Что такое «инкрустация»? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Инкрустацией называют технику, в которой декорируют предметы и целые здания. Мастера прикрепляют на поверхность объекта вставки, отличающиеся от основы по цвету, фактуре и материалу. Создают такие узоры, как правило, из кусочков дерева, металла, керамики или камня. Термин произошел от латинского incrusto, что можно перевести как «покрываю слоем, корой».
История техники насчитывает несколько тысячелетий. На Древнем Востоке и в эпоху Античности скульпторы при помощи инкрустации нередко выделяли глаза статуй и бюстов. Эту технологию использовали и в архитектуре для украшения фасадов. А в Италии XI–XIII веков стены церквей с ее помощью облицовывали мраморными плитами разных цветов, которые создавали геометрический узор.
Инкрустацией декорировали предметы, например мебель и музыкальные инструменты. Изделия украшали полудрагоценными камнями, золотом, серебром, перламутром и резной костью. Мастера часто работали над мебелью в технике интарсии, составляли композиции из кусочков разноцветной древесины. В углубления вставляли части другой породы, например красного или эбенового дерева. Французский резчик Андре-Шарль Буль создал мастерскую, где для королевского двора изготавливали шкафы, бюро и столы, богато декорированные вставками из бронзы, слоновой кости и редких пород древесины. В мебельном деле появился стиль, который назвали по фамилии французского резчика — буль. Сегодня изделия мастерской хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру. Например, в фондах Алупкинского музея-заповедника находится шкаф в стиле буль второй половины XIX века. Предмет изготовили из черного дерева, а затем инкрустировали бронзой и панцирем черепахи.
* Пуговица с инкрустацией пастой. I век н.э.. Фотография: Волгоградский областной краеведческий музей, Волгоград
* Фалар овальной формы. 2-я половина I века н.э.. Фотография: Азовский историко-археологический и палеонтологический музей-заповедник им. А.А. Горбенко, Азов, Ростовская область
* Стопка для кистей. XIX век. Фотография: Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, Волгоград
Инкрустацией называют технику, в которой декорируют предметы и целые здания. Мастера прикрепляют на поверхность объекта вставки, отличающиеся от основы по цвету, фактуре и материалу. Создают такие узоры, как правило, из кусочков дерева, металла, керамики или камня. Термин произошел от латинского incrusto, что можно перевести как «покрываю слоем, корой».
История техники насчитывает несколько тысячелетий. На Древнем Востоке и в эпоху Античности скульпторы при помощи инкрустации нередко выделяли глаза статуй и бюстов. Эту технологию использовали и в архитектуре для украшения фасадов. А в Италии XI–XIII веков стены церквей с ее помощью облицовывали мраморными плитами разных цветов, которые создавали геометрический узор.
Инкрустацией декорировали предметы, например мебель и музыкальные инструменты. Изделия украшали полудрагоценными камнями, золотом, серебром, перламутром и резной костью. Мастера часто работали над мебелью в технике интарсии, составляли композиции из кусочков разноцветной древесины. В углубления вставляли части другой породы, например красного или эбенового дерева. Французский резчик Андре-Шарль Буль создал мастерскую, где для королевского двора изготавливали шкафы, бюро и столы, богато декорированные вставками из бронзы, слоновой кости и редких пород древесины. В мебельном деле появился стиль, который назвали по фамилии французского резчика — буль. Сегодня изделия мастерской хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру. Например, в фондах Алупкинского музея-заповедника находится шкаф в стиле буль второй половины XIX века. Предмет изготовили из черного дерева, а затем инкрустировали бронзой и панцирем черепахи.
* Пуговица с инкрустацией пастой. I век н.э.. Фотография: Волгоградский областной краеведческий музей, Волгоград
* Фалар овальной формы. 2-я половина I века н.э.. Фотография: Азовский историко-археологический и палеонтологический музей-заповедник им. А.А. Горбенко, Азов, Ростовская область
* Стопка для кистей. XIX век. Фотография: Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И. Машкова, Волгоград
Что такое тифлокомментирование? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Тифлокомментирование, или аудиодескрипция, — это информация, которая специально адаптирована для незрячих и слабовидящих людей. Тифлокомментарии используют, чтобы дополнить или полностью заменить визуальную информацию.
Этот термин произошел от двух слов: греческого typhlos — «слепой», и латинского commentarius — «заметки, толкование».
Тифлокомментаторы помогают незрячим людям познакомиться с содержанием картин, фильмов, спектаклей и других произведений искусства и видов медиа. Чтобы воспользоваться аудиодескрипцией, слабовидящие надевают наушники и слушают описание зрелища.
Впервые идея адаптировать визуальное искусство появилась в 1974 году. Концепцию сформулировал американский журналист Грегори Фрэйзер. Однажды он отправился со слабовидящей подругой в кино и во время просмотра описывал ей происходящее на экране. Позже Фрэйзер написал в мемуарах, что именно тогда у него родилась мысль о создании аудиодескрипции.
Спустя год журналист основал компанию, которая стала заниматься тифлокомментированием. А еще через два года Фрэйзер опубликовал работу «Основы аудиодескрипции для незрячих». Именно этот текст со временем стал основой для школ тифлокомментирования многих стран. Впервые тифлокомментирование использовали для фильма «Такер: человек и его мечта». Текст для аудиодорожки писал сам Фрэйзер. Эта кинолента в 1990 году получила премию «Эмми» «за прорывную технологию, делающую искусство более доступным».
