Павел Овчинников. К 195-летию со дня рождения
Судьба Павла Овчинникова была обычной для нового класса промышленников России. Рано продемонстрировавший способности к рисованию, в 1842 году 12-летний подросток был отправлен хозяином для «систематического развития художественных способностей» в Москву, в мастерскую по производству золотых и серебряных изделий, где юноша прошел путь от ученика – до золотых дел мастера. Незаурядный талант позволил П.А. Овчинникову освободиться от крепостной зависимости – в 1850 году он получил вольную и женился, а на тысячу рублей приданого жены основал самостоятельное дело.
Уже в 1851 году Павел Овчинников основал собственную мастерскую, в 1853 году была открыта фабрика по производству золотых и серебряных изделий в Москве, на Таганке. Годовой оборот в 1853 г. составил 25000 рублей, в 1854–1855 гг. он был уже 1,5 миллиона рублей.
Прошло около 10 лет кропотливого труда художников и мастеров, прежде чем сформировался узнаваемый «стиль Овчинникова», появился свой ассортимент изделий, особый декор, излюбленные технические приемы и высокое качество исполнения.
Особенно славились мастера эмальеры, работавшие на фабрике П.А. Овчинникова. Во второй половине XIX века компания стала лидером эмальерного производства столицы. Филигранная работа и разнообразная цветовая палитра снискали фабрике славу законодателей моды. Предприятие выпускало подстаканники и солонки, чарки и ложки, ковши и коробочки, украшенные затейливыми сканными орнаментами высочайшего качества.
Фирма Овчинникова громко заявила о себе уже в первый год существования. Мастерам предприятия поручали важные государственные заказы, на них обратил внимание царский двор, и в 1865 году фирма «П.А. Овчинников» удостаивается официального статуса «придворной» фабрики и штатного поставщика двора цесаревича Александра, будущего императора Александра III. А лично Павел Овчинников заслужил право клеймить свои изделия государственным гербом рядом с клеймом фабрики.
В конце XIX века на фабрике Овчинникова впервые в истории русского ювелирного дела освоили и внедрили многоцветную, прозрачную эмаль. Такая эмаль напоминает витраж, в честь которого получила название «витражной», или «оконной».
Еще одной отличительной чертой предприятия Павла Овчинникова были выдающиеся серебряные изделия с чернью. Одним из самых выразительных приемов стала гравюра с архитектурными пейзажами, перенесенная на металл. Павел Овчинников стремился создавать самобытные изделия по традиционным русским канонам и в то же время изделия современные, отвечающие потребностям общества.
В своих работах П. Овчинников пользовался моделями известных скульпторов, архитекторов, художников: В. Боровского, И. Борникова, Е. Лансере, А. Обера, Д. Чичагова, И. Монигетти, Г. Гартмана, А. Захарова, С. Комарова, Л. Даля. Постоянным его сотрудником был А. Жуковский.
На фабрике Овчинникова делали предметы быта и религиозную утварь: потиры, складни, оклады для книг и икон. Многие из этих изделий находятся в Государственном Историческом музее Москвы и в коллекциях европейских королевских домов. Некоторые работы – в Фотоальбоме, подготовленном к 195-летию мастера.
В 1871 году П.А. Овчинников открыл при фабрике школу подготовки мастеров на 130 человек. На выставке 1882 г. школа была отмечена серебряной медалью.
В 1873 году был открыт филиал фирмы в Петербурге. С 1876 года Павел Акимович избирался Гласным Московской городской Думы, был Членом Купеческой управы, Биржевого комитета.
В 1881 году П.А. Овчинников получил звание поставщика Императорского двора. Умер 7 апреля 1888 года. Похоронен на Калитниковском кладбище в Москве.
Продолжателями дела стали четверо сыновей: Михаил, Александр, Павел и Николай. Под их руководством фирма успешно развивалась. Свою деятельность фабрика прекратила после революции 1917 года.
Судьба Павла Овчинникова была обычной для нового класса промышленников России. Рано продемонстрировавший способности к рисованию, в 1842 году 12-летний подросток был отправлен хозяином для «систематического развития художественных способностей» в Москву, в мастерскую по производству золотых и серебряных изделий, где юноша прошел путь от ученика – до золотых дел мастера. Незаурядный талант позволил П.А. Овчинникову освободиться от крепостной зависимости – в 1850 году он получил вольную и женился, а на тысячу рублей приданого жены основал самостоятельное дело.
Уже в 1851 году Павел Овчинников основал собственную мастерскую, в 1853 году была открыта фабрика по производству золотых и серебряных изделий в Москве, на Таганке. Годовой оборот в 1853 г. составил 25000 рублей, в 1854–1855 гг. он был уже 1,5 миллиона рублей.
Прошло около 10 лет кропотливого труда художников и мастеров, прежде чем сформировался узнаваемый «стиль Овчинникова», появился свой ассортимент изделий, особый декор, излюбленные технические приемы и высокое качество исполнения.
Особенно славились мастера эмальеры, работавшие на фабрике П.А. Овчинникова. Во второй половине XIX века компания стала лидером эмальерного производства столицы. Филигранная работа и разнообразная цветовая палитра снискали фабрике славу законодателей моды. Предприятие выпускало подстаканники и солонки, чарки и ложки, ковши и коробочки, украшенные затейливыми сканными орнаментами высочайшего качества.
Фирма Овчинникова громко заявила о себе уже в первый год существования. Мастерам предприятия поручали важные государственные заказы, на них обратил внимание царский двор, и в 1865 году фирма «П.А. Овчинников» удостаивается официального статуса «придворной» фабрики и штатного поставщика двора цесаревича Александра, будущего императора Александра III. А лично Павел Овчинников заслужил право клеймить свои изделия государственным гербом рядом с клеймом фабрики.
В конце XIX века на фабрике Овчинникова впервые в истории русского ювелирного дела освоили и внедрили многоцветную, прозрачную эмаль. Такая эмаль напоминает витраж, в честь которого получила название «витражной», или «оконной».
Еще одной отличительной чертой предприятия Павла Овчинникова были выдающиеся серебряные изделия с чернью. Одним из самых выразительных приемов стала гравюра с архитектурными пейзажами, перенесенная на металл. Павел Овчинников стремился создавать самобытные изделия по традиционным русским канонам и в то же время изделия современные, отвечающие потребностям общества.
В своих работах П. Овчинников пользовался моделями известных скульпторов, архитекторов, художников: В. Боровского, И. Борникова, Е. Лансере, А. Обера, Д. Чичагова, И. Монигетти, Г. Гартмана, А. Захарова, С. Комарова, Л. Даля. Постоянным его сотрудником был А. Жуковский.
На фабрике Овчинникова делали предметы быта и религиозную утварь: потиры, складни, оклады для книг и икон. Многие из этих изделий находятся в Государственном Историческом музее Москвы и в коллекциях европейских королевских домов. Некоторые работы – в Фотоальбоме, подготовленном к 195-летию мастера.
В 1871 году П.А. Овчинников открыл при фабрике школу подготовки мастеров на 130 человек. На выставке 1882 г. школа была отмечена серебряной медалью.
В 1873 году был открыт филиал фирмы в Петербурге. С 1876 года Павел Акимович избирался Гласным Московской городской Думы, был Членом Купеческой управы, Биржевого комитета.
В 1881 году П.А. Овчинников получил звание поставщика Императорского двора. Умер 7 апреля 1888 года. Похоронен на Калитниковском кладбище в Москве.
Продолжателями дела стали четверо сыновей: Михаил, Александр, Павел и Николай. Под их руководством фирма успешно развивалась. Свою деятельность фабрика прекратила после революции 1917 года.
👍17❤9🎉3🔥1
Обновление раздела «Западноевропейское стекло» к дню разноцветных стекол
На этой неделе отмечается День разноцветных стекол – неофициальный праздник, посвященный истории и культурному значению цветного стекла. Этот день напоминает нам о том, как разноцветные стекла способны преобразить восприятие мира, отражая наши эмоции и настроения.
Праздник был учрежден в 2008 году в США, но с тех пор стал приобрел популярность и в других странах. Его основная идея – показать красоту и уникальность мира. Стекло может быть прозрачным, матовым, узорчатым или иметь любой цвет.
Многочисленные декоративные изделия – вазы, чаши, украшения и прочее – на заре производства стекла делали как раз из цветного, к тому же, зачастую непрозрачного стекла. В соответствии с существующими в те давние времена технологиями сварить цветной состав, из которого в будущем получалось стекло, было гораздо проще, чем заниматься его же очищением.
