Что такое пословица? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Это понятие восходит к корню «слово», или slovo. Этимологический словарь Макса Фасмера отмечает, что «праславянское *slovo (основа на -еs-) родственно латышскому slava, slave «молва; репутация; похвала, слава», восточно-литовскому šla͂ve «честь, почесть, слава», šla͂vinti «славить, почитать», древне-индийскому çrávas «слава, похвала, уважение, зов», авестийскому sravah- «слово, учение, изречение», греческому κλέος «слава», древне-ирландскому clú «слава».
Собирать и изучать пословицы начал этнограф Иван Снегирёв, автор четырехтомника «Русские в своих пословицах», опубликованного в 1830-х годах. Его дело продолжили Владимир Даль и Федор Буслаев. «Пословицы русского народа» Даля и «Жизнь русского народа в его пословицах и поговорках» Иакинфа Иллюстрова исследователи считают самыми крупными и значимыми сборниками пословиц дореволюционного периода. Советские ученые продолжили заниматься изучением этих изречений.
Часть русских пословиц сформировалась как переводы с других языков, часто с латыни. В книге «Литературные первоисточники и прототипы трехсот русских пословиц и поговорок» Иван Елизаров указывает, что, например, выражение «беда не приходит одна» произошло от фразы «Abyssus abyssum invocat», которая встречалась у Гомера.
Некоторые пословицы появились благодаря историческим обстоятельствам. Оборот «Вот тебе, бабушка, и Юрьев день» возник, когда в царской России отменили правило, по которому крепостные могли уйти от своего владельца. Это можно было сделать только раз в году — в Юрьев день. Со временем так стали говорить о несбывшихся ожиданиях и внезапных переменах к худшему.
Пословицы отличаются от поговорок тем, что первые — это короткие афоризмы, а вторые — образные выражения. Владимир Даль указывал, что «сваливать с больной головы на здоровую» — это поговорка, а «сваливать с больной головы на здоровую не накладно» — пословица. В Литературной энциклопедии 1929–1939 годов писали, что «пословица есть поэтически оформленный афоризм, поговорка — …ходовое выражение».
Сперва пословицы существовали только в бытовом русском языке. В художественную литературу они попали в XVIII веке. Их часто использовал баснописец Иван Крылов:
* Константин Маковский. Наставление матери. 2-я половина XIX — начало XX века. Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Екатеринбург
Пословицами называют краткие афористические изречения, в которых содержится наблюдение, совет, назидание. Они относятся к малым формам фольклора. Обычно пословицы — это грамматически законченные предложения, которые состоят из двух частей. Иногда сегменты фразы зарифмовывают.
Это понятие восходит к корню «слово», или slovo. Этимологический словарь Макса Фасмера отмечает, что «праславянское *slovo (основа на -еs-) родственно латышскому slava, slave «молва; репутация; похвала, слава», восточно-литовскому šla͂ve «честь, почесть, слава», šla͂vinti «славить, почитать», древне-индийскому çrávas «слава, похвала, уважение, зов», авестийскому sravah- «слово, учение, изречение», греческому κλέος «слава», древне-ирландскому clú «слава».
Собирать и изучать пословицы начал этнограф Иван Снегирёв, автор четырехтомника «Русские в своих пословицах», опубликованного в 1830-х годах. Его дело продолжили Владимир Даль и Федор Буслаев. «Пословицы русского народа» Даля и «Жизнь русского народа в его пословицах и поговорках» Иакинфа Иллюстрова исследователи считают самыми крупными и значимыми сборниками пословиц дореволюционного периода. Советские ученые продолжили заниматься изучением этих изречений.
Часть русских пословиц сформировалась как переводы с других языков, часто с латыни. В книге «Литературные первоисточники и прототипы трехсот русских пословиц и поговорок» Иван Елизаров указывает, что, например, выражение «беда не приходит одна» произошло от фразы «Abyssus abyssum invocat», которая встречалась у Гомера.
Некоторые пословицы появились благодаря историческим обстоятельствам. Оборот «Вот тебе, бабушка, и Юрьев день» возник, когда в царской России отменили правило, по которому крепостные могли уйти от своего владельца. Это можно было сделать только раз в году — в Юрьев день. Со временем так стали говорить о несбывшихся ожиданиях и внезапных переменах к худшему.
Пословицы отличаются от поговорок тем, что первые — это короткие афоризмы, а вторые — образные выражения. Владимир Даль указывал, что «сваливать с больной головы на здоровую» — это поговорка, а «сваливать с больной головы на здоровую не накладно» — пословица. В Литературной энциклопедии 1929–1939 годов писали, что «пословица есть поэтически оформленный афоризм, поговорка — …ходовое выражение».
Сперва пословицы существовали только в бытовом русском языке. В художественную литературу они попали в XVIII веке. Их часто использовал баснописец Иван Крылов:
Услужливый дурак опаснее врага.
Иван Крылов. «Пустынник и медведь»
* Константин Маковский. Наставление матери. 2-я половина XIX — начало XX века. Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Екатеринбург
❤10
Что такое искусство? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Ученые считают, что искусство зародилось еще в первобытном мире. В период с 35-го по 10-е тысячелетие до нашей эры возникли живопись, графика и скульптура. Наскальные рисунки и древние фигурки из камня археологи и в наши дни находят по всему миру. Одно из самых известных древних произведений искусства можно увидеть в пещере Альтамира в Испании: ее стены и своды украшают образы животных и отпечатки ладоней. Возраст этих изображений — около 20 тысяч лет.
Искусство достигло особого расцвета в Древнем Египте и Древней Греции. Греческие мастера с анатомической точностью передавали в камне фигуру человека, напряжение мускулов и текстуру тончайшей ткани.
На протяжении истории человечества искусство менялось. В эпоху Средневековья в странах Европы развивались скульптура, иконопись, совершенствовались техники витража и мозаики. Живописцы Возрождения освоили законы перспективы, научились изображать глубину пространства на плоском холсте, а скульпторы отражали не только внешность, но и эмоции моделей. В разных видах искусства появлялись общие черты — так возникали разные стили и течения, например классицизм XVII—XIX веков.
На Руси раннее искусство связано с зодчеством. После принятия христианства в городах и селениях строили церкви, их внутренние своды и стены украшали мозаиками, рельефами, иконами и фресками — росписями по сырой штукатурке. Долгое время искусство оставалось преимущественно религиозным, а при Петре I в Россию стали приезжать иностранные художники, музыканты, актеры, а отечественные мастера отправлялись на учебу в Европу. Так отечественное искусство начало перенимать мировые стили и направления. При этом живописцы, писатели и скульпторы продолжали обращаться и к древнерусским традициям. Например, примитивизм — одно из течений авангарда на рубеже XIX–XX веков — возник под вдохновением от старинных икон, лубков, скульптурных фигур.
Исторически сложились разные виды искусства: архитектура, графика, живопись, скульптура, литература, музыка, хореография, театр, цирк, среди самых молодых — фотография, кино и телевидение. Внутри каждого вида также существуют разновидности — жанры. Например, триллер — жанр кино и литературы, а портрет — изобразительного искусства.
Искусство — это термин, которым обозначают произведения, созданные человеком, а также сам процесс творчества. Автор художественно осмысляет действительность, передает идею через художественный образ.
Ученые считают, что искусство зародилось еще в первобытном мире. В период с 35-го по 10-е тысячелетие до нашей эры возникли живопись, графика и скульптура. Наскальные рисунки и древние фигурки из камня археологи и в наши дни находят по всему миру. Одно из самых известных древних произведений искусства можно увидеть в пещере Альтамира в Испании: ее стены и своды украшают образы животных и отпечатки ладоней. Возраст этих изображений — около 20 тысяч лет.
Искусство достигло особого расцвета в Древнем Египте и Древней Греции. Греческие мастера с анатомической точностью передавали в камне фигуру человека, напряжение мускулов и текстуру тончайшей ткани.
На протяжении истории человечества искусство менялось. В эпоху Средневековья в странах Европы развивались скульптура, иконопись, совершенствовались техники витража и мозаики. Живописцы Возрождения освоили законы перспективы, научились изображать глубину пространства на плоском холсте, а скульпторы отражали не только внешность, но и эмоции моделей. В разных видах искусства появлялись общие черты — так возникали разные стили и течения, например классицизм XVII—XIX веков.
На Руси раннее искусство связано с зодчеством. После принятия христианства в городах и селениях строили церкви, их внутренние своды и стены украшали мозаиками, рельефами, иконами и фресками — росписями по сырой штукатурке. Долгое время искусство оставалось преимущественно религиозным, а при Петре I в Россию стали приезжать иностранные художники, музыканты, актеры, а отечественные мастера отправлялись на учебу в Европу. Так отечественное искусство начало перенимать мировые стили и направления. При этом живописцы, писатели и скульпторы продолжали обращаться и к древнерусским традициям. Например, примитивизм — одно из течений авангарда на рубеже XIX–XX веков — возник под вдохновением от старинных икон, лубков, скульптурных фигур.
Исторически сложились разные виды искусства: архитектура, графика, живопись, скульптура, литература, музыка, хореография, театр, цирк, среди самых молодых — фотография, кино и телевидение. Внутри каждого вида также существуют разновидности — жанры. Например, триллер — жанр кино и литературы, а портрет — изобразительного искусства.
❤3
Что такое бисквит? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Название происходит от французского слова biscuit — «сухарь», «сухое печенье». Оно восходит к латинскому bis coctum, что означает «дважды выпеченное».
Для керамики бисквит используют массу из фарфоровой глины — каолин — и трех типов минералов: кварца, мела и полевого шпата. Смесь дважды обжигают при невысокой температуре. В первый раз это делают медленно, чтобы испарения воды не изменили форму изделия. После второго обжига получается предмет светлого оттенка с пористой, немного неровной поверхностью. Такие изделия легко впитывают воду и обладают высокой прочностью.
Первые статуэтки из бисквита создали в 1751 году на Севрской фарфоровой мануфактуре под Парижем. В их основу легли рисунки Жан-Жака Башелье в стилях рококо и неоклассицизм. Позже, когда с мануфактурой стал сотрудничать скульптор Этьен Морис Фальконе, севрские бисквиты прославились по всей Европе.