А первые спектакли с тифлокомментариями появились благодаря американской радиостанции «Вашингтонское ухо» в 1981 году. Она начала транслировать аудиодескрипции постановок в сотрудничестве с Театральной ассоциацией. Эта же радиостанция через несколько лет выпустила кассеты с аудиоэкскурсиями по музеям для слабовидящих.
В Советском Союзе тифлокомментирование стали применять примерно в те же годы. Впервые фильм с аудиодескрипцией публике представили в 1978 году: в «Буревестнике» показали «Клеопатру» с Элизабет Тейлор. Одним из организаторов показа был первый советский тифлокомментатор — Анатолий Чечетин, доцент Московского государственного института культуры. В 2007 году в России приняли закон, согласно которому киностудии обязаны сопровождать тифлокомментариями и субтитрами все фильмы, снятые за счет средств из государственного бюджета.
Тифлокомментирование, или аудиодескрипция, — это информация, которая специально адаптирована для незрячих и слабовидящих людей. Тифлокомментарии используют, чтобы дополнить или полностью заменить визуальную информацию.
Этот термин произошел от двух слов: греческого typhlos — «слепой», и латинского commentarius — «заметки, толкование».
Тифлокомментаторы помогают незрячим людям познакомиться с содержанием картин, фильмов, спектаклей и других произведений искусства и видов медиа. Чтобы воспользоваться аудиодескрипцией, слабовидящие надевают наушники и слушают описание зрелища.
Впервые идея адаптировать визуальное искусство появилась в 1974 году. Концепцию сформулировал американский журналист Грегори Фрэйзер. Однажды он отправился со слабовидящей подругой в кино и во время просмотра описывал ей происходящее на экране. Позже Фрэйзер написал в мемуарах, что именно тогда у него родилась мысль о создании аудиодескрипции.
Спустя год журналист основал компанию, которая стала заниматься тифлокомментированием. А еще через два года Фрэйзер опубликовал работу «Основы аудиодескрипции для незрячих». Именно этот текст со временем стал основой для школ тифлокомментирования многих стран. Впервые тифлокомментирование использовали для фильма «Такер: человек и его мечта». Текст для аудиодорожки писал сам Фрэйзер. Эта кинолента в 1990 году получила премию «Эмми» «за прорывную технологию, делающую искусство более доступным».
А первые спектакли с тифлокомментариями появились благодаря американской радиостанции «Вашингтонское ухо» в 1981 году. Она начала транслировать аудиодескрипции постановок в сотрудничестве с Театральной ассоциацией. Эта же радиостанция через несколько лет выпустила кассеты с аудиоэкскурсиями по музеям для слабовидящих.
В Советском Союзе тифлокомментирование стали применять примерно в те же годы. Впервые фильм с аудиодескрипцией публике представили в 1978 году: в «Буревестнике» показали «Клеопатру» с Элизабет Тейлор. Одним из организаторов показа был первый советский тифлокомментатор — Анатолий Чечетин, доцент Московского государственного института культуры. В 2007 году в России приняли закон, согласно которому киностудии обязаны сопровождать тифлокомментариями и субтитрами все фильмы, снятые за счет средств из государственного бюджета.
Что такое симфония? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Симфонией называют музыкальный жанр, крупное произведение, созданное для оркестра.
Это слово с древнегреческого переводится как «созвучие». В Античности симфонией называли приятное для слуха сочетание звуков. В Средние века значение термина сохранилось.
В XVI веке словом «симфония» стали называть произведения для вокального многоголосия. А спустя еще сто лет этот термин появился в названиях вокально-инструментальных и инструментальных композиций, например в «Священных симфониях» Генриха Шютца или «Музыкальных симфониях» Лодовико да Виаданы.
Современное значение слова возникло в XVIII веке. В это время оперные увертюры стали исполнять как самостоятельные произведения, и постепенно, после череды изменений, они превратились в отдельный жанр — симфонию.
Привычная нам симфония родилась в венской классической школе. Ее участника, Йозефа Гайдна, называют отцом симфонии: он создал 104 подобных сочинения. Именно этот композитор завершил формирование классической симфонии — теперь она состояла из четырех контрастных частей, которые были объединены общей идеей.
Однако развитие жанра на этом не закончилось. Вольфганг Амадей Моцарт внес в симфонию драматизм и напряженность, его симфонии под номерами 39, 40 и 41 многие музыканты считают высшим композиторским достижением XVIII века. Людвиг ван Бетховен тоже писал известные и новаторские симфонии. В его Девятой симфонии появились вокальные партии, и после этого использовать их стали и другие композиторы.
Позже симфония перестала быть таким строгим жанром: композиторы стали экспериментировать с количеством частей. Например, Дмитрий Шостакович написал симфонию, состоящую из 11 частей, а Алан Хованесс — из 24.
В России первую симфонию создал Дмитрий Бортнянский в 1790 году. Также были известны сочинения Михаила Виельгорского и Александра Алябьева, но их произведения еще не были классическими симфониями. Крупные симфонические произведения появились уже у романтиков, у членов «Могучей кучки» — Милия Балакирева, Александра Бородина и Николая Римского-Корсакова. Признанным автором симфоний стал Петр Чайковский, он написал, в частности, программную симфонию «Манфред».