Первое стекло начали изготавливать египтяне около 5–6 тысяч лет назад. Также в Египте берёт начало, красивейшее оформление, ставшее своеобразной заменой обычных оконных стёкол – техника изготовления витражей, ставшая гораздо позже очень популярной в христианской Европе. Правда, египтяне выполняли их накладным способом. То есть на прозрачную основу накладывались как мозаика цветные стеклянные кусочки. Такое произведение стоило очень дорого. Шумеры использовали стекловидную глазурь для украшения конической черепицы храмов. Древние греки и римляне создавали изделия из цветного катаного стекла, например, вазы миллефиори, амфоры и фиалы. В эпоху эллинизма популярными стали мозаичные панно из стекла.
Самые первые образцы стекла содержали много примесей, за счет которых цвет его получался «грязным». Это могло быть и железо, и песок или мраморная пыль. Однако очень скоро в производстве стали использовать яркие красители, чтобы перекрыть непрезентабельные коричнево-зеленые оттенки, а значит, придать готовым изделиям из стекла красивый внешний вид. Отсутствие прозрачности скрывало недостатки технологий – появляющиеся пузырьки и остатки непроварившегося песка. С развитием стекольного дела цветное стекло становилось все более чистым, а цвета приобретали нужный мастеру оттенок. В некоторые исторические периоды цветные стекла ценились дороже золота.
Наука о стекле – один из наиболее важных разделов в естественнонаучном наследии Михаила Васильевича Ломоносова. теоретическая часть интересовала учёного не меньше, чем поиск красителей для производственного стеклоделия. Он разработал рецептуру 112 тонов и более тысячи оттенков цветных смальт (непрозрачных стекол), превзойдя палитру мозаичной мастерской в Ватикане. Работы Ломоносова по цветному стеклу очень много дали для развития всей дальнейшей науки о стекле. Он глубже, чем все другие производители стекла изучил процессы окрашивания стекла различными металлами и способы получения прозрачных и непрозрачных цветных стекол.
В процессе производства разноцветных стекол в качестве основы используется кварцевый песок, сода и известь. Для его создания требуется специальная печь, в которой все составляющие плавятся при температуре свыше 1700 градусов по Цельсию. Для получения нужных оттенков цветных стеклянных изделий в процессе нанесения пленки или выплавки задействуются разные красители, в которых содержатся соли, а также оксиды металлов. К примеру, для получения красного цвета используются оксиды меди, желтого – соли кадмия, зеленого – хром или медь. В производстве изделий синего цвета в состав добавляют соединения кобальта. Особое значение имеет точное соблюдение температурных значений, в зависимости от используемых красителей. Так, некоторые добавки могут улетучиваться при высоких температурах (например, сульфиды или фтор). Широкие современные технологические возможности позволяют окрашивать поверхности в различные оттенки — от базовых до самых сложных и оригинальных.
В Видеоархиве музея размещён виртуальный альбом, посвящённый художественному стеклу.
https://mus-col.com/events/37464/
На этой неделе отмечается День разноцветных стекол – неофициальный праздник, посвященный истории и культурному значению цветного стекла. Этот день напоминает нам о том, как разноцветные стекла способны преобразить восприятие мира, отражая наши эмоции и настроения.
Праздник был учрежден в 2008 году в США, но с тех пор стал приобрел популярность и в других странах. Его основная идея – показать красоту и уникальность мира. Стекло может быть прозрачным, матовым, узорчатым или иметь любой цвет.
Многочисленные декоративные изделия – вазы, чаши, украшения и прочее – на заре производства стекла делали как раз из цветного, к тому же, зачастую непрозрачного стекла. В соответствии с существующими в те давние времена технологиями сварить цветной состав, из которого в будущем получалось стекло, было гораздо проще, чем заниматься его же очищением.
Первое стекло начали изготавливать египтяне около 5–6 тысяч лет назад. Также в Египте берёт начало, красивейшее оформление, ставшее своеобразной заменой обычных оконных стёкол – техника изготовления витражей, ставшая гораздо позже очень популярной в христианской Европе. Правда, египтяне выполняли их накладным способом. То есть на прозрачную основу накладывались как мозаика цветные стеклянные кусочки. Такое произведение стоило очень дорого. Шумеры использовали стекловидную глазурь для украшения конической черепицы храмов. Древние греки и римляне создавали изделия из цветного катаного стекла, например, вазы миллефиори, амфоры и фиалы. В эпоху эллинизма популярными стали мозаичные панно из стекла.
Самые первые образцы стекла содержали много примесей, за счет которых цвет его получался «грязным». Это могло быть и железо, и песок или мраморная пыль. Однако очень скоро в производстве стали использовать яркие красители, чтобы перекрыть непрезентабельные коричнево-зеленые оттенки, а значит, придать готовым изделиям из стекла красивый внешний вид. Отсутствие прозрачности скрывало недостатки технологий – появляющиеся пузырьки и остатки непроварившегося песка. С развитием стекольного дела цветное стекло становилось все более чистым, а цвета приобретали нужный мастеру оттенок. В некоторые исторические периоды цветные стекла ценились дороже золота.
Наука о стекле – один из наиболее важных разделов в естественнонаучном наследии Михаила Васильевича Ломоносова. теоретическая часть интересовала учёного не меньше, чем поиск красителей для производственного стеклоделия. Он разработал рецептуру 112 тонов и более тысячи оттенков цветных смальт (непрозрачных стекол), превзойдя палитру мозаичной мастерской в Ватикане. Работы Ломоносова по цветному стеклу очень много дали для развития всей дальнейшей науки о стекле. Он глубже, чем все другие производители стекла изучил процессы окрашивания стекла различными металлами и способы получения прозрачных и непрозрачных цветных стекол.
В процессе производства разноцветных стекол в качестве основы используется кварцевый песок, сода и известь. Для его создания требуется специальная печь, в которой все составляющие плавятся при температуре свыше 1700 градусов по Цельсию. Для получения нужных оттенков цветных стеклянных изделий в процессе нанесения пленки или выплавки задействуются разные красители, в которых содержатся соли, а также оксиды металлов. К примеру, для получения красного цвета используются оксиды меди, желтого – соли кадмия, зеленого – хром или медь. В производстве изделий синего цвета в состав добавляют соединения кобальта. Особое значение имеет точное соблюдение температурных значений, в зависимости от используемых красителей. Так, некоторые добавки могут улетучиваться при высоких температурах (например, сульфиды или фтор). Широкие современные технологические возможности позволяют окрашивать поверхности в различные оттенки — от базовых до самых сложных и оригинальных.
В Видеоархиве музея размещён виртуальный альбом, посвящённый художественному стеклу.
https://mus-col.com/events/37464/
👍9🎉5❤4
Редкая запись мелодии из оперетты Флоримона Эрве – «Мадемуазель Нитуш»
Сегодня мы отмечаем 200-летний юбилей со дня рождения Флоримона Эрве – знаменитого французского композитора и органиста, одного из основоположников французской оперетты.
Флоримон Эрве родился 30 июня 1825 года в городе Уден близ Арраса. В детстве мальчик пел в церковном хоре. Музыкальное образование он получил в Парижской консерватории у Даниэля Обера. Работал органистом и хормейстером в церкви при психиатрической больнице в Бисетре, близ Парижа. Занимался музыкотерапией на занятиях и репетициях с пациентами клиники. Одновременно работал в музыкальном театре: сначала как актёр и певец, затем как композитор, драматург и режиссёр.
В 1845 году Флоримон Эрве выиграл конкурс на место органиста парижской церкви Сен-Эсташ. Когда его сочинения стали иметь успех он полностью посвятил свою жизнь музыкальному театру. В 1848 году под псевдонимом «Эрве» композитор написал одноактный музыкальный бурлеск «Дон Кихот и Санчо Панса», который имел большой успех у публики. Иногда этот спектакль даже рассматривают как первую французскую оперетту.
В 1851 году Эрве назначают дирижёром и руководителем оркестра в театре Пале-Рояль. В 1855 году, став директором кафешантана «Folie-Mayer» на бульваре дю Тампль в Париже, Эрве преобразовал его в собственный театр под названием «Фоли Консертан», для которого стал писать и ставить новые оперетты. Спустя месяц театр был переименован в «Фоли-Нувель». Этот театр оказал большое влияние на формирование жанра оперетты и его дальнейшее развитие.
