предметов, изображений, знаков, обращенных к восприимчивому, но распыленному взгляду, который легко распознает паттерны не проваливаясь в глубины образа, как в случае традиционной картины. Скольжение по поверхности определяет сегодняшнее взаимодействие зрителя и искусства.
На фото:
Инсталляции Майка Нельсона.
На фото:
Инсталляции Майка Нельсона.
«Публика почти ничего не знает об этом, о том, как художественное сообщество действует и взаимодействует.
К тому времени, когда что-то доходит до публики, всё, что она слышит, — это надгробное слово».
Так мог размышлять Мортон Фельдман об искусстве в послевоенную эпоху. Благодаря интернету подобное становится практически невозможным. Публичность любого художника опережает его творческую активность, а общение любого участника профессионального сообщества становится достоянием публики до всякого высказывания. Остаются ли сегодня лакуны для лабораторных экспериментов художника? Другими словами, есть ли место тайне творческого процесса в современных условиях?
На фото:
Philip Guston. Painting, smoking, eating. 1972
К тому времени, когда что-то доходит до публики, всё, что она слышит, — это надгробное слово».
Так мог размышлять Мортон Фельдман об искусстве в послевоенную эпоху. Благодаря интернету подобное становится практически невозможным. Публичность любого художника опережает его творческую активность, а общение любого участника профессионального сообщества становится достоянием публики до всякого высказывания. Остаются ли сегодня лакуны для лабораторных экспериментов художника? Другими словами, есть ли место тайне творческого процесса в современных условиях?
На фото:
Philip Guston. Painting, smoking, eating. 1972
Метамодерн – не стиль, но состояние культуры, не художественное направление, но глобальная ментальная парадигма. В то же время, метамодерн как состояние культуры порождает и определяет новые способы существования искусства – а значит, и его новую поэтику.
Об искусстве метамодернизма поговорим на двухдневном интенсиве в галерее на Шаболовке 8 и 9 марта.
Подробности здесь.
На фото: Мемы о конце постмодернизма
Об искусстве метамодернизма поговорим на двухдневном интенсиве в галерее на Шаболовке 8 и 9 марта.
Подробности здесь.
На фото: Мемы о конце постмодернизма
Forwarded from Art Community (Marianna)
Делимся отрывками с лекции Константина Плотникова «Кино и психоанализ», которая прошла
1 марта в Галерее А3.
Совсем скоро анонсируем темы новых лекций и будем рады видеть вас снова 🫶🏽
1 марта в Галерее А3.
Совсем скоро анонсируем темы новых лекций и будем рады видеть вас снова 🫶🏽
Дорогие друзья, появилась возможность купить билеты на мой интенсив в галерее на Шаболовке на 8 и 9 марта.
Подробности про интенсив и билеты здесь!
На фото:
Эдвард Хоппер. Контора в маленьком городе, 1953
Подробности про интенсив и билеты здесь!
На фото:
Эдвард Хоппер. Контора в маленьком городе, 1953
«Может показаться парадоксальным, но Кафка, Мондриан и Веберн никогда не были влиятельными. Влиятельны их подражатели. Вот кто создает художнику настоящий престиж — его подражатели.
Правда в том, что мы можем неплохо жить и без искусства, а вот без мифа об искусстве мы жить не можем. Мифотворцы успешны, потому что знают: в искусстве, как и в жизни, нам необходима иллюзия значимости. Мифотворцы льстят этой потребности. Они дают нам искусство, увязанное с философскими системами, искусство, полное отсылок и символов, искусство, упрощающее искусство, освобождающее нас от него».
Мортон Фелдман. Привет восьмой улице. СПб, 2019, с. 76
На фото:
Пит Мондриан. Композиция с красным, синим и жёлтым. 1930
Правда в том, что мы можем неплохо жить и без искусства, а вот без мифа об искусстве мы жить не можем. Мифотворцы успешны, потому что знают: в искусстве, как и в жизни, нам необходима иллюзия значимости. Мифотворцы льстят этой потребности. Они дают нам искусство, увязанное с философскими системами, искусство, полное отсылок и символов, искусство, упрощающее искусство, освобождающее нас от него».
Мортон Фелдман. Привет восьмой улице. СПб, 2019, с. 76
На фото:
Пит Мондриан. Композиция с красным, синим и жёлтым. 1930
Forwarded from Галерея На Шаболовке
Уже завтра в Галерее на Шаболовке стартует двухдневный интенсив, приуроченный к выставке «Сергей Чернов. Играя в авангард» и посвященной теории современного искусства.
Интенсив будет проходить в формате лекций и дискуссий и состоять из теоретических и практических (письменных) занятий.
Расписание:
8 марта (суббота)
15:00–16:15 практикум «Как писать о современном искусстве и стоит ли это делать?»
16:30–17:45 лекция «Интеллектуальные тренды в современном искусстве»
9 марта (воскресенье)
15:00–16:15 лекция «Кто есть кто в современном искусстве»
16:30–17:45 практикум «Осмысляя современное искусство. Free writing и другие письменные практики»
По итогам обучения вы:
➡️ станете разбираться в актуальных трендах современного искусства;
➡️ узнаете и сможете различать ключевые теории XXI века, связанные с современной культурой;
➡️ сможете анализировать произведения искусства и аргументировать свою точку зрения.