Симфонией называют музыкальный жанр, крупное произведение, созданное для оркестра.
Это слово с древнегреческого переводится как «созвучие». В Античности симфонией называли приятное для слуха сочетание звуков. В Средние века значение термина сохранилось.
В XVI веке словом «симфония» стали называть произведения для вокального многоголосия. А спустя еще сто лет этот термин появился в названиях вокально-инструментальных и инструментальных композиций, например в «Священных симфониях» Генриха Шютца или «Музыкальных симфониях» Лодовико да Виаданы.
Современное значение слова возникло в XVIII веке. В это время оперные увертюры стали исполнять как самостоятельные произведения, и постепенно, после череды изменений, они превратились в отдельный жанр — симфонию.
Привычная нам симфония родилась в венской классической школе. Ее участника, Йозефа Гайдна, называют отцом симфонии: он создал 104 подобных сочинения. Именно этот композитор завершил формирование классической симфонии — теперь она состояла из четырех контрастных частей, которые были объединены общей идеей.
Однако развитие жанра на этом не закончилось. Вольфганг Амадей Моцарт внес в симфонию драматизм и напряженность, его симфонии под номерами 39, 40 и 41 многие музыканты считают высшим композиторским достижением XVIII века. Людвиг ван Бетховен тоже писал известные и новаторские симфонии. В его Девятой симфонии появились вокальные партии, и после этого использовать их стали и другие композиторы.
Позже симфония перестала быть таким строгим жанром: композиторы стали экспериментировать с количеством частей. Например, Дмитрий Шостакович написал симфонию, состоящую из 11 частей, а Алан Хованесс — из 24.
В России первую симфонию создал Дмитрий Бортнянский в 1790 году. Также были известны сочинения Михаила Виельгорского и Александра Алябьева, но их произведения еще не были классическими симфониями. Крупные симфонические произведения появились уже у романтиков, у членов «Могучей кучки» — Милия Балакирева, Александра Бородина и Николая Римского-Корсакова. Признанным автором симфоний стал Петр Чайковский, он написал, в частности, программную симфонию «Манфред».
Что такое пакгаузы? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Пакгаузами называют металлические складские помещения портов, вокзалов, аэродромов и других учреждений. Эти конструкции спроектированы так, чтобы в них было удобно хранить товары короткое время. Поэтому через многие пакгаузы проходят рельсы — в такие склады легко завозить грузы и забирать их оттуда.
Пакгаузы распространились вместе с развитием железнодорожного транспорта, в первой половине XIX века. Такие склады массово строили вплоть до середины XX века. После Второй мировой войны принципы грузоперевозки изменились, многие товары стали перевозить с помощью автомобилей и самолетов. Поэтому большую часть пакгаузов перестроили: они лишились своих сквозных арок и превратились в обычные административные здания.
Одни из первых пакгаузов в России появились в Петербурге, рядом с биржей на стрелке Васильевского острова, в 1790-е годы. Однако эти здания пострадали во время наводнения 1824 года. До наших дней сохранились постройки Ивана Лукини — Южный и Северный пакгаузы. Их возвели в конце 1820-х годов.
Другие известные пакгаузы находятся в Нижнем Новгороде. Эти сооружения произвели в Санкт-Петербурге в 1882 году. Изначально конструкции строили специально для Всероссийской промышленно-художественной выставки в Москве. В 1896 году аналогичная экспозиция открылась в Нижнем Новгороде, куда перевезли пакгаузы. Сначала они располагались на территории современного Парка им. 1 Мая.
После выставки сооружения опять переместили. На этот раз их разместили на Сибирских пристанях на стрелке. Более 80 лет пакгаузы были закрыты для посещения. За прошедшее время конструкции сильно пострадали: каркасы заложили кирпичом, покрыли шифером. Их обнаружили только в 2015 году — тогда началась их масштабная реставрация.
В наши дни нижегородским пакгаузам вернули их исторический облик. А внутри «стальных кружев» — так сооружения называют в городе — разместились галерея и концертный зал. Пакгаузы стали культурным центром, где проходят театральные премьеры, выставки, крупные фестивали и деловые мероприятия.
Пакгаузы стали культурным центром не только в Нижнем Новгороде. В Северном пакгаузе Биржи в Петербурге находится Центральный музей почвоведения имени В.В. Докучаева. А один из экспозиционных корпусов Музея Мирового океана в Калининграде расположен в пакгаузе на территории бывшего городского порта.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в создании материала нижегородские Пакгаузы.
Пакгаузами называют металлические складские помещения портов, вокзалов, аэродромов и других учреждений. Эти конструкции спроектированы так, чтобы в них было удобно хранить товары короткое время. Поэтому через многие пакгаузы проходят рельсы — в такие склады легко завозить грузы и забирать их оттуда.
Пакгаузы распространились вместе с развитием железнодорожного транспорта, в первой половине XIX века. Такие склады массово строили вплоть до середины XX века. После Второй мировой войны принципы грузоперевозки изменились, многие товары стали перевозить с помощью автомобилей и самолетов. Поэтому большую часть пакгаузов перестроили: они лишились своих сквозных арок и превратились в обычные административные здания.