Флоримон Эрве – создатель жанра «оперетта-буфф». Его ранние сочинения, в основном буффонады, были очень близки по жанру к оперетте, поэтому его считают наряду с Оффенбахом – основоположником французской оперетты и, в какой-то мере, предшественником. Всего Эрве написал более 120 оперетт.
В 1883 году он создал свою самую знаменитую оперетту – «Мадемуазель Нитуш»*.
В разделе «Занимательные автоматы» коллекции музея «Собрание» представлен музыкальный автоматон «Девочка, играющая с игрушками», созданный в мастерской Леопольда Ламбера в Париже около 1900 года.
Интересно, что при включении механизма звучит мелодия из оперетты «Мадемуазель Нитуш» (Mlle Nitouche) Флориана Эрве, закодированная на металлическом валике со штырьками. Она и сопровождает все действия и движения куклы.
В последние годы своей жизни Эрве страдал от душевной болезни и умер в Париже 4 ноября 1892 года.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6738
Сегодня мы отмечаем 200-летний юбилей со дня рождения Флоримона Эрве – знаменитого французского композитора и органиста, одного из основоположников французской оперетты.
Флоримон Эрве родился 30 июня 1825 года в городе Уден близ Арраса. В детстве мальчик пел в церковном хоре. Музыкальное образование он получил в Парижской консерватории у Даниэля Обера. Работал органистом и хормейстером в церкви при психиатрической больнице в Бисетре, близ Парижа. Занимался музыкотерапией на занятиях и репетициях с пациентами клиники. Одновременно работал в музыкальном театре: сначала как актёр и певец, затем как композитор, драматург и режиссёр.
В 1845 году Флоримон Эрве выиграл конкурс на место органиста парижской церкви Сен-Эсташ. Когда его сочинения стали иметь успех он полностью посвятил свою жизнь музыкальному театру. В 1848 году под псевдонимом «Эрве» композитор написал одноактный музыкальный бурлеск «Дон Кихот и Санчо Панса», который имел большой успех у публики. Иногда этот спектакль даже рассматривают как первую французскую оперетту.
В 1851 году Эрве назначают дирижёром и руководителем оркестра в театре Пале-Рояль. В 1855 году, став директором кафешантана «Folie-Mayer» на бульваре дю Тампль в Париже, Эрве преобразовал его в собственный театр под названием «Фоли Консертан», для которого стал писать и ставить новые оперетты. Спустя месяц театр был переименован в «Фоли-Нувель». Этот театр оказал большое влияние на формирование жанра оперетты и его дальнейшее развитие.
Флоримон Эрве – создатель жанра «оперетта-буфф». Его ранние сочинения, в основном буффонады, были очень близки по жанру к оперетте, поэтому его считают наряду с Оффенбахом – основоположником французской оперетты и, в какой-то мере, предшественником. Всего Эрве написал более 120 оперетт.
В 1883 году он создал свою самую знаменитую оперетту – «Мадемуазель Нитуш»*.
В разделе «Занимательные автоматы» коллекции музея «Собрание» представлен музыкальный автоматон «Девочка, играющая с игрушками», созданный в мастерской Леопольда Ламбера в Париже около 1900 года.
Интересно, что при включении механизма звучит мелодия из оперетты «Мадемуазель Нитуш» (Mlle Nitouche) Флориана Эрве, закодированная на металлическом валике со штырьками. Она и сопровождает все действия и движения куклы.
В последние годы своей жизни Эрве страдал от душевной болезни и умер в Париже 4 ноября 1892 года.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6738
👍14❤6🥰3🎉2
Поздравляем реставраторов с профессиональным праздником
Сегодня в России отмечается День реставратора – профессиональный праздник, учрежденный Комитетом по государственному контролю, использованию и охране памятников истории и культуры, который обрел официальный статус в 2006 году. Дата была выбрана не случайно: в этот день в 1945 году в Ленинграде были образованы Архитектурно-реставрационные мастерские, главной задачей которых стало восстановление памятников архитектуры, разрушенных за годы войны.
Миссия реставраторов – сохранение архитектурного наследия, восстановление произведений изобразительного искусства и имеющих историческую ценность бытовых предметов, представленных в экспозициях современных музеев. Профессионализм реставратора предполагает глубокое знание предмета, тонкий художественный вкус, виртуозное мастерство и наличие интуиции – всё это помогает принять единственно верное решение, от которого зависит судьба памятника архитектуры или скульптуры, картины или, иконы.
Без преувеличения принцип «не навреди» должен считаться главным принципом сложной и ответственной работы реставраторов. Любой исторический памятник – архитектурный или храмовый, предмет декоративно-прикладного искусства или экспонат, относящийся к музыкальной механике, – это хрупкий организм с многовековыми историческими наслоениями, поэтому прежде, чем вмешиваться в его структуру, нужно убедиться в целесообразности такого вмешательства. В целом, не касаясь описания конкретных методов и подходов, которые используются представителями этой уникальной профессии, можно назвать реставраторов теми людьми, от опыта и профессионализма которых зависит сохранность нашей истории.
Реставрационный Центр музея «Собрание» работает уже более 20 лет и занимается реставрацией и настройкой музыкальных инструментов, автоматонов и часов, а также художественными и столярными работами.
Альбом с фотографиями, иллюстрирующими процесс реставрации музыкального автоматона «Девочка с корзинкой и механическим театром», созданного Густавом Виши в 1885 году, размещен в Фотогалерее музея.
Любой профессиональный праздник – это чествование. Поздравляем специалистов Реставрационного центра музея «Собрание» и реставраторов из различных музейных институций с профессиональным праздником.
Примите наши искренние слова благодарности за ваш труд, развитие реставрационного мастерства и сохранение культурного наследия.
Желаем вам творческого роста, терпения в вашей кропотливой работе!
Новых открытий и удивительных находок!
Сегодня в России отмечается День реставратора – профессиональный праздник, учрежденный Комитетом по государственному контролю, использованию и охране памятников истории и культуры, который обрел официальный статус в 2006 году. Дата была выбрана не случайно: в этот день в 1945 году в Ленинграде были образованы Архитектурно-реставрационные мастерские, главной задачей которых стало восстановление памятников архитектуры, разрушенных за годы войны.
Миссия реставраторов – сохранение архитектурного наследия, восстановление произведений изобразительного искусства и имеющих историческую ценность бытовых предметов, представленных в экспозициях современных музеев. Профессионализм реставратора предполагает глубокое знание предмета, тонкий художественный вкус, виртуозное мастерство и наличие интуиции – всё это помогает принять единственно верное решение, от которого зависит судьба памятника архитектуры или скульптуры, картины или, иконы.
Без преувеличения принцип «не навреди» должен считаться главным принципом сложной и ответственной работы реставраторов. Любой исторический памятник – архитектурный или храмовый, предмет декоративно-прикладного искусства или экспонат, относящийся к музыкальной механике, – это хрупкий организм с многовековыми историческими наслоениями, поэтому прежде, чем вмешиваться в его структуру, нужно убедиться в целесообразности такого вмешательства. В целом, не касаясь описания конкретных методов и подходов, которые используются представителями этой уникальной профессии, можно назвать реставраторов теми людьми, от опыта и профессионализма которых зависит сохранность нашей истории.
Реставрационный Центр музея «Собрание» работает уже более 20 лет и занимается реставрацией и настройкой музыкальных инструментов, автоматонов и часов, а также художественными и столярными работами.
Альбом с фотографиями, иллюстрирующими процесс реставрации музыкального автоматона «Девочка с корзинкой и механическим театром», созданного Густавом Виши в 1885 году, размещен в Фотогалерее музея.
Любой профессиональный праздник – это чествование. Поздравляем специалистов Реставрационного центра музея «Собрание» и реставраторов из различных музейных институций с профессиональным праздником.
Примите наши искренние слова благодарности за ваш труд, развитие реставрационного мастерства и сохранение культурного наследия.
Желаем вам творческого роста, терпения в вашей кропотливой работе!
Новых открытий и удивительных находок!
🎉25❤19👏3🤔1
Марк Рейзен. К 130-летию со дня рождения. Музыкальная подборка
Марк Осипович Рейзен (1896–1992) — один из крупнейших русских басов XX века, обладавший мощным голосом широкого диапазона, артистическим темпераментом и яркой внешностью. Его вокальное искусство отличалось выразительностью, техническим совершенством и редким сочетанием силы и мягкости звучания. Певец оставил заметный след в истории русской и мировой оперной сцены.
