Лесной пейзаж с медвежатами, играющими на поваленном дереве, — едва ли не самая известная работа художника. Вот только замысел пейзажа Ивану Шишкину подсказал другой художник — Константин Савицкий. Он же и написал медведицу с тремя медвежатами: знатоку леса Шишкину мишки никак не удавались.
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Валентин Серов создал «Девочку с персиками» в усадьбе Абрамцево — имении Саввы Мамонтова. Серов, как и многие другие художники — участники «Абрамцевского кружка», часто гостил там. На картине изображена дочь мецената — Вера Мамонтова. Над полотном Серов работал почти два месяца: начал летом, а закончил в сентябре. Все это время Вера Мамонтова позировала ему по несколько часов в день.
Исследователи называют «Девочку с персиками» одним из первых российских полотен с чертами импрессионизма. Художник тонко выписал лицо Веры Мамонтовой, а вот ее блузу, скатерть с персиками и задний план картины передал более крупными мазками. Серов использовал чистые цвета, накладывая их вплотную друг к другу, чтобы передать оттенки мебели, предметов и стен. А пейзаж за окном и вовсе изобразил схематично и условно.
«Всё, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров» — Валентин Серов.
Вера Мамонтова стала моделью не только для Валентина Серова: ее писали на своих полотнах Илья Репин, Михаил Врубель и Виктор Васнецов, который объяснял это так: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию».
* Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Исследователи называют «Девочку с персиками» одним из первых российских полотен с чертами импрессионизма. Художник тонко выписал лицо Веры Мамонтовой, а вот ее блузу, скатерть с персиками и задний план картины передал более крупными мазками. Серов использовал чистые цвета, накладывая их вплотную друг к другу, чтобы передать оттенки мебели, предметов и стен. А пейзаж за окном и вовсе изобразил схематично и условно.
«Всё, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров» — Валентин Серов.
Вера Мамонтова стала моделью не только для Валентина Серова: ее писали на своих полотнах Илья Репин, Михаил Врубель и Виктор Васнецов, который объяснял это так: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию».
* Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Владимир Маковский «Две матери» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Полное название картины — «Две матери. Мать родная и приемная». Маковский написал полотно в 1905–1906 годах. До революции 1917 года оно хранилось у друзей семьи Маковских — самарских купцов и меценатов Шихобаловых.
По признанию Маковского в основу сюжета картины лег случай, который произошел в семье его знакомого. Родная мать отдала ребенка в приют, откуда мальчика забрала состоятельная пара. Но однажды мать пришла к ним в дом и стала требовать ребенка обратно. Маковский изобразил именно этот момент. Художник говорил: «Картина — не слово, она дает одну минуту, и в этой минуте должно быть все, а нет — нет картины».
Незваную гостью художник написал в темных одеждах, чтобы подчеркнуть ее социальное положение и крестьянское происхождение. Приемная же мать одета в светлое платье популярного в те годы фасона. Маковский точно передал эмоциональное состояние мальчика — он в смятении и напуган. Беспокойство также читается на лице приемной матери и ее домработницы. Невозмутимым остается глава семейства: он уверен, что гостья уйдет ни с чем.
* Владимир Маковский. Две матери. 1906. Самарский областной художественный музей
Полное название картины — «Две матери. Мать родная и приемная». Маковский написал полотно в 1905–1906 годах. До революции 1917 года оно хранилось у друзей семьи Маковских — самарских купцов и меценатов Шихобаловых.
По признанию Маковского в основу сюжета картины лег случай, который произошел в семье его знакомого. Родная мать отдала ребенка в приют, откуда мальчика забрала состоятельная пара. Но однажды мать пришла к ним в дом и стала требовать ребенка обратно. Маковский изобразил именно этот момент. Художник говорил: «Картина — не слово, она дает одну минуту, и в этой минуте должно быть все, а нет — нет картины».
Незваную гостью художник написал в темных одеждах, чтобы подчеркнуть ее социальное положение и крестьянское происхождение. Приемная же мать одета в светлое платье популярного в те годы фасона. Маковский точно передал эмоциональное состояние мальчика — он в смятении и напуган. Беспокойство также читается на лице приемной матери и ее домработницы. Невозмутимым остается глава семейства: он уверен, что гостья уйдет ни с чем.