🎓 Занятия проведёт: Константин Плотников — искусствовед, кандидат филологических наук и преподаватель Московской школы современного искусства.
Интенсив подойдёт для участников разного уровня подготовки: художников, кураторов, специалистов арт-индустрии и всех, кто интересуется современным искусством и актуальными проблемами теории.
Стоимость:
Два дня – 5000 рублей
Один день – 3000 рублей
Билеты по ссылке🔗
Задать дополнительные вопросы можно здесь🔗
На фото: художник Сергей Чернов.
В начале XXI столетия почти все теоретики современности отказались от термина «постмодернизм». Постмодерн как язык описания эпохи уступил место чему-то другому. Разные авторы стали активно предлагать собственные концепции новой культурной логики. Этот универсум теорий, получивший наименование «постпостмодернизм», в отношении к понятию авангарда станет основной темой нашего интенсива.
Интенсив будет проходить в формате лекций и дискуссий и состоять из теоретических и практических (письменных) занятий.
Расписание:
8 марта (суббота)
15:00–16:15 практикум «Как писать о современном искусстве и стоит ли это делать?»
16:30–17:45 лекция «Интеллектуальные тренды в современном искусстве»
9 марта (воскресенье)
15:00–16:15 лекция «Кто есть кто в современном искусстве»
16:30–17:45 практикум «Осмысляя современное искусство. Free writing и другие письменные практики»
По итогам обучения вы:
Интенсив подойдёт для участников разного уровня подготовки: художников, кураторов, специалистов арт-индустрии и всех, кто интересуется современным искусством и актуальными проблемами теории.
Стоимость:
Два дня – 5000 рублей
Один день – 3000 рублей
Билеты по ссылке
Задать дополнительные вопросы можно здесь
На фото: художник Сергей Чернов.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
«…художник создает и показывает свое искусство, публика смотрит и оценивает то, что он показал. На первый взгляд такая расстановка сил дает преимущество, прежде всего, художнику, выступающему в роли самостоятельного, активного индивидуума перед пассивной, анонимной массой зрителей. Художник может прославить свое имя, в то время как имена зрителей, чье одобрение обеспечило ему этот успех, останутся неизвестными. Современное искусство можно легко принять за своеобразную машину по производству славы художника за счет публики. Но придерживаясь такой точки зрения, мы упускаем из виду то, что в эпоху современности художник целиком отдан на милость публики: если произведение искусства ей не нравится, оно де-факто утрачивает свою ценность. В сущности, оно автоматически превращается в мусор».
Борис Гройс. Введение в антифилософию. М, Ад Маргинем, 2021.
На фото:
Pierre-Auguste Renoir. Luncheon of the Boating Party. 1881, The Phillips Collection, Washington, D.C.
Борис Гройс. Введение в антифилософию. М, Ад Маргинем, 2021.
На фото:
Pierre-Auguste Renoir. Luncheon of the Boating Party. 1881, The Phillips Collection, Washington, D.C.
Отсылки к ранее созданным произведениям — обычное дело в истории искусства. Художники во все времена обращались к образцам прошлого; более того, именно так — через копирование, подражание шедеврам и переосмысление характерных черт и мотивов — традиционно строилось обучение ремеслу.
После знакомства с европейской художественной культурой (совершил три путешествия в Европу в период с 1906 по 1910 гг.) американский художник Эдвард Хоппер перешел от иллюстрации к занятиям живописью. И на кого же больше всего походят из французских живописцев ранние работы Хоппера?
После знакомства с европейской художественной культурой (совершил три путешествия в Европу в период с 1906 по 1910 гг.) американский художник Эдвард Хоппер перешел от иллюстрации к занятиям живописью. И на кого же больше всего походят из французских живописцев ранние работы Хоппера?
Поскольку импрессионисты оставляли мазки видимыми, последние начали играть особую роль в восприятии живописи. Если бы мазки были направлены в одну сторону, могло бы возникнуть ощущение заваливающегося или сползающего по диагонали пейзажа. Импрессионисты хотели уйти от этого единообразного движения. Их интересовал пейзаж, который бы мерцал и дышал, оставаясь неподвижным: «Чтобы достичь стазиса в живописи, недостаточно сделать штрихи в равной мере направленные во все стороны, как если бы они были рассыпанными спичками. Такая живопись была бы роем взаимно пересекающихся линий. Чтобы достичь того, чего достиг Моне, нужно оставлять следы, которые бы не имели ориентации и однородной формы, так чтобы они никогда не могли собраться в стада и начать маршировать вниз и вверх, как это иногда делают точки Сёра...». (James Elkins. What Painting Is. New York; London, Routledge, 2000, p. 10–11).
На фото:
Claude Monet. Weeping Willow, 1918. Kimbell Art Museum
На фото:
Claude Monet. Weeping Willow, 1918. Kimbell Art Museum