С 1921 года — солист Харьковского театра оперы и балета, с 1925 — Ленинградского театра оперы и балета, с 1930 — Большого театра. Ведущие партии своего репертуара — Борис Годунов, Досифей, Галицкий, Руслан, Мельник, Фарлаф, Мефистофель, Дон Базилио, Нилаканта — он исполнял в лучших традициях русской вокальной школы. Его сценический образ всегда отличался глубиной драматического проникновения и мощным эмоциональным воздействием. На сцене Рейзен был не просто певцом, но и выдающимся актёром, создававшим целостные, убедительные художественные образы.
Как камерный певец Марк Рейзен исполнял романсы, народные песни, вокальные произведения Моцарта, Бетховена, Шумана, Брамса, сотрудничал с ведущими пианистами и дирижёрами. Его концертный репертуар насчитывал десятки сочинений русских и зарубежных композиторов. Он с одинаковой убедительностью исполнял как патетические, так и лирические произведения, демонстрируя утончённое чувство стиля и глубокое понимание текста.
С 1965 по 1970 год Рейзен заведовал кафедрой сольного пения Московской консерватории. Его педагогическая деятельность способствовала воспитанию нового поколения певцов, продолжавших традиции русской вокальной школы. Он уделял особое внимание технике дыхания, дикции и работе над интерпретацией.
До глубокой старости выходил на сцену: в 85 лет исполнил Бориса в «Борисе Годунове», в 90 — Гремина в «Евгении Онегине». Его выступления на склоне лет вызывали восхищение публики и коллег, став настоящим символом преданности искусству. Это был уникальный случай в истории мировой оперы, когда певец столь преклонного возраста сохранял не только голос, но и сценическую силу воздействия.
В подборке представлены записи вокальных произведений в исполнении Марка Осиповича Рейзена — выдающегося певца, чьё наследие продолжает вдохновлять слушателей.
https://mus-col.com/events/29155/
Марк Осипович Рейзен (1896–1992) — один из крупнейших русских басов XX века, обладавший мощным голосом широкого диапазона, артистическим темпераментом и яркой внешностью. Его вокальное искусство отличалось выразительностью, техническим совершенством и редким сочетанием силы и мягкости звучания. Певец оставил заметный след в истории русской и мировой оперной сцены.
С 1921 года — солист Харьковского театра оперы и балета, с 1925 — Ленинградского театра оперы и балета, с 1930 — Большого театра. Ведущие партии своего репертуара — Борис Годунов, Досифей, Галицкий, Руслан, Мельник, Фарлаф, Мефистофель, Дон Базилио, Нилаканта — он исполнял в лучших традициях русской вокальной школы. Его сценический образ всегда отличался глубиной драматического проникновения и мощным эмоциональным воздействием. На сцене Рейзен был не просто певцом, но и выдающимся актёром, создававшим целостные, убедительные художественные образы.
Как камерный певец Марк Рейзен исполнял романсы, народные песни, вокальные произведения Моцарта, Бетховена, Шумана, Брамса, сотрудничал с ведущими пианистами и дирижёрами. Его концертный репертуар насчитывал десятки сочинений русских и зарубежных композиторов. Он с одинаковой убедительностью исполнял как патетические, так и лирические произведения, демонстрируя утончённое чувство стиля и глубокое понимание текста.
С 1965 по 1970 год Рейзен заведовал кафедрой сольного пения Московской консерватории. Его педагогическая деятельность способствовала воспитанию нового поколения певцов, продолжавших традиции русской вокальной школы. Он уделял особое внимание технике дыхания, дикции и работе над интерпретацией.
До глубокой старости выходил на сцену: в 85 лет исполнил Бориса в «Борисе Годунове», в 90 — Гремина в «Евгении Онегине». Его выступления на склоне лет вызывали восхищение публики и коллег, став настоящим символом преданности искусству. Это был уникальный случай в истории мировой оперы, когда певец столь преклонного возраста сохранял не только голос, но и сценическую силу воздействия.
В подборке представлены записи вокальных произведений в исполнении Марка Осиповича Рейзена — выдающегося певца, чьё наследие продолжает вдохновлять слушателей.
https://mus-col.com/events/29155/
👍11❤6
Музыкальная подборка к 170-летию со дня рождения оперетты
Оффенбах, как и Эрве, начал с музыкально-сценических пародий, затем сочинял миниатюры лирико-комедийного характера, а в крупных произведениях развивал сюжет на широкой музыкальной основе. Пародия уступила место сатире, он вырисовывал типы и нравы Франции, затрагивал политическую жизнь. Оффенбах был превосходным театральным композитором — динамичным, жизнерадостным, блестящим и элегантным. Он создал оперетту как художественное целое и определил её признаки.
Мир оперетты многообразен: лирика и сатира, смешное и серьёзное, фривольное и трогательное. Оперетта чутко реагировала на запросы времени, усваивала уроки смежных искусств. В отличие от оперы, она никогда не была элитарной и всегда предназначалась для широкого зрителя.
Эта доступность сочетается с высокой художественной ценностью музыки. Она воплощает отношения персонажей, служит развитию действия и утверждению идеи, как в балете или опере. Оперетта наследует традиции академической музыки и оперные формы: арии, ансамбли, хоры — проще по структуре, но не уступающие в мелодичности.
Истоки жанра — в античности. Заметное влияние оказали греческая и римская комедия. Позднее появился жанр интермеццо. Например, «Служанка-госпожа» (1733) Дж. Перголези стала моделью для последующих произведений. Её успех в Париже вдохновил Ж.-Ж. Руссо на развитие жанра во Франции.
С именем Ж. Оффенбаха связано официальное рождение оперетты. После открытия театра в 1855 году он поставил около 90 оперетт, в том числе «Орфей в аду» (1858), «Прекрасная Елена» (1864), «Парижская жизнь» (1866), «Перикола» (1868) и др.
Параллельно творил Флоримон Эрве, написавший «Мадемуазель Нитуш» (1883). Композиторы Шарль Лекок, Эдмон Одран, Робер Планкет и Андре Мессаже завершили золотой век французской оперетты.
Венская классическая оперетта начинается с Иоганна Штрауса. Его проникновенные мелодии обозначают блеск жанра. Он написал 479 произведений. К музыкальному театру Штраус обратился в 46 лет, уже будучи известным автором вальсов.
Расцвет английской оперетты связан прежде всего с 14 великолепными плодами бессмертного сотрудничества У. Гилберта и А. Салливана. В тандеме они создали поистине вдохновенные произведения, такие как «Фрегат ее величества «Пинафор» (1878), «Пираты Пензанса» (1880), «Микадо» (1885) и другие.
В России оперетту развивал Михаил Лентовский. Его театр был популярен у широкой публики и оказал влияние на К. Станиславского.
В советский период жанр приобрёл новую стилистику. Основоположники — Н. Стрельников и И. Дунаевский. Последний объединил развлекательную и идеологическую линии. Его «Женихи» (1927) ознаменовали поворот к советской оперетте. Стрельников, напротив, придерживался венской школы, создавая мелодрамы-буфф.
В музыкальной библиотеке музея «Собрание» хранится множество оперетт на разных носителях. Мы подготовили подборку произведений Ж. Оффенбаха, Ф. фон Зуппе, И. Штрауса, а также редкие записи оперетт «Нищий студент» К. Милёккера и «Пинафор» А. Салливана.
С другими произведениями можно ознакомиться в музыкальных подборках на сайте музея в разделе «Фонотека».
https://mus-col.com/events/25007/
Оффенбах, как и Эрве, начал с музыкально-сценических пародий, затем сочинял миниатюры лирико-комедийного характера, а в крупных произведениях развивал сюжет на широкой музыкальной основе. Пародия уступила место сатире, он вырисовывал типы и нравы Франции, затрагивал политическую жизнь. Оффенбах был превосходным театральным композитором — динамичным, жизнерадостным, блестящим и элегантным. Он создал оперетту как художественное целое и определил её признаки.
Мир оперетты многообразен: лирика и сатира, смешное и серьёзное, фривольное и трогательное. Оперетта чутко реагировала на запросы времени, усваивала уроки смежных искусств. В отличие от оперы, она никогда не была элитарной и всегда предназначалась для широкого зрителя.
Эта доступность сочетается с высокой художественной ценностью музыки. Она воплощает отношения персонажей, служит развитию действия и утверждению идеи, как в балете или опере. Оперетта наследует традиции академической музыки и оперные формы: арии, ансамбли, хоры — проще по структуре, но не уступающие в мелодичности.
Истоки жанра — в античности. Заметное влияние оказали греческая и римская комедия. Позднее появился жанр интермеццо. Например, «Служанка-госпожа» (1733) Дж. Перголези стала моделью для последующих произведений. Её успех в Париже вдохновил Ж.-Ж. Руссо на развитие жанра во Франции.