Одни из первых пакгаузов в России появились в Петербурге, рядом с биржей на стрелке Васильевского острова, в 1790-е годы. Однако эти здания пострадали во время наводнения 1824 года. До наших дней сохранились постройки Ивана Лукини — Южный и Северный пакгаузы. Их возвели в конце 1820-х годов.
Другие известные пакгаузы находятся в Нижнем Новгороде. Эти сооружения произвели в Санкт-Петербурге в 1882 году. Изначально конструкции строили специально для Всероссийской промышленно-художественной выставки в Москве. В 1896 году аналогичная экспозиция открылась в Нижнем Новгороде, куда перевезли пакгаузы. Сначала они располагались на территории современного Парка им. 1 Мая.
После выставки сооружения опять переместили. На этот раз их разместили на Сибирских пристанях на стрелке. Более 80 лет пакгаузы были закрыты для посещения. За прошедшее время конструкции сильно пострадали: каркасы заложили кирпичом, покрыли шифером. Их обнаружили только в 2015 году — тогда началась их масштабная реставрация.
В наши дни нижегородским пакгаузам вернули их исторический облик. А внутри «стальных кружев» — так сооружения называют в городе — разместились галерея и концертный зал. Пакгаузы стали культурным центром, где проходят театральные премьеры, выставки, крупные фестивали и деловые мероприятия.
Пакгаузы стали культурным центром не только в Нижнем Новгороде. В Северном пакгаузе Биржи в Петербурге находится Центральный музей почвоведения имени В.В. Докучаева. А один из экспозиционных корпусов Музея Мирового океана в Калининграде расположен в пакгаузе на территории бывшего городского порта.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в создании материала нижегородские Пакгаузы.
Что такое рефрен? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Рефрен — это средство художественной выразительности, повтор текста в литературном произведении.
Термин произошел от французского слова refrain, которое переводится как «припев».
Поэты используют рефрен, чтобы обратить внимание читателя на определенные слова, строки или строфы. В стихотворениях, а иногда и в прозе авторы намеренно повторяют слово, предложение или четверостишие в разных частях произведения. В этом заключается отличие рефрена от лексического повтора: во втором случае одинаковые слова, как правило, расположены рядом безыдейно.
Рефрены появились еще в античной поэзии. Например, в стихотворении древнеримского автора Гая Катулла «Свадьба Фетиды и Пелея» несколько раз повторяется строка: «Мчитесь быстрей, выводящие нити, быстрей, веретена».
Активно использовать рефрены стали авторы XII—XIII веков, например труверы — средневековые поэты и музыканты. Так, рефрен звучит в песне «Ни плохая погода, ни мороз не помешают мне петь…» Гаса Брюле, одного из первых труверов. В ней несколько раз повторяется строка «Я люблю ее все сильнее».
В поэзии следующих эпох рефрены встречались гораздо чаще. Например, в стихотворении Эдгара Алана По «Ворон» от строфы к строфе повторяется несколько слов: «больше ничего» и «никогда».
В русской литературе рефрены появились еще в древности. Этот прием встречается в «Слове о полку Игореве»:: «О Русская земля! / Ты уже за холмом». Повторяющийся стих в поэме звучит дважды: первый раз перед победоносным сражением с половцами, а второй — во время поражения главного героя на поле боя.
Александр Пушкин также использовал рефрены, например, в стихотворении «Зимний вечер». Строки «Буря мглою небо кроет, / Вихри снежные крутя; / То, как зверь, она завоет, / То заплачет, как дитя…» и «Выпьем, добрая подружка / Бедной юности моей, / Выпьем с горя: где же кружка? / Сердцу будет веселей» встречаются в нем два раза.
Рефрен — это средство художественной выразительности, повтор текста в литературном произведении.
Термин произошел от французского слова refrain, которое переводится как «припев».
Поэты используют рефрен, чтобы обратить внимание читателя на определенные слова, строки или строфы. В стихотворениях, а иногда и в прозе авторы намеренно повторяют слово, предложение или четверостишие в разных частях произведения. В этом заключается отличие рефрена от лексического повтора: во втором случае одинаковые слова, как правило, расположены рядом безыдейно.
Рефрены появились еще в античной поэзии. Например, в стихотворении древнеримского автора Гая Катулла «Свадьба Фетиды и Пелея» несколько раз повторяется строка: «Мчитесь быстрей, выводящие нити, быстрей, веретена».
Активно использовать рефрены стали авторы XII—XIII веков, например труверы — средневековые поэты и музыканты. Так, рефрен звучит в песне «Ни плохая погода, ни мороз не помешают мне петь…» Гаса Брюле, одного из первых труверов. В ней несколько раз повторяется строка «Я люблю ее все сильнее».
В поэзии следующих эпох рефрены встречались гораздо чаще. Например, в стихотворении Эдгара Алана По «Ворон» от строфы к строфе повторяется несколько слов: «больше ничего» и «никогда».
В русской литературе рефрены появились еще в древности. Этот прием встречается в «Слове о полку Игореве»:: «О Русская земля! / Ты уже за холмом». Повторяющийся стих в поэме звучит дважды: первый раз перед победоносным сражением с половцами, а второй — во время поражения главного героя на поле боя.