В Российской империи неглазурованный фарфор производила Невская порцелиновая мануфактура, которую позже переименовали в Императорский фарфоровый завод — одно из четырех крупнейших фарфоровых предприятий Европы в XVIII столетии. К концу 1760-х годов Андрей Черный, мастер мануфактуры, создал первые отечественные бисквиты. Они быстро стали популярны — и вскоре в России стали даже коллекционировать неглазурованный фарфор.
В советское время производство бисквита продолжили. Если до революции в этом материале выпускали в основном подражания античному искусству и цветы, то в СССР из него изготавливали фигурки рабочих, писателей-классиков и балетных артистов.
Традиция продолжилась и в новейшее время. Так, в 2000-е годы художник Михаил Шемякин вместе с современным Императорским фарфоровым заводом создал серию из 12 фигурок «Уход гостей» по мотивам своего балета «Щелкунчик», который вышел в Мариинском театре.
* Михаил Шемякин. Императорский фарфоровый завод, Москва. Подарочный набор «Уход гостей» по мотивам балета «Щелкунчик». Фотография: ipm.ru
* Неизвестный скульптор. Группа бисквитная «Аллегория» (женские и детские фигурки). Конец XVIII века. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
* Николай и Элеонора Пименовы. Фарфоровый бисквитный букет. 1967. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Бисквит — это один из видов керамических изделий. Так называют предметы, непокрытые глазурью, или особый вид фарфора с немного шершавой фактурой поверхности.
Название происходит от французского слова biscuit — «сухарь», «сухое печенье». Оно восходит к латинскому bis coctum, что означает «дважды выпеченное».
Для керамики бисквит используют массу из фарфоровой глины — каолин — и трех типов минералов: кварца, мела и полевого шпата. Смесь дважды обжигают при невысокой температуре. В первый раз это делают медленно, чтобы испарения воды не изменили форму изделия. После второго обжига получается предмет светлого оттенка с пористой, немного неровной поверхностью. Такие изделия легко впитывают воду и обладают высокой прочностью.
Первые статуэтки из бисквита создали в 1751 году на Севрской фарфоровой мануфактуре под Парижем. В их основу легли рисунки Жан-Жака Башелье в стилях рококо и неоклассицизм. Позже, когда с мануфактурой стал сотрудничать скульптор Этьен Морис Фальконе, севрские бисквиты прославились по всей Европе.
В Российской империи неглазурованный фарфор производила Невская порцелиновая мануфактура, которую позже переименовали в Императорский фарфоровый завод — одно из четырех крупнейших фарфоровых предприятий Европы в XVIII столетии. К концу 1760-х годов Андрей Черный, мастер мануфактуры, создал первые отечественные бисквиты. Они быстро стали популярны — и вскоре в России стали даже коллекционировать неглазурованный фарфор.
В советское время производство бисквита продолжили. Если до революции в этом материале выпускали в основном подражания античному искусству и цветы, то в СССР из него изготавливали фигурки рабочих, писателей-классиков и балетных артистов.
Традиция продолжилась и в новейшее время. Так, в 2000-е годы художник Михаил Шемякин вместе с современным Императорским фарфоровым заводом создал серию из 12 фигурок «Уход гостей» по мотивам своего балета «Щелкунчик», который вышел в Мариинском театре.
* Михаил Шемякин. Императорский фарфоровый завод, Москва. Подарочный набор «Уход гостей» по мотивам балета «Щелкунчик». Фотография: ipm.ru
* Неизвестный скульптор. Группа бисквитная «Аллегория» (женские и детские фигурки). Конец XVIII века. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
* Николай и Элеонора Пименовы. Фарфоровый бисквитный букет. 1967. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
❤5🔥1
Что такое ордер? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Ордерные системы возникли в Древней Греции. Они представляли собой стоечно-балочную конструкцию, которая состояла из колонн и антаблемента. Ордерные системы впервые подробно описал Витрувий в трактате «Десять книг об архитектуре».
Сперва существовало два ордера: дорический и ионический. В дорическом практически отсутствовали украшения, а капитель (верхняя часть) колонны имела простую форму. В ионическом ордере капитель была декорирована волютами — каменными завитками. Колонны отличались и по пропорциям: дорические были массивными, а ионические — более утонченными. В Древней Греции дорический ордер считался воплощением мужской красоты, а ионический — женской.
Отличался в разных ордерах и антаблемент — несомая часть конструкции, которая состоит из архитрава, фриза и карниза. Архитравом называют балку над колоннами, фризом — декорированный элемент антаблемента, а карнизом — завершающую его выступающую часть. В дорическом ордере фриз состоял из триглифов и метоп — чередующихся квадратов с разными рельефами. В ионическом ордере этот элемент целиком заполнял сюжетный рельеф.
Позже возник коринфский ордер, более сложный по декору. Капители колонн украшали листьями аканта. Пропорционально эта система повторяла ионическую, но воплощала не просто женскую красоту, а девичью стройность. Этот ордер стал популярен в эпоху эллинизма.
В Древнем Риме архитекторы реформировали греческие ордерные системы. Появился тосканский ордер — переосмысление дорического. Он выглядел более просто: фриз не был украшен рельефами, на колоннах не было каннелюр (декоративных борозд), а стояли колонны на основаниях — базах. Зодчие также совместили ионический и коринфский ордеры — и получился композитный. В капителях этой системы были и волюты, и листья аканта.
В Средние века ордерные системы перестали использовать в архитектуре. А в эпоху Возрождения, когда искусство обратилось к идеалам Античности, зодчие вновь начали строить здания с ордерами. С тех пор эти системы не уходили из архитектуры вплоть до второй половины XIX века.
В Россию этот принцип строительства пришел вместе с западными стилями — барокко и классицизмом. Отечественные архитекторы XVIII–XIX веков тоже использовали ордерные системы.
* Колонна дорического ордера, Акрополь, Линдос, Греция. Фотография: Виктория Катьянова / фотобанк «Лори»
* Колоннада тосканского ордера, здание усадьбы купца Золотарева, Калуга. Фотография: Лариса Вишневская / фотобанк «Лори»
* Коринфский ордер, капитель колонны Исаакиевского собора, Санкт-Петербург. Фотография: Александр Щепин / фотобанк «Лори»
Ордером называют систему несомых и несущих частей с определенной структурой и художественной обработкой. Этот термин произошел от латинского слова ordo, что переводится как «порядок».
Ордерные системы возникли в Древней Греции. Они представляли собой стоечно-балочную конструкцию, которая состояла из колонн и антаблемента. Ордерные системы впервые подробно описал Витрувий в трактате «Десять книг об архитектуре».
Сперва существовало два ордера: дорический и ионический. В дорическом практически отсутствовали украшения, а капитель (верхняя часть) колонны имела простую форму. В ионическом ордере капитель была декорирована волютами — каменными завитками. Колонны отличались и по пропорциям: дорические были массивными, а ионические — более утонченными. В Древней Греции дорический ордер считался воплощением мужской красоты, а ионический — женской.
Отличался в разных ордерах и антаблемент — несомая часть конструкции, которая состоит из архитрава, фриза и карниза. Архитравом называют балку над колоннами, фризом — декорированный элемент антаблемента, а карнизом — завершающую его выступающую часть. В дорическом ордере фриз состоял из триглифов и метоп — чередующихся квадратов с разными рельефами. В ионическом ордере этот элемент целиком заполнял сюжетный рельеф.
Позже возник коринфский ордер, более сложный по декору. Капители колонн украшали листьями аканта. Пропорционально эта система повторяла ионическую, но воплощала не просто женскую красоту, а девичью стройность. Этот ордер стал популярен в эпоху эллинизма.
В Древнем Риме архитекторы реформировали греческие ордерные системы. Появился тосканский ордер — переосмысление дорического. Он выглядел более просто: фриз не был украшен рельефами, на колоннах не было каннелюр (декоративных борозд), а стояли колонны на основаниях — базах. Зодчие также совместили ионический и коринфский ордеры — и получился композитный. В капителях этой системы были и волюты, и листья аканта.
В Средние века ордерные системы перестали использовать в архитектуре. А в эпоху Возрождения, когда искусство обратилось к идеалам Античности, зодчие вновь начали строить здания с ордерами. С тех пор эти системы не уходили из архитектуры вплоть до второй половины XIX века.
В Россию этот принцип строительства пришел вместе с западными стилями — барокко и классицизмом. Отечественные архитекторы XVIII–XIX веков тоже использовали ордерные системы.
* Колонна дорического ордера, Акрополь, Линдос, Греция. Фотография: Виктория Катьянова / фотобанк «Лори»
* Колоннада тосканского ордера, здание усадьбы купца Золотарева, Калуга. Фотография: Лариса Вишневская / фотобанк «Лори»
* Коринфский ордер, капитель колонны Исаакиевского собора, Санкт-Петербург. Фотография: Александр Щепин / фотобанк «Лори»
❤5🔥4
Что такое поговорка? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Поговорка — это краткое образное выражение, которое строится на оценке какой-то жизненной ситуации. Часто в основе лежат сравнения, гиперболы и метафоры. Поговорки, как и пословицы, относятся к малым формам фольклора.
Поговорки обычно возникали в бытовой речи и попадали из нее в письменные источники — часто намного позже. Поэтому исследователи не могут зафиксировать точно, когда именно появилась эта форма. В отличие от пословиц, которые иногда восходили к латинским выражениям, поговорки рождались внутри языка и отражали опыт его носителей.
По устройству поговорки относятся к устойчивым выражениям. Они похожи на пословицы, но филологи различают их по нескольким признакам. Толковый словарь Ожегова указывает, что поговорка не представляет собой законченного высказывания, а часто обретает полный смысл только в контексте. Из-за этого у оборота может не быть строго фиксированного смысла: он зависит от мысли говорящего. В поговорке менее ярко, чем в пословице, воплощаются народная мудрость и жизненные наблюдения и нет обобщающего поучающего вывода.