С именем Ж. Оффенбаха связано официальное рождение оперетты. После открытия театра в 1855 году он поставил около 90 оперетт, в том числе «Орфей в аду» (1858), «Прекрасная Елена» (1864), «Парижская жизнь» (1866), «Перикола» (1868) и др.
Параллельно творил Флоримон Эрве, написавший «Мадемуазель Нитуш» (1883). Композиторы Шарль Лекок, Эдмон Одран, Робер Планкет и Андре Мессаже завершили золотой век французской оперетты.
Венская классическая оперетта начинается с Иоганна Штрауса. Его проникновенные мелодии обозначают блеск жанра. Он написал 479 произведений. К музыкальному театру Штраус обратился в 46 лет, уже будучи известным автором вальсов.
Расцвет английской оперетты связан прежде всего с 14 великолепными плодами бессмертного сотрудничества У. Гилберта и А. Салливана. В тандеме они создали поистине вдохновенные произведения, такие как «Фрегат ее величества «Пинафор» (1878), «Пираты Пензанса» (1880), «Микадо» (1885) и другие.
В России оперетту развивал Михаил Лентовский. Его театр был популярен у широкой публики и оказал влияние на К. Станиславского.
В советский период жанр приобрёл новую стилистику. Основоположники — Н. Стрельников и И. Дунаевский. Последний объединил развлекательную и идеологическую линии. Его «Женихи» (1927) ознаменовали поворот к советской оперетте. Стрельников, напротив, придерживался венской школы, создавая мелодрамы-буфф.
В музыкальной библиотеке музея «Собрание» хранится множество оперетт на разных носителях. Мы подготовили подборку произведений Ж. Оффенбаха, Ф. фон Зуппе, И. Штрауса, а также редкие записи оперетт «Нищий студент» К. Милёккера и «Пинафор» А. Салливана.
С другими произведениями можно ознакомиться в музыкальных подборках на сайте музея в разделе «Фонотека».
https://mus-col.com/events/25007/
Mus-Col
Музыкальная подборка к 170-летию со дня рождения оперетты
История оперетты, музыкально-театральный жанр, смешное и серьезное, классические оперные формы, персонажи и их взаимоотношения
👍12❤2
Яшма – один из камней талисманов июля
Наша очередная публикация в рубрике «Камень месяца» – об июльской яшме, твердом полудрагоценном камне (или его разновидности, поскольку иногда яшмой называют другие минералы, близкие по составу и физико-химическим свойствам).
Среди многочисленных разновидностей кварцевых образований именно этот камень вобрал в себя весь спектр солнечного света. Яшма бывает желто-красная, красная, оранжевая, желтая, зеленая, коричневая, почти черная и белая. Яшма – непрозрачный цветной минерал, полудрагоценный либо поделочный камень. В основе – кварц и халцедон, дополненные примесями. Марганец, железо, слюда или хлорит, хаотично расположенные, создают неповторимую колористику и структуру камня.
Яшма – очень популярный камень с огромным количеством разновидностей: пейзажная, красная, серая (картографическая), мукаит, камбаба, кровавая яшма (гелиотроп), «паутинка».
«Яспис» так именовали яшму на Руси, происходит от греческого «iaspis», что означает «пестрый». Само слово «яшма» приобрело популярность только с 50-х гг XIX века.
Яшмовые месторождения встречаются во всём мире. Наиболее крупные и известные из них расположены на территории России, США, Индии, Египта и в ряде европейских стран — Чехии, Германии, Франции. Древнейшие места добычи минерала находятся в Индии и Египте. Одними из лучших в мире считаются образцы, добытые в России. Наиболее известна пестроцветная орская яшма. Ее добывают вблизи города Орска на Южном Урале. Самое крупное месторождение находится в окрестностях горы Полковник. Другие известные месторождения Южно-Уральской яшмы – Сибайское и Миасское. Не менее красивые яшмы добывают на Алтае, где находятся знаменитые месторождения, расположенные вблизи города Змеиногорска.
История использования яшмы насчитывает тысячелетия, она началась ещё во времена неолита. В те времена люди ценили этот камень за его высокую твердость, мастерили из него орудия труда, а также наконечники стрел и копий. Первоначально яшмы добывали с поверхности земли, но уже 3-4 тысячи лет тому назад началась добыча камня под землей. В древности из яшм делали печатки и амулеты. Позднее люди оценили «волшебное» значение камня, и яшма стала атрибутом магических практик. К примеру, камень закапывали в землю, чтобы урожай плодов был обильным. Древние греки считали, что минерал помогает роженицам, а римляне делали из него геммы-амулеты.
В России яшма пользовалась большой популярностью при Екатерине Второй, которая развивала камнерезное дело и способствовала созданию нескольких крупных заводов по обработке яшмы. XIX столетие можно считать периодом расцвета создания предметов из яшмы – до нас дошли монументальные произведения искусства из этого минерала – колонны, чаши, торшеры, столешницы и даже яшмовый кабинет в Пушкинском Дворце под Санкт-Петербургом.
Современная литотерапия определяет яшму как природный стимулятор. Считается, что яшма оказывает щадящее целебное воздействие на организм человека. Минерал нормализует работу всех органов и систем, а его лечебные свойства различаются в зависимости от цвета. Знахари и ведуны в древности верили, что остановить кровь может красная яшма, избавить от проблем с желудком и вернуть женщине способность к деторождению – яшма желтого цвета.
Яшма считается источником доброй энергии. Изделия из этого камня не могут навредить тому, кто ими владеет. Все предметы и ювелирные украшения из яшмы действуют как обереги. Они приносят счастье и мир в дом.
В наше время яшма – один из самых популярных и доступных поделочных и ювелирно-поделочных камней. Она широко используется для украшения различных ювелирно-галантерейных изделий – запонок, булавок для галстуков, колец, браслетов, брошей, а также для изготовления пепельниц, шкатулок, подсвечников, письменных приборов и т.д. Иногда яшму используют и в виде декоративно-облицовочного камня (для украшения парадных интерьеров). Яшма – один из основных материалов каменных мозаик.
Фотоальбом «Яшма – камень талисман июля», в котором представлены изделия, хранящиеся в коллекции музея «Собрание», в Фотогалерее музея.
Наша очередная публикация в рубрике «Камень месяца» – об июльской яшме, твердом полудрагоценном камне (или его разновидности, поскольку иногда яшмой называют другие минералы, близкие по составу и физико-химическим свойствам).
Среди многочисленных разновидностей кварцевых образований именно этот камень вобрал в себя весь спектр солнечного света. Яшма бывает желто-красная, красная, оранжевая, желтая, зеленая, коричневая, почти черная и белая. Яшма – непрозрачный цветной минерал, полудрагоценный либо поделочный камень. В основе – кварц и халцедон, дополненные примесями. Марганец, железо, слюда или хлорит, хаотично расположенные, создают неповторимую колористику и структуру камня.
Яшма – очень популярный камень с огромным количеством разновидностей: пейзажная, красная, серая (картографическая), мукаит, камбаба, кровавая яшма (гелиотроп), «паутинка».
«Яспис» так именовали яшму на Руси, происходит от греческого «iaspis», что означает «пестрый». Само слово «яшма» приобрело популярность только с 50-х гг XIX века.
Яшмовые месторождения встречаются во всём мире. Наиболее крупные и известные из них расположены на территории России, США, Индии, Египта и в ряде европейских стран — Чехии, Германии, Франции. Древнейшие места добычи минерала находятся в Индии и Египте. Одними из лучших в мире считаются образцы, добытые в России. Наиболее известна пестроцветная орская яшма. Ее добывают вблизи города Орска на Южном Урале. Самое крупное месторождение находится в окрестностях горы Полковник. Другие известные месторождения Южно-Уральской яшмы – Сибайское и Миасское. Не менее красивые яшмы добывают на Алтае, где находятся знаменитые месторождения, расположенные вблизи города Змеиногорска.
История использования яшмы насчитывает тысячелетия, она началась ещё во времена неолита. В те времена люди ценили этот камень за его высокую твердость, мастерили из него орудия труда, а также наконечники стрел и копий. Первоначально яшмы добывали с поверхности земли, но уже 3-4 тысячи лет тому назад началась добыча камня под землей. В древности из яшм делали печатки и амулеты. Позднее люди оценили «волшебное» значение камня, и яшма стала атрибутом магических практик. К примеру, камень закапывали в землю, чтобы урожай плодов был обильным. Древние греки считали, что минерал помогает роженицам, а римляне делали из него геммы-амулеты.