* Владимир Маковский. Две матери. 1906. Самарский областной художественный музей
«Дама в голубом» Константина Сомова #КартинаВДеталях_КультураРФ
Свою современницу и соученицу Елизавету Мартынову Константин Сомов изобразил в старинном платье. Оно должно было навевать мысли о минувших эпохах, а в особенности — о XVIII веке, столь любимом и самим художником, и его коллегами по объединению «Мир искусства».
Судя по крою, синее шелковое платье было сшито в 1850-х, в эпоху «второго рококо». Тогда дамы носили платья с огромными юбками по моде XVIII века.
Однако у наряда Мартыновой есть и собственная загадка. Из-под его длинных широких рукавов выглядывают белые нижние. Скорее всего, они были съемными — в 1850-х такая модель была очень популярной. Пикантный нюанс: так шили только дневные платья, а значит, у него не должно быть такого глубокого выреза. В XIX веке женщина могла носить декольтированные наряды исключительно вечером. Сомов обнажил хрупкие плечи своей модели и окутал ее косынкой, отделанной кружевом. Она подсвечивает лицо Елизаветы Мартыновой, выделяя его на темном фоне, и тоже напоминает о моде XVIII века: в дамских журналах похожие называли «а ля Мария-Антуанетта». Кроме того, по всей видимости, косынка прикрывает то, что пришлось сделать с лифом платья ради портрета — срезать его верхнюю часть ради художественной выразительности.
* Константин Сомов. Дама в голубом (Портрет Е.М. Мартыновой). 1897–1900. Государственная Третьяковская галерея
Свою современницу и соученицу Елизавету Мартынову Константин Сомов изобразил в старинном платье. Оно должно было навевать мысли о минувших эпохах, а в особенности — о XVIII веке, столь любимом и самим художником, и его коллегами по объединению «Мир искусства».
Судя по крою, синее шелковое платье было сшито в 1850-х, в эпоху «второго рококо». Тогда дамы носили платья с огромными юбками по моде XVIII века.
Однако у наряда Мартыновой есть и собственная загадка. Из-под его длинных широких рукавов выглядывают белые нижние. Скорее всего, они были съемными — в 1850-х такая модель была очень популярной. Пикантный нюанс: так шили только дневные платья, а значит, у него не должно быть такого глубокого выреза. В XIX веке женщина могла носить декольтированные наряды исключительно вечером. Сомов обнажил хрупкие плечи своей модели и окутал ее косынкой, отделанной кружевом. Она подсвечивает лицо Елизаветы Мартыновой, выделяя его на темном фоне, и тоже напоминает о моде XVIII века: в дамских журналах похожие называли «а ля Мария-Антуанетта». Кроме того, по всей видимости, косынка прикрывает то, что пришлось сделать с лифом платья ради портрета — срезать его верхнюю часть ради художественной выразительности.
* Константин Сомов. Дама в голубом (Портрет Е.М. Мартыновой). 1897–1900. Государственная Третьяковская галерея
Борис Кустодиев «Осень в провинции. Чаепитие» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Живописца Бориса Кустодиева привлекали темы, связанные с русской провинцией. Художник изображал яркие сцены чаепитий, народных гуляний, ярмарок.
На картине «Осень в провинции. Чаепитие» излюбленную тему Борис Кустодиев разбавил теплыми красками. Огненно-красные клены и желтеющий сад у провинциальных домиков делают осень особенно уютной. То самое бабье лето, которое на время примиряет с красивыми, но, увы, неизбежно облетающими листьями. В прозрачном воздухе витает аромат листвы, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. И уж, конечно, никакая осень не страшна, если поблизости кот. Вкупе с самоваром.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1926 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске.
* Борис Кустодиев. Осень в провинции. Чаепитие. 1926. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Живописца Бориса Кустодиева привлекали темы, связанные с русской провинцией. Художник изображал яркие сцены чаепитий, народных гуляний, ярмарок.
На картине «Осень в провинции. Чаепитие» излюбленную тему Борис Кустодиев разбавил теплыми красками. Огненно-красные клены и желтеющий сад у провинциальных домиков делают осень особенно уютной. То самое бабье лето, которое на время примиряет с красивыми, но, увы, неизбежно облетающими листьями. В прозрачном воздухе витает аромат листвы, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. И уж, конечно, никакая осень не страшна, если поблизости кот. Вкупе с самоваром.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1926 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске.