Владимир Даль, который во второй половине XIX века изучал фольклорные афоризмы, так объяснял разницу между пословицами и поговорками:
Даль стал одним из крупнейших ученых, которые занимались сбором и каталогизацией народных устойчивых выражений. В 1862 году вышла его книга «Пословицы русского народа».
Похожий вывод приводят авторы словаря-справочника «Педагогическое речеведение»:
Поговорка — это краткое образное выражение, которое строится на оценке какой-то жизненной ситуации. Часто в основе лежат сравнения, гиперболы и метафоры. Поговорки, как и пословицы, относятся к малым формам фольклора.
Будет и на нашей улице праздник.
Поговорки обычно возникали в бытовой речи и попадали из нее в письменные источники — часто намного позже. Поэтому исследователи не могут зафиксировать точно, когда именно появилась эта форма. В отличие от пословиц, которые иногда восходили к латинским выражениям, поговорки рождались внутри языка и отражали опыт его носителей.
По устройству поговорки относятся к устойчивым выражениям. Они похожи на пословицы, но филологи различают их по нескольким признакам. Толковый словарь Ожегова указывает, что поговорка не представляет собой законченного высказывания, а часто обретает полный смысл только в контексте. Из-за этого у оборота может не быть строго фиксированного смысла: он зависит от мысли говорящего. В поговорке менее ярко, чем в пословице, воплощаются народная мудрость и жизненные наблюдения и нет обобщающего поучающего вывода.
Владимир Даль, который во второй половине XIX века изучал фольклорные афоризмы, так объяснял разницу между пословицами и поговорками:
Поговорка — коротенькая притча; сама же она говорит, что «голая речь не пословица». Это — суждение, приговор, поучение, высказанное обиняком и пущенное в оборот, под чеканом народности. Пословица — обиняк, с приложением к делу, понятый и принятый всеми. Но «одна речь не пословица»: как всякая притча, полная пословица состоит из двух частей: из обиняка, картины, общего суждения и из приложения, толкования, поучения; нередко, однако же, вторая часть опускается, предоставляется сметливости слушателя, и тогда пословицу почти не отличишь от поговорки.
Даль стал одним из крупнейших ученых, которые занимались сбором и каталогизацией народных устойчивых выражений. В 1862 году вышла его книга «Пословицы русского народа».
Похожий вывод приводят авторы словаря-справочника «Педагогическое речеведение»:
Пословица выступает в речи как самостоятельное суждение, а поговорка получает окончательное оформление и конкретный смысл только в контексте, то есть она является всегда только частью суждения.
❤4🔥3
Что такое винтаж? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Термин «винтаж» появился в винодельческой среде. Старофранцузское слово vendenge произошло от латинского vindemia — и то и другое переводится как «сбор винограда». Сейчас в виноделии так обозначают год сбора урожая или создания напитка. Ценное вино иногда тоже называют винтажем. Это понятие указывало на то, что технологи тщательно контролировали все этапы производства напитка.
По отношению к костюмам термин начали употреблять только в конце 1990-х годов. Однако сама мода на старую одежду возникла еще в начале XX века. Историк Дженнифер Ли Зотт в книге «От Goodwill до гранжа: история стиля секонд-хенд и альтернативной экономики» писала, что интерес к винтажным предметам появился в годы Первой мировой войны. Тогда фабрики не могли производить так много изделий, как раньше, поэтому люди стали реже менять старые вещи на новые.
В истории искусства винтажными называют качественные предметы, которые были выпущены небольшим тиражом. Культуролог Юлия Курамшина писала: «Как правило, «винтажными» признаются аутентичные вещи, имеющие ярко выраженную стилистику определенной эпохи, выпущенные небольшим, но очень популярным тиражом».
Винтаж следует отличать от антиквариата и ретро. По мнению основателя канадского Музея истории моды Джонатана Валфорда, винтажными можно считать вещи не младше 20 и не старше 75 лет. Лингвист Екатерина Мурашова так отмечает отличия этих терминов: «Ретро» обозначает современный предмет, намеренно напоминающий о прошлом, в то время как антикварными и винтажными могут считаться только по-настоящему старинные вещи, представляющие историческую ценность ввиду их принадлежности той или иной прошедшей эпохе».
Поэтому статуэтки фабрики Гарднер XIX века называют антикварными, изделия Ленинградского фарфорового завода 1960-х годов — винтажными, а их современные повторы Императорского фарфорового завода можно отнести к стилю ретро.
* Брошь винтажная. 1960–70-е. Копейский краеведческий музей, Копейск, Челябинская область
* Кумган винтажный. 2-я половина ХХ века. Межпоселенческий краеведческий музей им. В.Е. Розова, Николаевск-на-Амуре, Хабаровский край
* Советские новогодние игрушки в деревянной коробке. Фотография: Мария Кылосова / фотобанк «Лори»
Винтаж — это предметы, которые были созданы какое-то время назад, но все еще не утратили актуальности. Так называют старые, но качественные инструменты, одежду из коллекций прошлых лет, предметы искусства, которые отражают дух своей эпохи. Особенно часто это понятие употребляют историки костюма и моды.
Термин «винтаж» появился в винодельческой среде. Старофранцузское слово vendenge произошло от латинского vindemia — и то и другое переводится как «сбор винограда». Сейчас в виноделии так обозначают год сбора урожая или создания напитка. Ценное вино иногда тоже называют винтажем. Это понятие указывало на то, что технологи тщательно контролировали все этапы производства напитка.
Для итальянцев было странно узнать, что остались лишь самые поздние сорта, а основной винтаж кончился в феврале, как раз во время снежных ветров и суровой зимы этого года на Средиземном море».
Иван Ефремов. «Лезвие бритвы». 1959–1963
По отношению к костюмам термин начали употреблять только в конце 1990-х годов. Однако сама мода на старую одежду возникла еще в начале XX века. Историк Дженнифер Ли Зотт в книге «От Goodwill до гранжа: история стиля секонд-хенд и альтернативной экономики» писала, что интерес к винтажным предметам появился в годы Первой мировой войны. Тогда фабрики не могли производить так много изделий, как раньше, поэтому люди стали реже менять старые вещи на новые.
В истории искусства винтажными называют качественные предметы, которые были выпущены небольшим тиражом. Культуролог Юлия Курамшина писала: «Как правило, «винтажными» признаются аутентичные вещи, имеющие ярко выраженную стилистику определенной эпохи, выпущенные небольшим, но очень популярным тиражом».
Винтаж следует отличать от антиквариата и ретро. По мнению основателя канадского Музея истории моды Джонатана Валфорда, винтажными можно считать вещи не младше 20 и не старше 75 лет. Лингвист Екатерина Мурашова так отмечает отличия этих терминов: «Ретро» обозначает современный предмет, намеренно напоминающий о прошлом, в то время как антикварными и винтажными могут считаться только по-настоящему старинные вещи, представляющие историческую ценность ввиду их принадлежности той или иной прошедшей эпохе».
Поэтому статуэтки фабрики Гарднер XIX века называют антикварными, изделия Ленинградского фарфорового завода 1960-х годов — винтажными, а их современные повторы Императорского фарфорового завода можно отнести к стилю ретро.
* Брошь винтажная. 1960–70-е. Копейский краеведческий музей, Копейск, Челябинская область
* Кумган винтажный. 2-я половина ХХ века. Межпоселенческий краеведческий музей им. В.Е. Розова, Николаевск-на-Амуре, Хабаровский край
* Советские новогодние игрушки в деревянной коробке. Фотография: Мария Кылосова / фотобанк «Лори»
❤2🔥2
Что такое грим? Отвечаем в рубрике #СловоДня
В русский язык слово «грим» пришло из французского. Амплуа смешного старика называли grime, для этой роли актерам часто приходилось подкрашивать лицо. А само французское слово произошло от итальянского grimo, что переводится как «старик».
Грим известен с древности. Его использовали в религиозных ритуалах и первых представлениях. В античном театре актеры в основном играли в масках. Их изобретение приписывают древнегреческому драматургу Феспису, который жил в VI веке до нашей эры. Римский поэт Гораций в «Науке поэзии» отмечал, что до масок Феспис использовал грим во время своих спектаклей. Искусствовед Дмитрий Трубочкин в статье «Грим на лице античного актера» писал:
В Средневековье актеры вернулись к гриму — они красили лица яркими красками. Часто женские роли играли мужчины. Поэтому макияж использовали, чтобы сделать артистов похожими на их героинь.
В России гримом пользовались сначала участники народных театров и уличных представлений — скоморохи, жонглеры. Лица они красили сажей и соком растений. Часто грим сочетали с масками.
В эпоху классицизма с помощью грима артисты пытались создать идеальные лица, без недостатков. А в XIX веке сценический макияж стал более разнообразным, стремился выделить характерные черты для разных ролей. Заслуженный артист Императорских театров Александр Ленский писал:
В наши дни грим делят на живописный и пластический, то есть объемный. Чтобы создать образы, часто используют постижи — парики, бороды, усы и другие накладки из волос. Для грима применяют не только проверенные веками материалы: вату, косметику, тюль, — но и силикон, пенолатексные накладки, современные устойчивые краски.
Гримом называют разные косметические средства и техники макияжа, которые помогают изменить внешность человека. Эти приемы используют в театре, кино, фотографии.
В русский язык слово «грим» пришло из французского. Амплуа смешного старика называли grime, для этой роли актерам часто приходилось подкрашивать лицо. А само французское слово произошло от итальянского grimo, что переводится как «старик».
Грим известен с древности. Его использовали в религиозных ритуалах и первых представлениях. В античном театре актеры в основном играли в масках. Их изобретение приписывают древнегреческому драматургу Феспису, который жил в VI веке до нашей эры. Римский поэт Гораций в «Науке поэзии» отмечал, что до масок Феспис использовал грим во время своих спектаклей. Искусствовед Дмитрий Трубочкин в статье «Грим на лице античного актера» писал:
Материал для грима Гораций называет неопределенно: faex — «осадок, отстой», или иначе «гуща, примесь». В русской традиции faex в этом контексте обычно переводят как «сусло». Понять, какого цвета было лицо загримированного Фесписа, из слов Горация невозможно, ибо есть два вида сусла: его изготавливают или на основе зерна (тогда лицо белое или белесое), или на основе виноградной гущи (тогда лицо темно-красное).