В России яшма пользовалась большой популярностью при Екатерине Второй, которая развивала камнерезное дело и способствовала созданию нескольких крупных заводов по обработке яшмы. XIX столетие можно считать периодом расцвета создания предметов из яшмы – до нас дошли монументальные произведения искусства из этого минерала – колонны, чаши, торшеры, столешницы и даже яшмовый кабинет в Пушкинском Дворце под Санкт-Петербургом.
Современная литотерапия определяет яшму как природный стимулятор. Считается, что яшма оказывает щадящее целебное воздействие на организм человека. Минерал нормализует работу всех органов и систем, а его лечебные свойства различаются в зависимости от цвета. Знахари и ведуны в древности верили, что остановить кровь может красная яшма, избавить от проблем с желудком и вернуть женщине способность к деторождению – яшма желтого цвета.
Яшма считается источником доброй энергии. Изделия из этого камня не могут навредить тому, кто ими владеет. Все предметы и ювелирные украшения из яшмы действуют как обереги. Они приносят счастье и мир в дом.
В наше время яшма – один из самых популярных и доступных поделочных и ювелирно-поделочных камней. Она широко используется для украшения различных ювелирно-галантерейных изделий – запонок, булавок для галстуков, колец, браслетов, брошей, а также для изготовления пепельниц, шкатулок, подсвечников, письменных приборов и т.д. Иногда яшму используют и в виде декоративно-облицовочного камня (для украшения парадных интерьеров). Яшма – один из основных материалов каменных мозаик.
Фотоальбом «Яшма – камень талисман июля», в котором представлены изделия, хранящиеся в коллекции музея «Собрание», в Фотогалерее музея.
🔥12❤7👍4🎉1
Густава Малер. 1-я часть Пятой симфонии в авторском исполнении
На рубеже столетий понимание человеческой индивидуальности как высшей ценности и «вместилища» всего мироздания переживало особенно глубокий кризис. Малер остро его чувствовал; и любая его симфония – это титаническая попытка обретения гармонии, напряженный и каждый раз неповторимый процесс поиска истины. Творческие искания Густава Малера приводили к нарушению устоявшихся представлений о прекрасном, к кажущейся бесформенности, несвязности, эклектичности; композитор возводил свои монументальные концепции словно из разнородных «осколков» распавшегося мира. В этих поисках заключался залог сохранения чистоты человеческого духа в одну из самых сложных эпох истории. «Я – музыкант, который блуждает в пустынной ночи современного музыкального ремесла без путеводной звезды и подвергается опасности во всем усомниться или сбиться с пути», – писал Малер.
Малер, по существу, завершает традицию философского классико-романтического симфонизма (Л. Бетховен – Ф. Шуберт – И. Брамс – П. Чайковский – А. Брукнер), стремящегося дать ответ на вечные вопросы бытия, определить место человека в мире.
Завершая век романтизма, Малер оказался провозвестником многих явлений музыки нашего столетия. Обостренность эмоций, стремление к их крайнему проявлению будет подхвачено экспрессионистами — А. Шёнбергом и А. Бергом. Симфонии Артюр Онеггер, оперы Б. Бриттена несут отпечаток малеровской музыки. Особенно сильное влияние оказал Maлер на Д. Шостаковича. Написанная на рубеже XX века (1902 год) Пятая симфония – это своего рода переходный этап в творчестве Малера. Она находится на рубеже двух периодов. Композитор, который не может больше идти старыми путями, нащупывает новые.
Малер до конца своих дней был недоволен написанным произведением, на протяжении многих лет возвращаясь к работе над музыкальным материалом и внося многочисленные и весомые изменения, в конце концов, он полностью переоркестровал её в 1911 году.
Как пишет И. Барсова:* «Усиление экспрессивной нагрузки на музыкальную ткань повлекло за собой и новые требования к технике оркестровых инструментов, эксплуатация всех ресурсов которых значительно возросла». Именно это стало одной из причин столь сложной судьбы сочинения. Сам Малер также признавал, что Пятая симфония в исполнительском отношении очень трудна. Однако именно Пятая симфония становится одним из самых исполняемых симфоний Малера, после его Первой симфонии. Первое исполнение Пятой симфонии состоялось 18 октября 1904 года в Кельне под управлением Густава Малера. Самую первую запись сочинения – только первой части и в переложении для фортепиано – автор осуществил ещё в 1905 году. Позднее, нидерландский дирижер Виллем Менгельберг в 1926 году c Королевским оркестром Консертгебау и Бруно Вальтер в 1938 году с Венским Филармоническим оркестром записали только Adagietto. Первая полноценная запись осуществилась снова благодаря Бруно Вальтеру в 1947 году в Нью-Йорке. Однако самая настоящая популярность пришла к Пятой симфонии в 70-е годы, после выхода на экраны фильма Лукино Висконти «Смерть в Венеции», наполненного музыкой Густава Малера.
В Фонотеке музея размещена редкая запись – первая часть Пятой симфонии Г. Малера в исполнении автора, оцифрованная с перфорированной ленты «Вельте-Миньон» на автоматическом пианино "Berdux Welte Piano", Valentin Berdux Pianofortefabrik, M. Welte & Söhne G.m.b.H., 1912.
На рубеже столетий понимание человеческой индивидуальности как высшей ценности и «вместилища» всего мироздания переживало особенно глубокий кризис. Малер остро его чувствовал; и любая его симфония – это титаническая попытка обретения гармонии, напряженный и каждый раз неповторимый процесс поиска истины. Творческие искания Густава Малера приводили к нарушению устоявшихся представлений о прекрасном, к кажущейся бесформенности, несвязности, эклектичности; композитор возводил свои монументальные концепции словно из разнородных «осколков» распавшегося мира. В этих поисках заключался залог сохранения чистоты человеческого духа в одну из самых сложных эпох истории. «Я – музыкант, который блуждает в пустынной ночи современного музыкального ремесла без путеводной звезды и подвергается опасности во всем усомниться или сбиться с пути», – писал Малер.
Малер, по существу, завершает традицию философского классико-романтического симфонизма (Л. Бетховен – Ф. Шуберт – И. Брамс – П. Чайковский – А. Брукнер), стремящегося дать ответ на вечные вопросы бытия, определить место человека в мире.
Завершая век романтизма, Малер оказался провозвестником многих явлений музыки нашего столетия. Обостренность эмоций, стремление к их крайнему проявлению будет подхвачено экспрессионистами — А. Шёнбергом и А. Бергом. Симфонии Артюр Онеггер, оперы Б. Бриттена несут отпечаток малеровской музыки. Особенно сильное влияние оказал Maлер на Д. Шостаковича. Написанная на рубеже XX века (1902 год) Пятая симфония – это своего рода переходный этап в творчестве Малера. Она находится на рубеже двух периодов. Композитор, который не может больше идти старыми путями, нащупывает новые.
Малер до конца своих дней был недоволен написанным произведением, на протяжении многих лет возвращаясь к работе над музыкальным материалом и внося многочисленные и весомые изменения, в конце концов, он полностью переоркестровал её в 1911 году.
Как пишет И. Барсова:* «Усиление экспрессивной нагрузки на музыкальную ткань повлекло за собой и новые требования к технике оркестровых инструментов, эксплуатация всех ресурсов которых значительно возросла». Именно это стало одной из причин столь сложной судьбы сочинения. Сам Малер также признавал, что Пятая симфония в исполнительском отношении очень трудна. Однако именно Пятая симфония становится одним из самых исполняемых симфоний Малера, после его Первой симфонии. Первое исполнение Пятой симфонии состоялось 18 октября 1904 года в Кельне под управлением Густава Малера. Самую первую запись сочинения – только первой части и в переложении для фортепиано – автор осуществил ещё в 1905 году. Позднее, нидерландский дирижер Виллем Менгельберг в 1926 году c Королевским оркестром Консертгебау и Бруно Вальтер в 1938 году с Венским Филармоническим оркестром записали только Adagietto. Первая полноценная запись осуществилась снова благодаря Бруно Вальтеру в 1947 году в Нью-Йорке. Однако самая настоящая популярность пришла к Пятой симфонии в 70-е годы, после выхода на экраны фильма Лукино Висконти «Смерть в Венеции», наполненного музыкой Густава Малера.