* Борис Кустодиев. Осень в провинции. Чаепитие. 1926. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина «На острове Валааме» Архипа Куинджи #КартинаВДеталях_КультураРФ
В начале 1870-х многих художников привлекал своей суровой и прекрасной природой остров Валаам на Ладожском озере. Побывал там и Куинджи — романтические виды Русского Севера появились в его картинах «Ладожское озеро» и «Валаам». В это время он совсем отошел от классических традиций и подражания античности, идеализации образа натуры. В определенной степени этому способствовал рост популярности естественных наук и научного подхода к изучению природы в России того времени. В 1873 году Куинджи работал над картиной «На острове Валааме», слухи о которой до ее завершения стали распространяться среди петербургских художников.
Илья Репин писал Павлу Третьякову о еще не законченной работе Куинджи: «…всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Вполне возможно, что именно после одобрительных отзывов многих художников Павел Третьяков поручил своему брату Сергею, приехавшему в Петербург, приобрести картину «На острове Валааме». Она стала первым произведением Куинджи в собрании будущей Третьяковской галереи. Эта картина, представленная на академической выставке, была явно сильнее работ других художников, и известность Куинджи выросла в разы.
Даже Федор Достоевский в журнале «Гражданин» назвал «На острове Валааме» национальным пейзажем.
* Архип Куинджи. На острове Валааме. 1873. Государственная Третьяковская галерея
В начале 1870-х многих художников привлекал своей суровой и прекрасной природой остров Валаам на Ладожском озере. Побывал там и Куинджи — романтические виды Русского Севера появились в его картинах «Ладожское озеро» и «Валаам». В это время он совсем отошел от классических традиций и подражания античности, идеализации образа натуры. В определенной степени этому способствовал рост популярности естественных наук и научного подхода к изучению природы в России того времени. В 1873 году Куинджи работал над картиной «На острове Валааме», слухи о которой до ее завершения стали распространяться среди петербургских художников.
Илья Репин писал Павлу Третьякову о еще не законченной работе Куинджи: «…всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Вполне возможно, что именно после одобрительных отзывов многих художников Павел Третьяков поручил своему брату Сергею, приехавшему в Петербург, приобрести картину «На острове Валааме». Она стала первым произведением Куинджи в собрании будущей Третьяковской галереи. Эта картина, представленная на академической выставке, была явно сильнее работ других художников, и известность Куинджи выросла в разы.
Даже Федор Достоевский в журнале «Гражданин» назвал «На острове Валааме» национальным пейзажем.
* Архип Куинджи. На острове Валааме. 1873. Государственная Третьяковская галерея
Картина Федора Решетникова «Опять двойка»
#КартинаВДеталях_КультураРФ
Картину Федора Решетникова «Опять двойка» в СССР использовали в школьной программе: на уроках изобразительного искусства она служила образцом жанровой живописи, а на русском языке дети писали сочинения по ней. Эта работа входила в своеобразную трилогию одного автора вместе с двумя другими картинами: «Прибыл на каникулы» и «Переэкзаменовка». Все они изображали будни советских школьников. Но связаны картины не только тематически: на картине «Переэкзаменовка» в левом верхнем углу изображена репродукция полотна «Опять двойка», а копия «Переэкзаменовки» видна на стене комнаты, которую художник написал на картине «Опять двойка».
Для этой работы Решетникову позировал сын художника-авангардиста Густава Клуциса. Федор Решетников сначала собирался создать картину с более радостным сюжетом и назвать ее «Опять пятерка», но в итоге решил, что образы мальчика, который снова получил плохую оценку, его огорченных сестры и матери будут выглядеть более выразительно.
* Федор Решетников. Опять двойка. 1952. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ
Картину Федора Решетникова «Опять двойка» в СССР использовали в школьной программе: на уроках изобразительного искусства она служила образцом жанровой живописи, а на русском языке дети писали сочинения по ней. Эта работа входила в своеобразную трилогию одного автора вместе с двумя другими картинами: «Прибыл на каникулы» и «Переэкзаменовка». Все они изображали будни советских школьников. Но связаны картины не только тематически: на картине «Переэкзаменовка» в левом верхнем углу изображена репродукция полотна «Опять двойка», а копия «Переэкзаменовки» видна на стене комнаты, которую художник написал на картине «Опять двойка».
Для этой работы Решетникову позировал сын художника-авангардиста Густава Клуциса. Федор Решетников сначала собирался создать картину с более радостным сюжетом и назвать ее «Опять пятерка», но в итоге решил, что образы мальчика, который снова получил плохую оценку, его огорченных сестры и матери будут выглядеть более выразительно.