В Средневековье актеры вернулись к гриму — они красили лица яркими красками. Часто женские роли играли мужчины. Поэтому макияж использовали, чтобы сделать артистов похожими на их героинь.
В России гримом пользовались сначала участники народных театров и уличных представлений — скоморохи, жонглеры. Лица они красили сажей и соком растений. Часто грим сочетали с масками.
В эпоху классицизма с помощью грима артисты пытались создать идеальные лица, без недостатков. А в XIX веке сценический макияж стал более разнообразным, стремился выделить характерные черты для разных ролей. Заслуженный артист Императорских театров Александр Ленский писал:
«Вот в этой-то изощренной способности наблюдать жизнь и обобщать, в этой приспособляемости и гибкости мимики и кроется, по моему мнению, тайна грима, тот философский камень, который так настойчиво и так напрасно ищут в раскрашивании лица и наведении морщин».
В наши дни грим делят на живописный и пластический, то есть объемный. Чтобы создать образы, часто используют постижи — парики, бороды, усы и другие накладки из волос. Для грима применяют не только проверенные веками материалы: вату, косметику, тюль, — но и силикон, пенолатексные накладки, современные устойчивые краски.
🔥6🤔1
Что такое присказка? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Присказкой называют вступление или заключение сказки, обычно шутливое.
Ученые доподлинно не установили, когда и как возникли присказки. Литературовед Валентин Блажес отмечал, что они «вероятно, развились во время, когда сказка стала выполнять лишь эстетическую функцию» и уже не связывалась тесно с ритуальной и мифологической стороной фольклора. Он же отмечал, что их могли придумать скоморохи.
Сперва присказки были частью традиции фольклорных сказок — так исследователь Владимир Пропп называл произведения, которые передавали устно. Позже присказки перешли и в литературные, созданные конкретными авторами, сказки. Один из известных примеров таких присказок — вступление к поэме «Руслан и Людмила» Александра Пушкина:
Присказка в начале помогала настроить слушателей или читателей на попадание в волшебный мир, объясняла, как он функционирует. Многие присказки не имели глубокого смысла и не были связаны сюжетными мотивами с основным сочинением. Иногда одни и те же присказки повторялись перед разными произведениями.
Авторы «Литературного энциклопедического словаря» указывали, что в присказках часто есть ритм. Некоторые написаны в виде стихов, другие — в форме ритмических перекличек.
Присказки в финале сказки завершали повествование. Иногда в них содержалась мораль или поучение, но нередко они были шуточными.
Присказкой называют вступление или заключение сказки, обычно шутливое.
«Это присказка, не сказка. Сказка будет впереди».
Владимир Луговой. Песенка-спор Маши и Вити. Из фильма «Новогодние приключения Маши и Вити»
Ученые доподлинно не установили, когда и как возникли присказки. Литературовед Валентин Блажес отмечал, что они «вероятно, развились во время, когда сказка стала выполнять лишь эстетическую функцию» и уже не связывалась тесно с ритуальной и мифологической стороной фольклора. Он же отмечал, что их могли придумать скоморохи.
Сперва присказки были частью традиции фольклорных сказок — так исследователь Владимир Пропп называл произведения, которые передавали устно. Позже присказки перешли и в литературные, созданные конкретными авторами, сказки. Один из известных примеров таких присказок — вступление к поэме «Руслан и Людмила» Александра Пушкина:
У лукоморья дуб зеленый;
Златая цепь на дубе том:
И днем и ночью кот ученый
Все ходит по цепи кругом;
Идет направо — песнь заводит,
Налево — сказку говорит.
Там чудеса: там леший бродит…
Александр Пушкин. Вступление к поэме «Руслан и Людмила»
Присказка в начале помогала настроить слушателей или читателей на попадание в волшебный мир, объясняла, как он функционирует. Многие присказки не имели глубокого смысла и не были связаны сюжетными мотивами с основным сочинением. Иногда одни и те же присказки повторялись перед разными произведениями.
В некотором царстве,
В некотором государстве,
На ровном месте, как на бороне,
Верст за триста в стороне,
Именно в том, в котором мы живем,
Жил-был царь.
Присказка к сказке «Попов работник»
Авторы «Литературного энциклопедического словаря» указывали, что в присказках часто есть ритм. Некоторые написаны в виде стихов, другие — в форме ритмических перекличек.
«Давно ль это было или недавно, так ли было или не так — теперь никто уж о том не знает. Ну, так расскажем вам то, что деды своим внукам рассказывали, а внуки — своим внукам».
Присказка к сказке «Волшебная дудка»
Присказки в финале сказки завершали повествование. Иногда в них содержалась мораль или поучение, но нередко они были шуточными.
❤6🔥1
Что такое былина? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Былины появились еще в Киевской Руси, в среде знати, приближенной к киевскому князю. После усиления Новгорода старины стали писать и на северо-западе государства. Героями песен киевского цикла были богатыри и воины, а новгородского — купцы, гусляры, крестьяне, например Василий Буслаев и Садко. Так, к новгородскому циклу относится песня «Вольга и Микула Селянинович», к киевскому — знаменитые рассказы о подвигах Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича.
Ученые-фольклористы изучают и собирают древние песни и в наши дни. В текстах былин сохранились детали быта крестьян, князей и их дружин, описания старинного оружия, обычаев и традиций. В них встречаются имена реальных исторических личностей: князя Владимира Мономаха, татарского хана Батыя, воина Пересвета и многих других. А также — названия городов и географических объектов: Киев, Новгород, Муром. При этом тексты былин унаследовали мифологические черты древнего фольклора. Например, их действующими лицами нередко становятся фантастические персонажи: великаны и оборотни, Змей Горыныч и Соловей-разбойник.
В былинах описывали самые разные эпохи. Сказители рассказывали о важных эпизодах истории, но не обязательно в хронологической последовательности. Всего исследователям известно около ста вариантов сюжетов, которые объединяют в несколько групп: былины о героической борьбе с захватчиками, о сватовстве, о борьбе с чудовищами, о спасении семьи, о состязаниях, о богатырях.
Сюжеты и образы древних песен повлияли и на классическую русскую литературу. Так, персонажи былин появились в поэмах Александра Пушкина «Руслан и Людмила» и Михаила Лермонтова «Песня про царя Ивана Васильевича...».
Былина — это песнь о важном событии старины. Былины в народе так и называли — «ста́ринами», то есть сказаниями о реальных эпизодах истории. Такие песни исполняли певцы-сказители, изначально под аккомпанемент гуслей, позже — без музыки. Слова песни произносили неторопливым речитативом или распевом.
Былины появились еще в Киевской Руси, в среде знати, приближенной к киевскому князю. После усиления Новгорода старины стали писать и на северо-западе государства. Героями песен киевского цикла были богатыри и воины, а новгородского — купцы, гусляры, крестьяне, например Василий Буслаев и Садко. Так, к новгородскому циклу относится песня «Вольга и Микула Селянинович», к киевскому — знаменитые рассказы о подвигах Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича.
Ученые-фольклористы изучают и собирают древние песни и в наши дни. В текстах былин сохранились детали быта крестьян, князей и их дружин, описания старинного оружия, обычаев и традиций. В них встречаются имена реальных исторических личностей: князя Владимира Мономаха, татарского хана Батыя, воина Пересвета и многих других. А также — названия городов и географических объектов: Киев, Новгород, Муром. При этом тексты былин унаследовали мифологические черты древнего фольклора. Например, их действующими лицами нередко становятся фантастические персонажи: великаны и оборотни, Змей Горыныч и Соловей-разбойник.
В былинах описывали самые разные эпохи. Сказители рассказывали о важных эпизодах истории, но не обязательно в хронологической последовательности. Всего исследователям известно около ста вариантов сюжетов, которые объединяют в несколько групп: былины о героической борьбе с захватчиками, о сватовстве, о борьбе с чудовищами, о спасении семьи, о состязаниях, о богатырях.
Сюжеты и образы древних песен повлияли и на классическую русскую литературу. Так, персонажи былин появились в поэмах Александра Пушкина «Руслан и Людмила» и Михаила Лермонтова «Песня про царя Ивана Васильевича...».
❤8
Что такое мемуары? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Мемуары стоит отличать от автобиографий и исторических хроник. Автобиографии повествуют о жизни одного конкретного человека. Хроники максимально точно и в правильном порядке описывают исторические события. А мемуары — это взгляд человека на то, что происходит вокруг него. Философ Борис Пукшанский писал, что такие книги отражают «всю совокупность представлений людей, формирующихся в процессе их повседневной обыденной жизни и практики».
Сам термин мемуары пришел в русский язык из французского, где memoire означает «память, воспоминание». Французское же слово образовалось от латинского memoria с тем же значением.
Похожие на мемуары произведения появились еще в Античности, например «Анабасис» Ксенофонта и «Записки о галльской войне» Юлия Цезаря, — их отличало отсутствие четкой авторской позиции. В Средневековье было создано несколько известных автобиографий. Первым произведением в таком жанре в европейской литературе называют «Исповедь» Августина Блаженного.
Мемуары как отдельный жанр зародились во Франции приблизительно в XVI веке. Одним из первых подобных произведений стала книга «Мемуары» дипломата Филиппа де Коммина о правлении Людовика XI.
Мемуарная литература в России появилась примерно в то же время. «История о великом князе Московском» Андрея Курбского 1573 года по композиции напоминает памфлет. Однако автор этого произведения часто делится личным мнением и собственным взглядом на события в России времен правления Ивана IV Грозного.
Самый известный ранний пример мемуарной литературы на русском языке — это «Житие протопопа Аввакума, им самим написанное». В автобиографии старообрядец Аввакум Петров описал свою жизнь, гонения за веру, деяния сподвижников и чудеса, которые он совершал.
Во Франции мемуаристика стала особенно популярна в эпоху Людовика XIV, «короля-солнца». В России много произведений этого жанра появилось в XVIII веке. Тогда в стране была мода на все французское, поэтому писали их чаще всего на французском.