Александр Пушкин также использовал рефрены, например, в стихотворении «Зимний вечер». Строки «Буря мглою небо кроет, / Вихри снежные крутя; / То, как зверь, она завоет, / То заплачет, как дитя…» и «Выпьем, добрая подружка / Бедной юности моей, / Выпьем с горя: где же кружка? / Сердцу будет веселей» встречаются в нем два раза.
Что такое литература? Рассказываем в рубрике #СловоДня
В широком смысле литература — это искусство слова. К литературе относят произведения, закрепленные в письменной форме.
Термин «литература» произошел от латинского слова literatura, что переводится как «рукопись» или «сочинение».
История литературы началась еще в древности, когда в Месопотамии и Древнем Египте появилась письменность. Самые ранние известные ученым литературные произведения относятся к XXVII–XX векам до нашей эры. Среди них, например, египетское «Сказание Синухе» периода Среднего царства.
От античной литературы до нашего времени дошло гораздо больше текстов. Зародилась древнегреческая литература с появлением произведений Гомера, «Илиады» и «Одиссеи», то есть приблизительно в VIII веке до нашей эры. Позже были созданы известные трагедии Эсхила, Софокла, Еврипида. Древнеримская литература оставила нам «Энеиду» Вергилия, «Золотого осла» Апулея, «Метаморфозы» Овидия, стихотворения Катулла.
Для литературы Средневековья была характерна глубокая религиозность. Главные произведения этого периода созданы христианскими мыслителями — Августином Блаженным, Амвросием Медиоланским и другими. А в эпоху Возрождения стала развиваться светская литература. Известными авторами стали Данте Алигьери, Джованни Боккаччо, Уильям Шекспир, Мигель де Сервантес, Эразм Роттердамский.
В эпоху барокко центральными темами были мимолетность жизни и мистицизм. В классицистической литературе, сформированной под влиянием идей Просвещения, ярким мотивом стало превосходство разума над чувствами. А особенность литературы романтизма — конфликт человека и общества.
Затем европейская литература прошла эпохи модернизма и постмодернизма. Первый этап относится к началу XX века: в это время авторы отказывались от старых форм и идей в пользу всего нового. Литература постмодерна отвергала уже принципы модернизма: популярными средствами выразительности стали ирония и черный юмор, которые возникли как реакция на разочарование авторов в идеях гуманизма и в концепции поиска смысла жизни.
История русской литературы берет начало в X веке. Первым русским текстом считается Новгородский кодекс — древняя книга Псалтири. А одним из самых известных памятников древнерусской литературы стало «Слово о полку Игореве» XII века.
После монгольского нашествия русская литература стала меняться: появились первые светские тексты. А с творчеством Симеона Полоцкого в XVII веке развитие литературы пошло по европейскому пути. В следующие эпохи русская словесность прошла те же этапы, что и мировая.
В широком смысле литература — это искусство слова. К литературе относят произведения, закрепленные в письменной форме.
Термин «литература» произошел от латинского слова literatura, что переводится как «рукопись» или «сочинение».
История литературы началась еще в древности, когда в Месопотамии и Древнем Египте появилась письменность. Самые ранние известные ученым литературные произведения относятся к XXVII–XX векам до нашей эры. Среди них, например, египетское «Сказание Синухе» периода Среднего царства.
От античной литературы до нашего времени дошло гораздо больше текстов. Зародилась древнегреческая литература с появлением произведений Гомера, «Илиады» и «Одиссеи», то есть приблизительно в VIII веке до нашей эры. Позже были созданы известные трагедии Эсхила, Софокла, Еврипида. Древнеримская литература оставила нам «Энеиду» Вергилия, «Золотого осла» Апулея, «Метаморфозы» Овидия, стихотворения Катулла.
Для литературы Средневековья была характерна глубокая религиозность. Главные произведения этого периода созданы христианскими мыслителями — Августином Блаженным, Амвросием Медиоланским и другими. А в эпоху Возрождения стала развиваться светская литература. Известными авторами стали Данте Алигьери, Джованни Боккаччо, Уильям Шекспир, Мигель де Сервантес, Эразм Роттердамский.
В эпоху барокко центральными темами были мимолетность жизни и мистицизм. В классицистической литературе, сформированной под влиянием идей Просвещения, ярким мотивом стало превосходство разума над чувствами. А особенность литературы романтизма — конфликт человека и общества.
Затем европейская литература прошла эпохи модернизма и постмодернизма. Первый этап относится к началу XX века: в это время авторы отказывались от старых форм и идей в пользу всего нового. Литература постмодерна отвергала уже принципы модернизма: популярными средствами выразительности стали ирония и черный юмор, которые возникли как реакция на разочарование авторов в идеях гуманизма и в концепции поиска смысла жизни.
История русской литературы берет начало в X веке. Первым русским текстом считается Новгородский кодекс — древняя книга Псалтири. А одним из самых известных памятников древнерусской литературы стало «Слово о полку Игореве» XII века.
После монгольского нашествия русская литература стала меняться: появились первые светские тексты. А с творчеством Симеона Полоцкого в XVII веке развитие литературы пошло по европейскому пути. В следующие эпохи русская словесность прошла те же этапы, что и мировая.