В Фонотеке музея размещена редкая запись – первая часть Пятой симфонии Г. Малера в исполнении автора, оцифрованная с перфорированной ленты «Вельте-Миньон» на автоматическом пианино "Berdux Welte Piano", Valentin Berdux Pianofortefabrik, M. Welte & Söhne G.m.b.H., 1912.
👏12❤🔥5👍2
Тематический альбом к международному дню шоколада
Ежегодно 11 июля сладкоежки со всего мира отмечают праздник – Всемирный день шоколада.
Этот праздник появился благодаря французам в 1995 году и задумывался изначально как внутригосударственный, национальный, однако любителям шоколада и сладкого, в целом, очень понравилась эта идея и День шоколада стали отмечать во всем мире.
По распространенному мнению, шоколад придумали ацтеки или майя. Именно они обнаружили полезные свойства какао-бобов и начали готовить из них напиток ксокоатоль (xocolatl), который использовался в магических ритуалах и обрядах. Для его приготовления растирали плоды какао, смешивали с вином и добавляли пряные травы.
Позже на землю индейцев вторглись испанцы, которые увезли с собой не только сокровища, но и рецепт напитка. В Европе лакомство стало настолько популярным, что его прозвали «Theobroma cacao», что в переводе означает «Пища богов».
В таком виде шоколад употребляли до середины XIX века, пока голландский ученый Конрад ван Коутен (Coenraad van Houten, 1801–1887) не придумал пресс, под который решил положить какао-бобы. В результате этого эксперимента получились два продукта: какао-порошок и жирное какао-масло. Из порошка стали делать менее жирные напитки, которые уже больше походили на современное какао. А какао-масло осталось ждать своего часа.
В 1847 году англичанин Джозеф Фрай (Joseph Fry) решил смешать какао-масло с тертым какао и получил шоколадную пасту, которая потом затвердевала и сохраняла свою форму. Еще через несколько лет, в 1875 году, швейцарец Дэниел Питер добавил в эту смесь сухое молоко – и так появился молочный шоколад.
В России шоколад появился при Петре I. В истории говорится, что царь привез его с Запада вместе с кофе.
Интересный факт – у праздника есть несколько основных дат: 7 июля – день, когда предположительно шоколад завезли в Европу, 11 июля – Всемирный день шоколада, 28 июля – День молочного шоколада в США и 13 сентября – Международный день шоколада.
Что касается самого праздника, то в этот день мировые кондитерские фабрики устраивают дни открытых дверей. Посетителям показывают мастер-классы по изготовлению десерта, а также рассказывают о его пользе и вреде.
В России открыты три музея шоколада – в Москве, в Санкт-Петербурге и в Покрове. Каждый год, 11 июля, там проходят массовые гуляния и устраиваются ярмарки.
Посуда для подачи десертов – отдельная категория в «семье» многочисленной сервировочной утвари, отличающаяся разнообразием и оригинальностью дизайна. В разделах коллекции музея «Художественное стекло и керамика» и «Художественный металл» представлены предметы сервировки десертного стола, детально рассмотреть некоторые из них можно в нашем новом тематическом альбоме.
Музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» представляют шоколадную пластинку для граммофона с записью «Венского вальса» Ральфа Бенацки.
На небольших дисках, выполненных из высококачественного шоколада была записана мелодия оркестриона «Phonoliszt-Violina Model B» – «Венский вальс» композитора Ральфа Бенацки. Увидеть процесс воспроизведения мелодии и послушать вальс можно на сайте музея в разделе «Видеоархив».
В коллекции музея «Собрание» представлен граммофон фирмы «Штольверк» (Stollwerck Chocolate company) , предназначенный для воспроизведения мелодии на пластинке, изготовленной из шоколада, а также хранятся детские игрушечные проигрыватели фирмы «Нирона» (Nirona).
https://mus-col.com/events/33247/
Ежегодно 11 июля сладкоежки со всего мира отмечают праздник – Всемирный день шоколада.
Этот праздник появился благодаря французам в 1995 году и задумывался изначально как внутригосударственный, национальный, однако любителям шоколада и сладкого, в целом, очень понравилась эта идея и День шоколада стали отмечать во всем мире.
По распространенному мнению, шоколад придумали ацтеки или майя. Именно они обнаружили полезные свойства какао-бобов и начали готовить из них напиток ксокоатоль (xocolatl), который использовался в магических ритуалах и обрядах. Для его приготовления растирали плоды какао, смешивали с вином и добавляли пряные травы.
Позже на землю индейцев вторглись испанцы, которые увезли с собой не только сокровища, но и рецепт напитка. В Европе лакомство стало настолько популярным, что его прозвали «Theobroma cacao», что в переводе означает «Пища богов».
В таком виде шоколад употребляли до середины XIX века, пока голландский ученый Конрад ван Коутен (Coenraad van Houten, 1801–1887) не придумал пресс, под который решил положить какао-бобы. В результате этого эксперимента получились два продукта: какао-порошок и жирное какао-масло. Из порошка стали делать менее жирные напитки, которые уже больше походили на современное какао. А какао-масло осталось ждать своего часа.
В 1847 году англичанин Джозеф Фрай (Joseph Fry) решил смешать какао-масло с тертым какао и получил шоколадную пасту, которая потом затвердевала и сохраняла свою форму. Еще через несколько лет, в 1875 году, швейцарец Дэниел Питер добавил в эту смесь сухое молоко – и так появился молочный шоколад.
В России шоколад появился при Петре I. В истории говорится, что царь привез его с Запада вместе с кофе.
Интересный факт – у праздника есть несколько основных дат: 7 июля – день, когда предположительно шоколад завезли в Европу, 11 июля – Всемирный день шоколада, 28 июля – День молочного шоколада в США и 13 сентября – Международный день шоколада.
Что касается самого праздника, то в этот день мировые кондитерские фабрики устраивают дни открытых дверей. Посетителям показывают мастер-классы по изготовлению десерта, а также рассказывают о его пользе и вреде.
В России открыты три музея шоколада – в Москве, в Санкт-Петербурге и в Покрове. Каждый год, 11 июля, там проходят массовые гуляния и устраиваются ярмарки.
Посуда для подачи десертов – отдельная категория в «семье» многочисленной сервировочной утвари, отличающаяся разнообразием и оригинальностью дизайна. В разделах коллекции музея «Художественное стекло и керамика» и «Художественный металл» представлены предметы сервировки десертного стола, детально рассмотреть некоторые из них можно в нашем новом тематическом альбоме.
Музей «Собрание» совместно с холдингом «Объединенные кондитеры» представляют шоколадную пластинку для граммофона с записью «Венского вальса» Ральфа Бенацки.
На небольших дисках, выполненных из высококачественного шоколада была записана мелодия оркестриона «Phonoliszt-Violina Model B» – «Венский вальс» композитора Ральфа Бенацки. Увидеть процесс воспроизведения мелодии и послушать вальс можно на сайте музея в разделе «Видеоархив».
В коллекции музея «Собрание» представлен граммофон фирмы «Штольверк» (Stollwerck Chocolate company) , предназначенный для воспроизведения мелодии на пластинке, изготовленной из шоколада, а также хранятся детские игрушечные проигрыватели фирмы «Нирона» (Nirona).
https://mus-col.com/events/33247/
👍12❤6🎉4😍3
Слово месяца: бисквит
В первом выпуске нашей новой рубрики «Слово месяца» речь пойдёт о бисквите – неглазурованном фарфоре, белой фарфоровой массе, не покрытой блестящим слоем свинцовой глазури.
Рассмотрим технику создания этого фарфора на примере предмета, представленного в разделе из коллекции музея «Русское стекло и керамика» – подсвечнике «Отдыхающий пастух», созданном на Фарфоровом заводе Ф. Гарднера в 1860-1870-х годах.
Поверхность изделий из бисквита белая, матовая и слегка шероховатая, что придаёт им сходство с мраморными. Техника его создания подразумевает двукратный обжиг, на что и указывает первая часть слова – «bis», или «повторный». Фарфор оба раза обжигается без глазури. С кондитерским изделием бисквитный фарфор роднит не только «вкусное» название, но и пористость. Именно эта пористая структура не позволяет использовать бисквит для изготовления посуды, но как материал для художественной скульптуры он очень востребован.