Множество мемуаров оставили известные правители, полководцы, писатели и ученые. Часто подобные книги посвящали определенной эпохе: событиям 1812 года, Великой Отечественной войне, революции 1917 года. Мемуары о жизни в «типичной обстановке восточной дикости и роскоши» оставил Феликс Юсупов. Екатерина II описала свое правление, а Ирина Одоевцева — Петроград 1920-х годов.
Мемуарами называют особый литературный жанр. Авторы мемуаров, как правило, описывают события, в которых принимали участие лично или о которых узнали от своих знакомых.
Мемуары стоит отличать от автобиографий и исторических хроник. Автобиографии повествуют о жизни одного конкретного человека. Хроники максимально точно и в правильном порядке описывают исторические события. А мемуары — это взгляд человека на то, что происходит вокруг него. Философ Борис Пукшанский писал, что такие книги отражают «всю совокупность представлений людей, формирующихся в процессе их повседневной обыденной жизни и практики».
Сам термин мемуары пришел в русский язык из французского, где memoire означает «память, воспоминание». Французское же слово образовалось от латинского memoria с тем же значением.
Похожие на мемуары произведения появились еще в Античности, например «Анабасис» Ксенофонта и «Записки о галльской войне» Юлия Цезаря, — их отличало отсутствие четкой авторской позиции. В Средневековье было создано несколько известных автобиографий. Первым произведением в таком жанре в европейской литературе называют «Исповедь» Августина Блаженного.
Мемуары как отдельный жанр зародились во Франции приблизительно в XVI веке. Одним из первых подобных произведений стала книга «Мемуары» дипломата Филиппа де Коммина о правлении Людовика XI.
Мемуарная литература в России появилась примерно в то же время. «История о великом князе Московском» Андрея Курбского 1573 года по композиции напоминает памфлет. Однако автор этого произведения часто делится личным мнением и собственным взглядом на события в России времен правления Ивана IV Грозного.
Самый известный ранний пример мемуарной литературы на русском языке — это «Житие протопопа Аввакума, им самим написанное». В автобиографии старообрядец Аввакум Петров описал свою жизнь, гонения за веру, деяния сподвижников и чудеса, которые он совершал.
Во Франции мемуаристика стала особенно популярна в эпоху Людовика XIV, «короля-солнца». В России много произведений этого жанра появилось в XVIII веке. Тогда в стране была мода на все французское, поэтому писали их чаще всего на французском.
Множество мемуаров оставили известные правители, полководцы, писатели и ученые. Часто подобные книги посвящали определенной эпохе: событиям 1812 года, Великой Отечественной войне, революции 1917 года. Мемуары о жизни в «типичной обстановке восточной дикости и роскоши» оставил Феликс Юсупов. Екатерина II описала свое правление, а Ирина Одоевцева — Петроград 1920-х годов.
❤9
Что такое энкаустика? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Термин энкаустика — греческого происхождения. Его название переводится как «выжигание». Сама технология тоже зародилась в Древней Греции. Такую технику описал древнеримский мыслитель Плиний Старший в энциклопедии «Естественная история» в I веке до нашей эры: уже тогда она была очень популярна. Плиний Старший писал, что ею пользовались классики древнегреческой живописи Зевксис и Паррасий, которые жили еще в V веке до нашей эры.
Краски для энкаустики состояли из пчелиного воска, пигмента, смолы и масла. Их наносили в расплавленном виде с помощью кисти или каутерия — специального бронзового шпателя, лопатки. В качестве основы для картины обычно брали подготовленное дерево. Его предварительно слегка подогревали, чтобы краски ложились лучше. В конце рисунок закрепляли — оплавляли с помощью жаровни. В итоге получалось яркое и очень прочное изображение.
Обычно в этой технике создавали произведения станковой живописи — отдельные картины. А вот стены так расписывали редко, в основном в тех местах, где изображения в других техниках разрушились бы быстрее, например в банях.
Один из самых известных примеров энкаустики — фаюмские портреты. Они были созданы в I—III вв.еках нашей эры в Египте римскими мастерами (этот регион тогда был частью Римской империи). Подобные портреты использовали вместо погребальных масок. Из-за засушливого климата Египта они хорошо сохранились до наших дней. Фаюмские портреты созданы профессиональными художниками, их отличают яркие краски, правильные пропорции. Многие изображения украшены сусальным золотом. В России большая коллекция фаюмских портретов хранится в ГМИИ им. Пушкина. Музею их передал один из первых в мире египтологов Владимир Голенищев в 1909 году.
В технике энкаустики написаны и раннехристианские иконы, например древнейшее сохранившееся изображение Христа — Христос Пантократор из Синайского монастыря. Однако постепенно восковая живопись была забыта, ее вытеснила темпера.
В XX веке интерес к энкаустике вырос: появились новые инструменты, с помощью которых можно было работать с восковыми красками. Современные художники, рисующие в подобной технике, используют паяльники и электрические утюги.
Энкаустика, или восковая живопись, — это особая техника рисования, в которой используется воск. Этим же словом обозначают краски с воском в составе.
Термин энкаустика — греческого происхождения. Его название переводится как «выжигание». Сама технология тоже зародилась в Древней Греции. Такую технику описал древнеримский мыслитель Плиний Старший в энциклопедии «Естественная история» в I веке до нашей эры: уже тогда она была очень популярна. Плиний Старший писал, что ею пользовались классики древнегреческой живописи Зевксис и Паррасий, которые жили еще в V веке до нашей эры.
Краски для энкаустики состояли из пчелиного воска, пигмента, смолы и масла. Их наносили в расплавленном виде с помощью кисти или каутерия — специального бронзового шпателя, лопатки. В качестве основы для картины обычно брали подготовленное дерево. Его предварительно слегка подогревали, чтобы краски ложились лучше. В конце рисунок закрепляли — оплавляли с помощью жаровни. В итоге получалось яркое и очень прочное изображение.
Обычно в этой технике создавали произведения станковой живописи — отдельные картины. А вот стены так расписывали редко, в основном в тех местах, где изображения в других техниках разрушились бы быстрее, например в банях.
Один из самых известных примеров энкаустики — фаюмские портреты. Они были созданы в I—III вв.еках нашей эры в Египте римскими мастерами (этот регион тогда был частью Римской империи). Подобные портреты использовали вместо погребальных масок. Из-за засушливого климата Египта они хорошо сохранились до наших дней. Фаюмские портреты созданы профессиональными художниками, их отличают яркие краски, правильные пропорции. Многие изображения украшены сусальным золотом. В России большая коллекция фаюмских портретов хранится в ГМИИ им. Пушкина. Музею их передал один из первых в мире египтологов Владимир Голенищев в 1909 году.
В технике энкаустики написаны и раннехристианские иконы, например древнейшее сохранившееся изображение Христа — Христос Пантократор из Синайского монастыря. Однако постепенно восковая живопись была забыта, ее вытеснила темпера.
В XX веке интерес к энкаустике вырос: появились новые инструменты, с помощью которых можно было работать с восковыми красками. Современные художники, рисующие в подобной технике, используют паяльники и электрические утюги.
❤11
Что такое аранжировка? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Автор аранжировки отталкивается от мелодии и гармонической основы оригинального произведения и на их основе заново создает музыкальную форму и расписывает композицию под состав исполнителей. Существуют аранжировки для биг-бенда, для симфонического оркестра, для трио и для других составов.
Также аранжировки создают, чтобы изменить стиль сочинения: например, переложить эстрадное произведение на джазовую гармонию или наоборот. Так, Московский джазовый оркестр под управлением Игоря Бутмана впервые в России представит классическое произведение «Петя и волк» Сергея Прокофьева в джазовых аранжировках, которые специально для закрытия Московского джазового фестиваля создала Кристина Крит. Премьера проекта состоялась 16 июня в концертном зале «Зарядье».
Профессиональный аранжировщик должен разбираться в фактуре произведения, уметь распределять группы инструментов и знать, какое звучание для них характерно. Также он должен понимать, как можно разнообразить тему мелодически и гармонически и развить ее в самостоятельное произведение. Нередко автор аранжировки выступает в роли композитора: создает вступление, связку, коду или даже целый мелодический отрезок в выбранном стиле.
Особенно важную роль аранжировка играет в джазовой музыке. В ней множество стандартов, и каждому джазмену важно исполнить стандарт по-своему, немного или кардинально изменив его — именно с помощью аранжировки. В джазе аранжировка закрепляет общий замысел ансамблевой и оркестровой интерпретации, а также раскрывает стиль исполнителя.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала пресс-службу Московского джазового фестиваля.
Аранжировка — это модификация, адаптация или изменение нотного текста музыкального произведения. Аранжировки создают, чтобы исполнить оригинальное сочинение по-новому, например иным составом инструментов. Этот термин произошел от французского слова arranger, что означает «приводить в порядок, устраивать».
Автор аранжировки отталкивается от мелодии и гармонической основы оригинального произведения и на их основе заново создает музыкальную форму и расписывает композицию под состав исполнителей. Существуют аранжировки для биг-бенда, для симфонического оркестра, для трио и для других составов.
Также аранжировки создают, чтобы изменить стиль сочинения: например, переложить эстрадное произведение на джазовую гармонию или наоборот. Так, Московский джазовый оркестр под управлением Игоря Бутмана впервые в России представит классическое произведение «Петя и волк» Сергея Прокофьева в джазовых аранжировках, которые специально для закрытия Московского джазового фестиваля создала Кристина Крит. Премьера проекта состоялась 16 июня в концертном зале «Зарядье».
Профессиональный аранжировщик должен разбираться в фактуре произведения, уметь распределять группы инструментов и знать, какое звучание для них характерно. Также он должен понимать, как можно разнообразить тему мелодически и гармонически и развить ее в самостоятельное произведение. Нередко автор аранжировки выступает в роли композитора: создает вступление, связку, коду или даже целый мелодический отрезок в выбранном стиле.