Что такое батальный жанр? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Батальным называют жанр изобразительного искусства, посвященный военной тематике. Художники-баталисты изображают сражения, взятие городов, осады крепостей, военные походы — как современные им военные действия, так и события прошлого, что сближает жанр с исторической живописью. Сам термин происходит от французского bataille, что значит «битва».
Художники изображали военные сцены с древних времен. До наших дней сохранились рельефы Древнего Востока, на которых запечатлены цари и солдаты, взявшие в окружение города неприятеля. В эпоху Античности мастера создавали мозаики, стенные росписи и рисунки на вазах, прославляющие подвиги воителей, посвящали произведения полководцу Александру Македонскому. В Средневековье художники иллюстрировали батальными миниатюрами военные хроники. Расцвет батального жанра пришелся на времена Наполеоновских войн: например, к этому времени относится серия гравюр Франсиско Гойи «Ужасы войны».
В отечественном искусстве произведения на военную тематику создавали еще в старину. Мастера запечатлевали многие военные события, например поход Ивана Грозного на Казань. Самостоятельный батальный жанр сложился в России к XVIII веку, когда художники часто изображали героические победы русских правителей и полководцев. К этому периоду относится мозаика мастерской Михаила Ломоносова «Полтавская баталия», на которой изображен Петр I на коне в окружении солдат.
Во второй половине XIX века жил и работал один из главных русских баталистов — Василий Верещагин. Живописец изображал на своих полотнах трагические реалии войны: убитых и раненых, поля боев, сцены в лазаретах. Верещагин сам участвовал в боевых действиях и делал зарисовки, а затем на их основе писал полотна. Одна из самых известных его работ — «Апофеоз войны» — хранится в Третьяковской галерее.
* Василий Верещагин. Апофеоз войны. 1871. Государственная Третьяковская галерея, Москва
* Василий Верещагин. Наполеон на Бородинских высотах. 1897. Государственный исторический музей, Москва
* Константин Филиппов. Погоня. 1867. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Батальным называют жанр изобразительного искусства, посвященный военной тематике. Художники-баталисты изображают сражения, взятие городов, осады крепостей, военные походы — как современные им военные действия, так и события прошлого, что сближает жанр с исторической живописью. Сам термин происходит от французского bataille, что значит «битва».
Художники изображали военные сцены с древних времен. До наших дней сохранились рельефы Древнего Востока, на которых запечатлены цари и солдаты, взявшие в окружение города неприятеля. В эпоху Античности мастера создавали мозаики, стенные росписи и рисунки на вазах, прославляющие подвиги воителей, посвящали произведения полководцу Александру Македонскому. В Средневековье художники иллюстрировали батальными миниатюрами военные хроники. Расцвет батального жанра пришелся на времена Наполеоновских войн: например, к этому времени относится серия гравюр Франсиско Гойи «Ужасы войны».
В отечественном искусстве произведения на военную тематику создавали еще в старину. Мастера запечатлевали многие военные события, например поход Ивана Грозного на Казань. Самостоятельный батальный жанр сложился в России к XVIII веку, когда художники часто изображали героические победы русских правителей и полководцев. К этому периоду относится мозаика мастерской Михаила Ломоносова «Полтавская баталия», на которой изображен Петр I на коне в окружении солдат.
Во второй половине XIX века жил и работал один из главных русских баталистов — Василий Верещагин. Живописец изображал на своих полотнах трагические реалии войны: убитых и раненых, поля боев, сцены в лазаретах. Верещагин сам участвовал в боевых действиях и делал зарисовки, а затем на их основе писал полотна. Одна из самых известных его работ — «Апофеоз войны» — хранится в Третьяковской галерее.
* Василий Верещагин. Апофеоз войны. 1871. Государственная Третьяковская галерея, Москва
* Василий Верещагин. Наполеон на Бородинских высотах. 1897. Государственный исторический музей, Москва
* Константин Филиппов. Погоня. 1867. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Что такое соната? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Соната — один из основных жанров камерной инструментальной музыки. Как правило, это трехчастное циклическое произведение.
Термин «соната» пришел в русский язык из латыни: слово sonare переводится как «звучать». Так стали называть музыкальные произведения в XVI веке, чтобы отделить инструментальные сочинения от вокальных.
Изначально сонатой называли любое музыкальное произведение, но к XVIII веку этот термин закрепился за сочинениями с определенной структурой. Сонаты писали для одного или двух инструментов, а их композиция была трехчастной и состояла из экспозиции, разработки и репризы. В сонате всегда присутствовали две музыкальные темы, которые противопоставлялись друг другу и объединялись в репризе.
Во второй половине XVIII века сонатная форма вобрала в себя многое из музыки прошлых веков: от барокко — полифоническое звучание, от концертной формы — идею драматического развития, от оперы — динамичный сюжет.
Яркое развитие жанр сонаты получил благодаря Вольфгангу Амадею Моцарту. В его творчестве побочные музыкальные партии обрели особую четкость, а часть разработки расширилась и вместила в себя конфликт произведения. Самой известной сонатой композитора стала Соната для фортепиано №11, последнюю часть которой часто называют Турецким маршем.