* Федор Решетников. Опять двойка. 1952. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина Константина Маковского «Дети, бегущие от грозы» #КартинаВДеталях_КультураРФ
В 1870 году Константин Маковский стал одним из основателей Товарищества передвижников. Ключевым постулатом передвижников было «стремление к реальному и повседневному». Путешествуя по России и Украине, живописец наблюдал жизнь крестьян, собирал сюжеты для своих будущих полотен, делал наброски и этюды.
По легенде, с убегающей от грозы «Аленушкой» живописец познакомился в Тамбовской губернии. Она была в толпе крестьянских детей, которые наблюдали за работой художника. Маковский хотел написать ее портрет, но на следующий день девочка «на этюды» не пришла. Позже Маковскому рассказали, что малышка попала вместе со своим младшим братом под дождь и простудилась. Так у Маковского родилась идея полотна. Цветовые переходы от золотистой ржи к свинцовым тучам на горизонте Маковский создавал не только кистями, но и пальцами, вновь используя живописную фактуру как выразительное средство. «Дети, бегущие от грозы» попали в собрание картин семейства Нарышкиных, а сейчас картина хранится в Третьяковской галерее.
* Константин Маковский. Дети, бегущие от грозы. 1872. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В 1870 году Константин Маковский стал одним из основателей Товарищества передвижников. Ключевым постулатом передвижников было «стремление к реальному и повседневному». Путешествуя по России и Украине, живописец наблюдал жизнь крестьян, собирал сюжеты для своих будущих полотен, делал наброски и этюды.
По легенде, с убегающей от грозы «Аленушкой» живописец познакомился в Тамбовской губернии. Она была в толпе крестьянских детей, которые наблюдали за работой художника. Маковский хотел написать ее портрет, но на следующий день девочка «на этюды» не пришла. Позже Маковскому рассказали, что малышка попала вместе со своим младшим братом под дождь и простудилась. Так у Маковского родилась идея полотна. Цветовые переходы от золотистой ржи к свинцовым тучам на горизонте Маковский создавал не только кистями, но и пальцами, вновь используя живописную фактуру как выразительное средство. «Дети, бегущие от грозы» попали в собрание картин семейства Нарышкиных, а сейчас картина хранится в Третьяковской галерее.
* Константин Маковский. Дети, бегущие от грозы. 1872. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина Виктора Васнецова «Аленушка» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Грусть Аленушки — по сюжету сказочному, но написана картина с реальной девушки. В 1879–1881 годах художник много работал в имении Саввы Мамонтова Абрамцево и соседней Ахтырке. Именно там Виктор Васнецов приметил свою Аленушку — простоволосую крестьянскую девушку.
«Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах, что я прямо ахнул, когда встретился с нею. Каким-то особым русским духом веяло от нее!» — вспоминал Васнецов.
Одиночество и «русская тоска» определили сюжет. А черты, по признанию художника, — Веруши Мамонтовой, дочери известного мецената. Вторит девичьей печали и природа, переплетаясь с поэзией народных сказаний.
Картина была представлена публике в 1881 году на 9-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок — сначала в Петербурге, потом в Москве. Художник назвал полотно именем героини, не дав никаких пояснений. Но уже первые критики отметили в нем сказочный дух. А позднее васнецовскую Аленушку прочно связали с безутешной сестрицей Иванушки, превратившегося в козленочка.
* Виктор Васнецов. Аленушка. 1881. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Грусть Аленушки — по сюжету сказочному, но написана картина с реальной девушки. В 1879–1881 годах художник много работал в имении Саввы Мамонтова Абрамцево и соседней Ахтырке. Именно там Виктор Васнецов приметил свою Аленушку — простоволосую крестьянскую девушку.
«Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах, что я прямо ахнул, когда встретился с нею. Каким-то особым русским духом веяло от нее!» — вспоминал Васнецов.
Одиночество и «русская тоска» определили сюжет. А черты, по признанию художника, — Веруши Мамонтовой, дочери известного мецената. Вторит девичьей печали и природа, переплетаясь с поэзией народных сказаний.
Картина была представлена публике в 1881 году на 9-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок — сначала в Петербурге, потом в Москве. Художник назвал полотно именем героини, не дав никаких пояснений. Но уже первые критики отметили в нем сказочный дух. А позднее васнецовскую Аленушку прочно связали с безутешной сестрицей Иванушки, превратившегося в козленочка.
* Виктор Васнецов. Аленушка. 1881. Государственная Третьяковская галерея, Москва