Особенно важную роль аранжировка играет в джазовой музыке. В ней множество стандартов, и каждому джазмену важно исполнить стандарт по-своему, немного или кардинально изменив его — именно с помощью аранжировки. В джазе аранжировка закрепляет общий замысел ансамблевой и оркестровой интерпретации, а также раскрывает стиль исполнителя.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала пресс-службу Московского джазового фестиваля.
❤7
Что такое онегинская строфа? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Онегинская строфа — это поэтическая форма, с помощью которой Александр Пушкин написал роман в стихах «Евгений Онегин». Она выглядит как стихотворение из 14 строк с закрепленной рифменной схемой.
Основу онегинской строфы составляет сонет — стихотворение из 14 строк. В своем романе Пушкин комбинировал признаки разных типов сонета. Способ расположения — три четверостишия и завершающее двустишие — он заимствовал из английской или шекспировской традиции. Закрепленная схема расположения рифм пришла из итальянской практики: так писал поэт Петрарка.
Александр Пушкин изменил принцип, по которому организовывалась рифма. Итальянские писатели связывали ею четверостишия (их также называли катренами) между собой. Пушкин же определил свой порядок рифмы для каждого маленького стиха.
Для первого он всегда использовал перекрестную схему: рифмовал строки через одну. Для второго — парную, то есть рифмовал между собой первую и вторую строки. В третьем четверостишии возникала опоясывающая рифма, в которой ритмически напоминали друг друга первая и четвертая строки. В буквенном виде литературоведы описывают онегинскую строфу так: AbAb CCdd EffE gg.
Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что такая схема помогала отразить смысловые части строфы: «Обычно первое четверостишие выдвигает очередную тему, второе — развитие, третье — кульминацию, двустишие — концовку. Это сложное строение делает онегинскую строфу как бы «стихотворением в стихотворении». Разные типы рифм отделяли блоки друг от друга.
Онегинскую строфу назвали по имени романа и ассоциируют с ним. Но ее начали использовать еще современники Пушкина. Например, Михаил Лермонтов написал в этой форме «Тамбовскую казначейшу».
Пушкинское изобретение было популярным у авторов Серебряного века. На основе онегинской строфы Вячеслав Иванов создал «Младенчество», а Максимилиан Волошин так писал стихи в личных посланиях. Владимир Набоков воспользовался пушкинской схемой наоборот: соединил двустишие и три четверостишия в «Университетской поэме».
Онегинская строфа — это поэтическая форма, с помощью которой Александр Пушкин написал роман в стихах «Евгений Онегин». Она выглядит как стихотворение из 14 строк с закрепленной рифменной схемой.
Мы все учились понемногу
Чему-нибудь и как-нибудь,
Так воспитаньем, слава богу,
У нас немудрено блеснуть.
Онегин был по мненью многих
(Судей решительных и строгих)
Ученый малый, но педант:
Имел он счастливый талант
Без принужденья в разговоре
Коснуться до всего слегка,
С ученым видом знатока
Хранить молчанье в важном споре
И возбуждать улыбку дам
Огнем нежданных эпиграмм.
Александр Пушкин. «Евгений Онегин»
Основу онегинской строфы составляет сонет — стихотворение из 14 строк. В своем романе Пушкин комбинировал признаки разных типов сонета. Способ расположения — три четверостишия и завершающее двустишие — он заимствовал из английской или шекспировской традиции. Закрепленная схема расположения рифм пришла из итальянской практики: так писал поэт Петрарка.
Александр Пушкин изменил принцип, по которому организовывалась рифма. Итальянские писатели связывали ею четверостишия (их также называли катренами) между собой. Пушкин же определил свой порядок рифмы для каждого маленького стиха.
Для первого он всегда использовал перекрестную схему: рифмовал строки через одну. Для второго — парную, то есть рифмовал между собой первую и вторую строки. В третьем четверостишии возникала опоясывающая рифма, в которой ритмически напоминали друг друга первая и четвертая строки. В буквенном виде литературоведы описывают онегинскую строфу так: AbAb CCdd EffE gg.
Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что такая схема помогала отразить смысловые части строфы: «Обычно первое четверостишие выдвигает очередную тему, второе — развитие, третье — кульминацию, двустишие — концовку. Это сложное строение делает онегинскую строфу как бы «стихотворением в стихотворении». Разные типы рифм отделяли блоки друг от друга.
Онегинскую строфу назвали по имени романа и ассоциируют с ним. Но ее начали использовать еще современники Пушкина. Например, Михаил Лермонтов написал в этой форме «Тамбовскую казначейшу».
Пушкинское изобретение было популярным у авторов Серебряного века. На основе онегинской строфы Вячеслав Иванов создал «Младенчество», а Максимилиан Волошин так писал стихи в личных посланиях. Владимир Набоков воспользовался пушкинской схемой наоборот: соединил двустишие и три четверостишия в «Университетской поэме».
❤8🔥2
Что такое неологизм? Отвечаем в рубрике #СловоДня
Неологизмами в лингвистике называют новые слова и выражения, которые совсем недавно появились в языке. Иногда этим же термином называют дополнительные новые значения уже давно существовавших частей речи. Слово остается неологизмом до тех пор, пока носителям языка оно кажется необычным.
Термин «неологизм» образован от двух слов из древнегреческого языка: λόγος (logos) — «мысль, слово»; νέος (neos) — «новый». По данным Оксфордского словаря, это понятие появилось в 1700-е годы сначала во французском, а затем и в английском языке. А уже из них оно попало в русский.
По мнению доктора филологических наук Надежды Котеловой, в развитых языках каждый год появляется до десяти тысяч неологизмов. Новые слова образуются по существующим моделям — этот процесс называется деривацией. Например, Николай Гоголь создал прилагательное зеленокудрый по аналогии с привычным белокудрый. Также неологизмы могут переходить из других языков — в свое время к ним относились слова джинсы и мейкап.
Много новых слов появилось в русском языке в петровскую эпоху, когда царь проводил в России масштабные реформы — губерния, денщик, дивизион. Также неологизмы возникали в эпоху научно-технического прогресса в XX веке. Ими обозначали новые устройства: компьютер, джойстик, луноход, спутник, дискета.
Неологизмы делятся на общеязыковые и индивидуально-авторские. Иногда новые слова придумывают поэты и писатели для придания тексту большей художественной выразительности. Большая часть таких неологизмов остается только в их текстах, но некоторые становятся популярными и закрепляются в языке. Например, благодаря Михаилу Ломоносову мы используем слова насос, созвездие, атмосфера, кислород. Николай Карамзин ввел в оборот существительные влюбленность и впечатление, прилагательные трогательный и занимательный, Федор Достоевский — глагол стушеваться. Игорь Северянин в стихотворении «Прощальная поэза» первым употребил слово бездарь. Маяковскому приписывают авторство фразеологизма ежу понятно, но изначально поэт употребил его в форме «ясно даже и ежу».
В XX веке появилась наука, которая изучает новые слова, — неология. Основоположниками этой дисциплины в России стали филологи Юрий Сорокин и Надежда Котелова.
Неологизмами в лингвистике называют новые слова и выражения, которые совсем недавно появились в языке. Иногда этим же термином называют дополнительные новые значения уже давно существовавших частей речи. Слово остается неологизмом до тех пор, пока носителям языка оно кажется необычным.
Термин «неологизм» образован от двух слов из древнегреческого языка: λόγος (logos) — «мысль, слово»; νέος (neos) — «новый». По данным Оксфордского словаря, это понятие появилось в 1700-е годы сначала во французском, а затем и в английском языке. А уже из них оно попало в русский.
Филолог Юлия Воронцова писала:
Новые слова и выражения (неологизмы) создаются для обозначения новых понятий, появляющихся в той или иной культуре. Они номинируют политические и социальные явления, называют реалии моды (одежду, прически, обувь и пр.), продукты питания.
По мнению доктора филологических наук Надежды Котеловой, в развитых языках каждый год появляется до десяти тысяч неологизмов. Новые слова образуются по существующим моделям — этот процесс называется деривацией. Например, Николай Гоголь создал прилагательное зеленокудрый по аналогии с привычным белокудрый. Также неологизмы могут переходить из других языков — в свое время к ним относились слова джинсы и мейкап.
Много новых слов появилось в русском языке в петровскую эпоху, когда царь проводил в России масштабные реформы — губерния, денщик, дивизион. Также неологизмы возникали в эпоху научно-технического прогресса в XX веке. Ими обозначали новые устройства: компьютер, джойстик, луноход, спутник, дискета.
Неологизмы делятся на общеязыковые и индивидуально-авторские. Иногда новые слова придумывают поэты и писатели для придания тексту большей художественной выразительности. Большая часть таких неологизмов остается только в их текстах, но некоторые становятся популярными и закрепляются в языке. Например, благодаря Михаилу Ломоносову мы используем слова насос, созвездие, атмосфера, кислород. Николай Карамзин ввел в оборот существительные влюбленность и впечатление, прилагательные трогательный и занимательный, Федор Достоевский — глагол стушеваться. Игорь Северянин в стихотворении «Прощальная поэза» первым употребил слово бездарь. Маяковскому приписывают авторство фразеологизма ежу понятно, но изначально поэт употребил его в форме «ясно даже и ежу».
В XX веке появилась наука, которая изучает новые слова, — неология. Основоположниками этой дисциплины в России стали филологи Юрий Сорокин и Надежда Котелова.
❤10
Что такое лессировка? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Эту технику использовали еще живописцы эпохи Возрождения. В работе мастера не всегда пользовались палитрой для смешивания красок — иногда они добивались нужного оттенка с помощью лессировок. Художники клали тонкие слои масляных красок один поверх другого, чтобы получить необходимый цвет. Каждый слой масла требовалось хорошо просушить, поэтому процесс занимал много времени. Обычно лессировками заканчивали картину, создавали нюансы, глубину, тени. Этот прием использовали, например, Леонардо да Винчи в полотне «Мона Лиза» и Ян Вермеер в картине «Девушка с жемчужной сережкой».
В России технику применяли портретисты Федор Рокотов и Дмитрий Левицкий. Маринист Иван Айвазовский с помощью полупрозрачных мазков передавал оттенки морской воды, эффекты освещения и глубину горизонта. Так, Айвазовский лессировками написал радугу на одноименном полотне.