Достигла своего расцвета сонатная форма в творчестве Людвига ван Бетховена. Именно благодаря ему соната окончательно сформировалась и обрела четкую, привычную нам структуру. Композитор создал 32 сонаты для фортепиано, 10 сонат для скрипки и пять — для виолончели. А самой известной стала его Соната для фортепиано №14, или Лунная соната. Второе название произведение получило уже после смерти Бетховена: так его озаглавил в своей статье немецкий литератор Людвиг Рельштаб.
Жанр сонаты не терял своей популярности на протяжении нескольких веков. В эпоху романтизма, например, сонаты писали Франц Шуберт, Феликс Мендельсон, Фридерик Шопен, Роберт Шуман и другие классики.
В России сонатную форму начал активно развивать Михаил Глинка: в 1825—1828 годы он написал Сонату для альта и фортепиано. Со временем жанр становился все популярнее у отечественных композиторов. Сонаты создавали Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Сергей Рахманинов. А произведения Александра Скрябина критики называют мостом от романтической сонаты к современной.
Соната — один из основных жанров камерной инструментальной музыки. Как правило, это трехчастное циклическое произведение.
Термин «соната» пришел в русский язык из латыни: слово sonare переводится как «звучать». Так стали называть музыкальные произведения в XVI веке, чтобы отделить инструментальные сочинения от вокальных.
Изначально сонатой называли любое музыкальное произведение, но к XVIII веку этот термин закрепился за сочинениями с определенной структурой. Сонаты писали для одного или двух инструментов, а их композиция была трехчастной и состояла из экспозиции, разработки и репризы. В сонате всегда присутствовали две музыкальные темы, которые противопоставлялись друг другу и объединялись в репризе.
Во второй половине XVIII века сонатная форма вобрала в себя многое из музыки прошлых веков: от барокко — полифоническое звучание, от концертной формы — идею драматического развития, от оперы — динамичный сюжет.
Яркое развитие жанр сонаты получил благодаря Вольфгангу Амадею Моцарту. В его творчестве побочные музыкальные партии обрели особую четкость, а часть разработки расширилась и вместила в себя конфликт произведения. Самой известной сонатой композитора стала Соната для фортепиано №11, последнюю часть которой часто называют Турецким маршем.
Достигла своего расцвета сонатная форма в творчестве Людвига ван Бетховена. Именно благодаря ему соната окончательно сформировалась и обрела четкую, привычную нам структуру. Композитор создал 32 сонаты для фортепиано, 10 сонат для скрипки и пять — для виолончели. А самой известной стала его Соната для фортепиано №14, или Лунная соната. Второе название произведение получило уже после смерти Бетховена: так его озаглавил в своей статье немецкий литератор Людвиг Рельштаб.
Жанр сонаты не терял своей популярности на протяжении нескольких веков. В эпоху романтизма, например, сонаты писали Франц Шуберт, Феликс Мендельсон, Фридерик Шопен, Роберт Шуман и другие классики.
В России сонатную форму начал активно развивать Михаил Глинка: в 1825—1828 годы он написал Сонату для альта и фортепиано. Со временем жанр становился все популярнее у отечественных композиторов. Сонаты создавали Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Сергей Рахманинов. А произведения Александра Скрябина критики называют мостом от романтической сонаты к современной.
Что такое фриволите? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Фриволите — это особая техника плетения кружева с помощью иглы с тупым концом, крючка или челноков — специальных станков.
Термин образован от французского frivole, что буквально переводится как «пустой, легкомысленный». Слово «фриволите» впервые упоминается в книге Виктора Жозефа Этьена де Жуи «Отшельник из квартала Шоссе д’Антен, или Наблюдения за парижскими нравами и обычаями начала XIX века» 1812 года.
В английском языке та же техника плетения кружева называется tatting. Этимология этого слова лингвистам до сих пор неизвестна. Английский термин появился в 1830-х годах.
Исследователи выдвигают несколько версий того, где и как зародилась эта техника. По одной из них, фриволите впервые начали плести на Востоке, по другой — в европейских монастырях. Считается, что мастериц мог вдохновить способ плетения рыбацких сетей.
В Европе фриволите приобрело популярность в начале XIX века. В модных журналах 1820-х годов появились схемы плетения воротников, салфеток, изящной бижутерии. Их авторы утверждали: такое кружево можно легко сплести самому, а внешне изделие будет выглядеть дорого и изысканно. Поэтому фриволите быстро стало популярно, им украшали не только наряды, но и аксессуары — веера, зонтики, шали. Плели кружево в основном из тонких белых нитей.
Фриволите можно легко отличить от изделий в других техниках. Основные элементы этого кружева — кольца и полукольца. Один из приемов фриволите получил название в честь французской императрицы Жозефины де Богарне. Он называется «пико Жозефины» и представляет собой кольцо из прямых узлов.
В России фриволите было не так популярно, как за границей. До революции в нашей стране кружево плели в основном с помощью коклюшек. Дворянки предпочитали покупать иностранные товары.
Первая литература о фриволите на русском языке появилась только в начале XX века. Например, в 1913 году вышла книга рукодельницы Лидии Кулимбековой «Плетение на коклюшках, филейные работы, фриволите, простое плетение, бахрома и кисти».
Кружевная техника популярна и в наши дни. Сегодня из нее изготавливают в основном бижутерию: броши, ожерелья, браслеты и другие изделия.
* Салфетка в технике фриволите. 2-я половина XX века. Зеленогорский музейно-выставочный центр, Зеленогорск, Красноярский край
* Скатерть с элементами в технике фриволите. Начало XX века. Филиал Саратовского областного музея краеведения, Балаково, Саратовская область
* Кружево в технике фриволите. Фотография: Светлана Самаркина / фотобанк «Лори»
Фриволите — это особая техника плетения кружева с помощью иглы с тупым концом, крючка или челноков — специальных станков.
Термин образован от французского frivole, что буквально переводится как «пустой, легкомысленный». Слово «фриволите» впервые упоминается в книге Виктора Жозефа Этьена де Жуи «Отшельник из квартала Шоссе д’Антен, или Наблюдения за парижскими нравами и обычаями начала XIX века» 1812 года.
В английском языке та же техника плетения кружева называется tatting. Этимология этого слова лингвистам до сих пор неизвестна. Английский термин появился в 1830-х годах.
Исследователи выдвигают несколько версий того, где и как зародилась эта техника. По одной из них, фриволите впервые начали плести на Востоке, по другой — в европейских монастырях. Считается, что мастериц мог вдохновить способ плетения рыбацких сетей.
В Европе фриволите приобрело популярность в начале XIX века. В модных журналах 1820-х годов появились схемы плетения воротников, салфеток, изящной бижутерии. Их авторы утверждали: такое кружево можно легко сплести самому, а внешне изделие будет выглядеть дорого и изысканно. Поэтому фриволите быстро стало популярно, им украшали не только наряды, но и аксессуары — веера, зонтики, шали. Плели кружево в основном из тонких белых нитей.
Фриволите можно легко отличить от изделий в других техниках. Основные элементы этого кружева — кольца и полукольца. Один из приемов фриволите получил название в честь французской императрицы Жозефины де Богарне. Он называется «пико Жозефины» и представляет собой кольцо из прямых узлов.
В России фриволите было не так популярно, как за границей. До революции в нашей стране кружево плели в основном с помощью коклюшек. Дворянки предпочитали покупать иностранные товары.
Первая литература о фриволите на русском языке появилась только в начале XX века. Например, в 1913 году вышла книга рукодельницы Лидии Кулимбековой «Плетение на коклюшках, филейные работы, фриволите, простое плетение, бахрома и кисти».
Кружевная техника популярна и в наши дни. Сегодня из нее изготавливают в основном бижутерию: броши, ожерелья, браслеты и другие изделия.
* Салфетка в технике фриволите. 2-я половина XX века. Зеленогорский музейно-выставочный центр, Зеленогорск, Красноярский край
* Скатерть с элементами в технике фриволите. Начало XX века. Филиал Саратовского областного музея краеведения, Балаково, Саратовская область
* Кружево в технике фриволите. Фотография: Светлана Самаркина / фотобанк «Лори»
Что такое аккорд? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Аккорд — это сочетание трех и более музыкальных звуков разной высоты. Человеческий слух воспринимает его как целостный элемент.
Слово «аккорд» пришло в русский язык из позднелатинского, где глагол accordo означал «согласовывать». Сам термин возник в XIV веке, однако современное значение он получил лишь через три столетия. С XVII–XVIII веков эти звуковые сочетания стали едва ли не обязательными элементами музыкальных произведений.
Изначально аккорд строили на терции — музыкальном интервале в три ступени между всеми звуками, и существовали только трезвучия и септаккорды, которые отдалены друг от друга на две и три терции соответственно.
Со временем композиторы стали использовать сочетания с большим количеством звуков: нонаккорды, ундецимаккорды и терцдецимаккорды — на четыре, пять и шесть терций. Однако два последних встречаются в музыкальных произведениях крайне редко.
А в XIX веке композиторы начали использовать не только терцовые, но и кварт- и квинтаккорды. В таких сочетаниях звуки отделены друг от друга на четыре и пять ступеней. Подобные аккорды часто встречаются в произведениях русских композиторов, например в опере «Руслан и Людмила» Михаила Глинки или в Первой симфонии Александра Бородина.
Аккорд — это сочетание трех и более музыкальных звуков разной высоты. Человеческий слух воспринимает его как целостный элемент.
Слово «аккорд» пришло в русский язык из позднелатинского, где глагол accordo означал «согласовывать». Сам термин возник в XIV веке, однако современное значение он получил лишь через три столетия. С XVII–XVIII веков эти звуковые сочетания стали едва ли не обязательными элементами музыкальных произведений.
Изначально аккорд строили на терции — музыкальном интервале в три ступени между всеми звуками, и существовали только трезвучия и септаккорды, которые отдалены друг от друга на две и три терции соответственно.
Со временем композиторы стали использовать сочетания с большим количеством звуков: нонаккорды, ундецимаккорды и терцдецимаккорды — на четыре, пять и шесть терций. Однако два последних встречаются в музыкальных произведениях крайне редко.
А в XIX веке композиторы начали использовать не только терцовые, но и кварт- и квинтаккорды. В таких сочетаниях звуки отделены друг от друга на четыре и пять ступеней. Подобные аккорды часто встречаются в произведениях русских композиторов, например в опере «Руслан и Людмила» Михаила Глинки или в Первой симфонии Александра Бородина.