Техника лессировки оставалась очень популярной вплоть до конца XIX века. Тогда ее сменил прием импасто, когда краску кладут плотно, фактурно. Импасто использовали импрессионисты и представители других течений рубежа XIX–XX веков.
Лессировкой называют живописный прием, когда художник наносит на холст плотный слой краски, а поверх высохшей основы кладет другие оттенки в несколько слоев. Так краска ложится полупрозрачными мазками — это помогает передать объем предмета, глубину или сложные фактуры. Сам термин «лессировка» произошел от немецкого слова lasierung, что означает «покрытие глазурью».
Эту технику использовали еще живописцы эпохи Возрождения. В работе мастера не всегда пользовались палитрой для смешивания красок — иногда они добивались нужного оттенка с помощью лессировок. Художники клали тонкие слои масляных красок один поверх другого, чтобы получить необходимый цвет. Каждый слой масла требовалось хорошо просушить, поэтому процесс занимал много времени. Обычно лессировками заканчивали картину, создавали нюансы, глубину, тени. Этот прием использовали, например, Леонардо да Винчи в полотне «Мона Лиза» и Ян Вермеер в картине «Девушка с жемчужной сережкой».
В России технику применяли портретисты Федор Рокотов и Дмитрий Левицкий. Маринист Иван Айвазовский с помощью полупрозрачных мазков передавал оттенки морской воды, эффекты освещения и глубину горизонта. Так, Айвазовский лессировками написал радугу на одноименном полотне.
Техника лессировки оставалась очень популярной вплоть до конца XIX века. Тогда ее сменил прием импасто, когда краску кладут плотно, фактурно. Импасто использовали импрессионисты и представители других течений рубежа XIX–XX веков.
❤6
Что такое литература? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Термин «литература» произошел от латинского слова literatura, что переводится как «рукопись» или «сочинение».
История литературы началась еще в древности, когда в Месопотамии и Древнем Египте появилась письменность. Самые ранние известные ученым литературные произведения относятся к XXVII–XX векам до нашей эры. Среди них, например, египетское «Сказание Синухе» периода Среднего царства.
От античной литературы до нашего времени дошло гораздо больше текстов. Зародилась древнегреческая литература с появлением произведений Гомера, «Илиады» и «Одиссеи», то есть приблизительно в VIII веке до нашей эры. Позже были созданы известные трагедии Эсхила, Софокла, Еврипида. Древнеримская литература оставила нам «Энеиду» Вергилия, «Золотого осла» Апулея, «Метаморфозы» Овидия, стихотворения Катулла.
Для литературы Средневековья была характерна глубокая религиозность. Главные произведения этого периода созданы христианскими мыслителями — Августином Блаженным, Амвросием Медиоланским и другими. А в эпоху Возрождения стала развиваться светская литература. Известными авторами стали Данте Алигьери, Джованни Боккаччо, Уильям Шекспир, Мигель де Сервантес, Эразм Роттердамский.
В эпоху барокко центральными темами были мимолетность жизни и мистицизм. В классицистической литературе, сформированной под влиянием идей Просвещения, ярким мотивом стало превосходство разума над чувствами. А особенность литературы романтизма — конфликт человека и общества.
Затем европейская литература прошла эпохи модернизма и постмодернизма. Первый этап относится к началу XX века: в это время авторы отказывались от старых форм и идей в пользу всего нового. Литература постмодерна отвергала уже принципы модернизма: популярными средствами выразительности стали ирония и черный юмор, которые возникли как реакция на разочарование авторов в идеях гуманизма и в концепции поиска смысла жизни.
История русской литературы берет начало в X веке. Первым русским текстом считается Новгородский кодекс — древняя книга Псалтири. А одним из самых известных памятников древнерусской литературы стало «Слово о полку Игореве» XII века.
После монгольского нашествия русская литература стала меняться: появились первые светские тексты. А с творчеством Симеона Полоцкого в XVII веке развитие литературы пошло по европейскому пути. В следующие эпохи русская словесность прошла те же этапы, что и мировая.
В широком смысле литература — это искусство слова. К литературе относят произведения, закрепленные в письменной форме.
Термин «литература» произошел от латинского слова literatura, что переводится как «рукопись» или «сочинение».
История литературы началась еще в древности, когда в Месопотамии и Древнем Египте появилась письменность. Самые ранние известные ученым литературные произведения относятся к XXVII–XX векам до нашей эры. Среди них, например, египетское «Сказание Синухе» периода Среднего царства.
От античной литературы до нашего времени дошло гораздо больше текстов. Зародилась древнегреческая литература с появлением произведений Гомера, «Илиады» и «Одиссеи», то есть приблизительно в VIII веке до нашей эры. Позже были созданы известные трагедии Эсхила, Софокла, Еврипида. Древнеримская литература оставила нам «Энеиду» Вергилия, «Золотого осла» Апулея, «Метаморфозы» Овидия, стихотворения Катулла.
Для литературы Средневековья была характерна глубокая религиозность. Главные произведения этого периода созданы христианскими мыслителями — Августином Блаженным, Амвросием Медиоланским и другими. А в эпоху Возрождения стала развиваться светская литература. Известными авторами стали Данте Алигьери, Джованни Боккаччо, Уильям Шекспир, Мигель де Сервантес, Эразм Роттердамский.
В эпоху барокко центральными темами были мимолетность жизни и мистицизм. В классицистической литературе, сформированной под влиянием идей Просвещения, ярким мотивом стало превосходство разума над чувствами. А особенность литературы романтизма — конфликт человека и общества.
Затем европейская литература прошла эпохи модернизма и постмодернизма. Первый этап относится к началу XX века: в это время авторы отказывались от старых форм и идей в пользу всего нового. Литература постмодерна отвергала уже принципы модернизма: популярными средствами выразительности стали ирония и черный юмор, которые возникли как реакция на разочарование авторов в идеях гуманизма и в концепции поиска смысла жизни.
История русской литературы берет начало в X веке. Первым русским текстом считается Новгородский кодекс — древняя книга Псалтири. А одним из самых известных памятников древнерусской литературы стало «Слово о полку Игореве» XII века.
После монгольского нашествия русская литература стала меняться: появились первые светские тексты. А с творчеством Симеона Полоцкого в XVII веке развитие литературы пошло по европейскому пути. В следующие эпохи русская словесность прошла те же этапы, что и мировая.
❤5
Что такое ротонда? Отвечаем в рубрике #СловоДня
Первые известные ротонды появились в Древней Греции. Там подобную форму выбирали для жертвенников в честь хтонических сущностей. В Древнем Риме ротонды превратились в гробницы, также в форме ротонд строили храмы. Часто их посвящали богине Весте, которая считалась покровительницей домашнего очага. Исследователи называют самым известным зданием такого типа Пантеон в Риме — святилище в честь всех богов.
В Средние века ротонда как форма, возникшая в дохристианском мире и связанная с его культами, почти перестала использоваться в архитектуре. В восточных христианских регионах иногда возводили круглые храмы. Специалисты считают, что все они восходят к церкви Воскресения на Голгофе. Ее традиционно изображали как ротонду.
Интерес к ротондам вернулся в эпоху Возрождения, когда достижения древних греков и римлян вновь стали высоко ценить. В этот период вид здания изменился: вместо шатра начали устанавливать куполы.
В Центральную и Восточную Европу эта архитектурная форма пришла вместе с христианскими проповедниками. Значительную роль сыграли миссионеры Кирилл и Мефодий, которые путешествовали по этим регионам. На Руси ротонды изначально называли «латинскими» или «иноверческими» и не сразу приняли. На большей части территории государства их долгое время не возводили. Изредка ротонды строили в южных областях — например, в Закарпатье.
В России ротонды стали популярны в эпоху классицизма, который, как и Ренессанс, опирался на античные идеалы. В конце XVII — начале XVIII века начали появляться многочисленные круглые здания с куполами. Многие ротонды были построены между 1810 и 1820 годом. Историки указывают, что причинами популяризации ротонд могли быть мода на подражание античности, увлечение дворян масонскими идеями, строительство храмов-памятников после победы над Наполеоном, активное обустройство усадеб. Так, в масонской традиции считалось, что форма ротонды символизирует связь с божественным, с творящей силой. Круглую форму связывали с бесконечностью, а купол — с небосводом. В этом виде возводили домашние храмы. Также ротонды украшали усадебные парки.
Ротонда — это архитектурная постройка, которая выглядит как круглое здание, часто украшенное колоннами и завершающееся куполом. Термин произошел от латинского слова rotundus — «круглый». В русский язык понятие пришло из итальянского, где rotundus преобразовалось в rotonda.
Первые известные ротонды появились в Древней Греции. Там подобную форму выбирали для жертвенников в честь хтонических сущностей. В Древнем Риме ротонды превратились в гробницы, также в форме ротонд строили храмы. Часто их посвящали богине Весте, которая считалась покровительницей домашнего очага. Исследователи называют самым известным зданием такого типа Пантеон в Риме — святилище в честь всех богов.
В Средние века ротонда как форма, возникшая в дохристианском мире и связанная с его культами, почти перестала использоваться в архитектуре. В восточных христианских регионах иногда возводили круглые храмы. Специалисты считают, что все они восходят к церкви Воскресения на Голгофе. Ее традиционно изображали как ротонду.
Интерес к ротондам вернулся в эпоху Возрождения, когда достижения древних греков и римлян вновь стали высоко ценить. В этот период вид здания изменился: вместо шатра начали устанавливать куполы.
В Центральную и Восточную Европу эта архитектурная форма пришла вместе с христианскими проповедниками. Значительную роль сыграли миссионеры Кирилл и Мефодий, которые путешествовали по этим регионам. На Руси ротонды изначально называли «латинскими» или «иноверческими» и не сразу приняли. На большей части территории государства их долгое время не возводили. Изредка ротонды строили в южных областях — например, в Закарпатье.
В России ротонды стали популярны в эпоху классицизма, который, как и Ренессанс, опирался на античные идеалы. В конце XVII — начале XVIII века начали появляться многочисленные круглые здания с куполами. Многие ротонды были построены между 1810 и 1820 годом. Историки указывают, что причинами популяризации ротонд могли быть мода на подражание античности, увлечение дворян масонскими идеями, строительство храмов-памятников после победы над Наполеоном, активное обустройство усадеб. Так, в масонской традиции считалось, что форма ротонды символизирует связь с божественным, с творящей силой. Круглую форму связывали с бесконечностью, а купол — с небосводом. В этом виде возводили домашние храмы. Также ротонды украшали усадебные парки.
❤4
Что такое бутафория? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Бутафория появилась еще в древности, практически одновременно с возникновением театра. В арсенале артистов, которые развлекали народ на ярмарках, были самые разные муляжи. А в профессиональном театре без специальных предметов не обходилась практически ни одна постановка. Бутафоры создавали украшения, посуду, мебель, оружие, доспехи, цветы и деревья и многое другое. Мастера изготавливали предметы из недорогих и прочных материалов, обычно из дерева или металла.
В наши дни для бутафории часто используют папье-маше — массу на основе клея и бумаги. Из нее можно сформовать, например, муляжи глиняной посуды, фруктов, изделий из мрамора. Бутафорию специально делают яркой, чтобы ее хорошо было видно из зрительного зала.
От бутафории отличается реквизит — подлинные предметы, которые используют в спектаклях: картины, книги и другие. В театре реквизиторы хранят и выдают для спектаклей нужные вещи, но сами обычно их не изготавливают.
Бутафория — это специально созданные предметы, которые используют в театральных постановках вместо настоящих. Термин произошел от итальянского слова buttafuori — так называли рабочих сцены, которые подавали актерам нужные по ходу действа предметы.
Бутафория появилась еще в древности, практически одновременно с возникновением театра. В арсенале артистов, которые развлекали народ на ярмарках, были самые разные муляжи. А в профессиональном театре без специальных предметов не обходилась практически ни одна постановка. Бутафоры создавали украшения, посуду, мебель, оружие, доспехи, цветы и деревья и многое другое. Мастера изготавливали предметы из недорогих и прочных материалов, обычно из дерева или металла.
В наши дни для бутафории часто используют папье-маше — массу на основе клея и бумаги. Из нее можно сформовать, например, муляжи глиняной посуды, фруктов, изделий из мрамора. Бутафорию специально делают яркой, чтобы ее хорошо было видно из зрительного зала.
От бутафории отличается реквизит — подлинные предметы, которые используют в спектаклях: картины, книги и другие. В театре реквизиторы хранят и выдают для спектаклей нужные вещи, но сами обычно их не изготавливают.
❤7
Что такое гризайль? Рассказываем в рубрике #СловоДня
В Средневековье художники украшали гризайлью интерьеры. Мастера наносили на стены один цвет в несколько слоев, чтобы имитировать скульптурные и архитектурные детали. Разными тонами передавали свет и тени, которые придавали изображению объем и глубину. Так получались иллюзии ниш, арок и бордюров: например, издалека казалось, что потолок украшает объемная лепнина, а не роспись.
Начиная с Раннего Возрождения гризайль пришла в живопись. Эту технику использовали знаменитые европейские художники: Вермеер, Тициан, Рубенс и другие. Элементы гризайли можно увидеть в картине Рембрандта «Единство государства» 1637 года — это эскиз, созданный мастером для политического офорта. В русском искусстве яркими примерами гризайли считаются падуги Иорданской лестницы Зимнего дворца, построенного по проекту Бартоломео Франческо Растрелли: их роспись имитирует барельефы и перекликается со скульптурным оформлением дворца. Похожий прием использован и в Михайловском дворце: там гризайль украшает падуги парадной лестницы.
В наши дни с помощью этой техники обычно создают вспомогательные рисунки. Студенты-художники пишут гризайлью, чтобы освоить тона в картине, научиться передавать свет и тень. Чаще всего для работы в этой технике выбирают гуашь и акварель.
Гризайль — это техника живописи, с помощью которой художник создает изображение разными оттенками одного цвета, обычно серого или коричневого. Слово происходит от французского gris — «серый». Часто гризайлью выполняют эскиз картины, а также подмалевок — подготовительный рисунок, поверх которого кладут краски разных цветов. Но встречаются и самостоятельные произведения, написанные в этой технике.
В Средневековье художники украшали гризайлью интерьеры. Мастера наносили на стены один цвет в несколько слоев, чтобы имитировать скульптурные и архитектурные детали. Разными тонами передавали свет и тени, которые придавали изображению объем и глубину. Так получались иллюзии ниш, арок и бордюров: например, издалека казалось, что потолок украшает объемная лепнина, а не роспись.
Начиная с Раннего Возрождения гризайль пришла в живопись. Эту технику использовали знаменитые европейские художники: Вермеер, Тициан, Рубенс и другие. Элементы гризайли можно увидеть в картине Рембрандта «Единство государства» 1637 года — это эскиз, созданный мастером для политического офорта. В русском искусстве яркими примерами гризайли считаются падуги Иорданской лестницы Зимнего дворца, построенного по проекту Бартоломео Франческо Растрелли: их роспись имитирует барельефы и перекликается со скульптурным оформлением дворца. Похожий прием использован и в Михайловском дворце: там гризайль украшает падуги парадной лестницы.
В наши дни с помощью этой техники обычно создают вспомогательные рисунки. Студенты-художники пишут гризайлью, чтобы освоить тона в картине, научиться передавать свет и тень. Чаще всего для работы в этой технике выбирают гуашь и акварель.
❤6
Что такое кариатида? Рассказываем в рубрике #СловоДня
О происхождении слова «кариатида» рассказывает легенда, которую древнеримский зодчий Витрувий изложил в трактате «10 книг об архитектуре». Согласно ей кариатиды стали символом победы греков над пелопонесским городом Карии. Всех мужчин они убили, а женщин увели в рабство, и «тогдашние архитекторы применили для общественных зданий изваяния этих женщин, поместив их для несения тяжести, чтобы и потомство помнило о наказании карийцев».
Это во многом противоречит данным историков. Более реалистичной ученые считают другую версию. Слово «кариатида» служило эпитетом, характеризующим богиню Артемиду, а еще в античности кариатидами называли ее жриц. Служительницы культа исполняли ритуальные танцы с корзинами на головах. Позже изображения этих женщин стали появляться на глиняных сосудах, а затем и в отделке зданий.
Колонны декорировали образами богов и героев еще в Древнем Египте и в сиро-хеттских княжествах. Во дворце царя Капары в Тель-Халафе IX века до нашей эры встречаются фигуры людей, которые головами держат потолок. Но эти скульптуры сильно отличаются от тех, что позже появились в Древней Греции.
В античной культуре кариатиды возникли примерно в VI веке до нашей эры. Ордеры — типы архитектурной композиции — у греков ассоциировались с фигурами: ионический — с женской, дорический — с мужской. Ученые предполагают, что именно поэтому в некоторых постройках вместо колонн появились скульптуры — кариатиды. Самый известный пример — портик кариатид храма Эрехтея на афинском Акрополе, который построили в 421—406 годах до нашей эры.
В Средние века приемы античной архитектуры почти не использовались, но с эпохой Возрождения они вернулись в искусство. Тогда кариатиды стали появляться в оформлении интерьеров, например в декоре каминов. Такой камин есть в одном из залов Дворца дожей в Венеции.
Полюбили кариатид и архитекторы барокко и классицизма. Женскими фигурами стали украшать колонны и пилястры, элементы мебели и интерьеров. Так, композиции с кариатидами встречаются в здании Лувра.
В русскую архитектуру они пришли вместе с европейскими традициями. Такие элементы часто можно увидеть в Санкт-Петербурге: в декоре Строгановского дворца на Невском проспекте или Дома Зингера.
Кариатида — это архитектурный элемент в виде женской скульптуры. Он выполняет функцию колонны.
О происхождении слова «кариатида» рассказывает легенда, которую древнеримский зодчий Витрувий изложил в трактате «10 книг об архитектуре». Согласно ей кариатиды стали символом победы греков над пелопонесским городом Карии. Всех мужчин они убили, а женщин увели в рабство, и «тогдашние архитекторы применили для общественных зданий изваяния этих женщин, поместив их для несения тяжести, чтобы и потомство помнило о наказании карийцев».
Это во многом противоречит данным историков. Более реалистичной ученые считают другую версию. Слово «кариатида» служило эпитетом, характеризующим богиню Артемиду, а еще в античности кариатидами называли ее жриц. Служительницы культа исполняли ритуальные танцы с корзинами на головах. Позже изображения этих женщин стали появляться на глиняных сосудах, а затем и в отделке зданий.
Колонны декорировали образами богов и героев еще в Древнем Египте и в сиро-хеттских княжествах. Во дворце царя Капары в Тель-Халафе IX века до нашей эры встречаются фигуры людей, которые головами держат потолок. Но эти скульптуры сильно отличаются от тех, что позже появились в Древней Греции.
В античной культуре кариатиды возникли примерно в VI веке до нашей эры. Ордеры — типы архитектурной композиции — у греков ассоциировались с фигурами: ионический — с женской, дорический — с мужской. Ученые предполагают, что именно поэтому в некоторых постройках вместо колонн появились скульптуры — кариатиды. Самый известный пример — портик кариатид храма Эрехтея на афинском Акрополе, который построили в 421—406 годах до нашей эры.
В Средние века приемы античной архитектуры почти не использовались, но с эпохой Возрождения они вернулись в искусство. Тогда кариатиды стали появляться в оформлении интерьеров, например в декоре каминов. Такой камин есть в одном из залов Дворца дожей в Венеции.
Полюбили кариатид и архитекторы барокко и классицизма. Женскими фигурами стали украшать колонны и пилястры, элементы мебели и интерьеров. Так, композиции с кариатидами встречаются в здании Лувра.
В русскую архитектуру они пришли вместе с европейскими традициями. Такие элементы часто можно увидеть в Санкт-Петербурге: в декоре Строгановского дворца на Невском проспекте или Дома Зингера.
❤5