Существует понятие бисквитного (первичного) обжига керамических изделий. Температура первичного обжига обычно 800-1000 °C, причём первая стадия нагрева идет достаточно медленно, чтобы испаряющаяся вода не вызывала деформаций предмета. Бисквитный обжиг вызывает необратимые химические и физические изменения, в результате чего получается прочное, пористое и слегка шероховатое изделие, напоминающее мрамор. Стадию «бисквита» проходит весь фарфор. Но остановиться на ней впервые пришло в голову мастерам Венсенской мануфактуры под Парижем. В 1751 году предприятие, впоследствии известное всему миру как Севрская фарфоровая фабрика, представило серию скульптурных миниатюр из неглазурованного материала. Инициатива оставить фарфор на стадии утильного обжига, сделав технический приём обработки художественным, принадлежала директору Венсенской мануфактуры Жан-Жаку Башелье (Jean-Jacques Bachelier). Венсенская фабрика, пользовалась особым покровительством короля Людовика XV. В 1756 году мануфактуру перенесли в Севр, а ещё год спустя её главным скульптором был назначен Étienne Maurice Falconet – автор многих всемирно известных статуй, в том числе «Медного всадника» в Санкт-Петербурге (открыт на Сенатской площади в Санкт-Петербурге 18 августа 1782 года). Мода на миниатюрные настольные скульптуры быстро распространилась не только во Франции, но и в других странах Европы.
Когда в XIX веке на смену рококо пришёл классицизм, мелкая пластика из бисквитного фарфора оказалась востребованной. На Севрской мануфактуре в дополнение к статуэткам начало развиваться производство декоративных вазонов с белыми лепными медальонами на цветном фоне. Настольные скульптуры и портретные бюсты из непокрытого глазурью фарфора, как белого, так и цветного, производили Мейсен, Веджвуд, Венская мануфактура Аугартен, неаполитанская фабрика Каподимонте и некоторые другие.
В 1845 году стаффордширский гончарный завод Mintons – второй по важности после Веджвуда, стал выпускать ещё одну разновидность «бисквита», названного в честь греческого острова Парос. Там в древности добывался высококачественный мрамор, отличавшийся изысканной мелкозернистой структурой и молочной белизной. Паросские декоративные сосуды и статуэтки, отлитые из фарфорового шликера (жидкой глиняной массы) и прошедшие только утильный обжиг, тоже имитировали резьбу по мрамору. Их главным достоинством, кроме художественности, была возможность массового производства, благодаря использованию форм, а не ручного труда.
В 1860-1900 гг. французские и немецкие производители стали выпускать очень реалистичные игрушки из фарфорового «бисквита», которые пришли на смену более ранним, полностью глазурованным аналогам.
История бисквитного фарфора в России начинается с основания Невской фарфоровой мануфактуры по указу императрицы Елизаветы Петровны. В начале там производили изящные табакерки и другие мелкие предметы для нужд двора. Полноценный производственный цикл удалось наладить только в 1756 году после того, как построили большой горн. Появление бисквитной скульптуры в России и относится к 50-м годам ХVIII века.
В первом выпуске нашей новой рубрики «Слово месяца» речь пойдёт о бисквите – неглазурованном фарфоре, белой фарфоровой массе, не покрытой блестящим слоем свинцовой глазури.
Рассмотрим технику создания этого фарфора на примере предмета, представленного в разделе из коллекции музея «Русское стекло и керамика» – подсвечнике «Отдыхающий пастух», созданном на Фарфоровом заводе Ф. Гарднера в 1860-1870-х годах.
Поверхность изделий из бисквита белая, матовая и слегка шероховатая, что придаёт им сходство с мраморными. Техника его создания подразумевает двукратный обжиг, на что и указывает первая часть слова – «bis», или «повторный». Фарфор оба раза обжигается без глазури. С кондитерским изделием бисквитный фарфор роднит не только «вкусное» название, но и пористость. Именно эта пористая структура не позволяет использовать бисквит для изготовления посуды, но как материал для художественной скульптуры он очень востребован.
Существует понятие бисквитного (первичного) обжига керамических изделий. Температура первичного обжига обычно 800-1000 °C, причём первая стадия нагрева идет достаточно медленно, чтобы испаряющаяся вода не вызывала деформаций предмета. Бисквитный обжиг вызывает необратимые химические и физические изменения, в результате чего получается прочное, пористое и слегка шероховатое изделие, напоминающее мрамор. Стадию «бисквита» проходит весь фарфор. Но остановиться на ней впервые пришло в голову мастерам Венсенской мануфактуры под Парижем. В 1751 году предприятие, впоследствии известное всему миру как Севрская фарфоровая фабрика, представило серию скульптурных миниатюр из неглазурованного материала. Инициатива оставить фарфор на стадии утильного обжига, сделав технический приём обработки художественным, принадлежала директору Венсенской мануфактуры Жан-Жаку Башелье (Jean-Jacques Bachelier). Венсенская фабрика, пользовалась особым покровительством короля Людовика XV. В 1756 году мануфактуру перенесли в Севр, а ещё год спустя её главным скульптором был назначен Étienne Maurice Falconet – автор многих всемирно известных статуй, в том числе «Медного всадника» в Санкт-Петербурге (открыт на Сенатской площади в Санкт-Петербурге 18 августа 1782 года). Мода на миниатюрные настольные скульптуры быстро распространилась не только во Франции, но и в других странах Европы.
Когда в XIX веке на смену рококо пришёл классицизм, мелкая пластика из бисквитного фарфора оказалась востребованной. На Севрской мануфактуре в дополнение к статуэткам начало развиваться производство декоративных вазонов с белыми лепными медальонами на цветном фоне. Настольные скульптуры и портретные бюсты из непокрытого глазурью фарфора, как белого, так и цветного, производили Мейсен, Веджвуд, Венская мануфактура Аугартен, неаполитанская фабрика Каподимонте и некоторые другие.
В 1845 году стаффордширский гончарный завод Mintons – второй по важности после Веджвуда, стал выпускать ещё одну разновидность «бисквита», названного в честь греческого острова Парос. Там в древности добывался высококачественный мрамор, отличавшийся изысканной мелкозернистой структурой и молочной белизной. Паросские декоративные сосуды и статуэтки, отлитые из фарфорового шликера (жидкой глиняной массы) и прошедшие только утильный обжиг, тоже имитировали резьбу по мрамору. Их главным достоинством, кроме художественности, была возможность массового производства, благодаря использованию форм, а не ручного труда.
В 1860-1900 гг. французские и немецкие производители стали выпускать очень реалистичные игрушки из фарфорового «бисквита», которые пришли на смену более ранним, полностью глазурованным аналогам.
История бисквитного фарфора в России начинается с основания Невской фарфоровой мануфактуры по указу императрицы Елизаветы Петровны. В начале там производили изящные табакерки и другие мелкие предметы для нужд двора. Полноценный производственный цикл удалось наладить только в 1756 году после того, как построили большой горн. Появление бисквитной скульптуры в России и относится к 50-м годам ХVIII века.
❤7🔥1🎉1
Первые фигурки – негры, китайцы, герои античности, народные типы были изготовлены на Императорском фарфоровом заводе. В 1766 году в селе Вербилки Московской губернии начал работать фарфоровый завод англичанина Франца Яковлевича Гарднера. Он наладил выпуск бытовых статуэток схожих с веджвудскими, массовым тиражом, вся коллекция получила название «бисквит Гарднера».
В первой половине XIX века в моду вошли предметы, украшенные лепными цветами; из бисквитных цветов составлялись и отдельные букеты на специальных пластах. Одним из шедевров искусства русского фарфора стал букет из цветов в исполнении лепщика ИФЗ Петра Иудовича Иванова. Букет предназначался для демонстрации на Всемирной выставке в Лондоне в 1851 году, но доставить хрупкое изделие на нее так и не решились, опасаясь за его сохранность. В наши дни русские мастера работают над восстановлением всех тонкостей технологии лепки из бисквита.
Неглазурованный фарфор будет актуален всегда, потому что его ценность заключена в первозданной чёткости изгибов и детальности рельефа, что неизменно утрачивается при покрытии изделия глазурью. Бисквитный фарфор в точности сохраняет все особенности формы, заложенные мастером-изготовителем. «Бисквитные» изделия словно высечены из камня, но в то же время обладают неповторимым свечением и мягкой игрой света.
В первой половине XIX века в моду вошли предметы, украшенные лепными цветами; из бисквитных цветов составлялись и отдельные букеты на специальных пластах. Одним из шедевров искусства русского фарфора стал букет из цветов в исполнении лепщика ИФЗ Петра Иудовича Иванова. Букет предназначался для демонстрации на Всемирной выставке в Лондоне в 1851 году, но доставить хрупкое изделие на нее так и не решились, опасаясь за его сохранность. В наши дни русские мастера работают над восстановлением всех тонкостей технологии лепки из бисквита.
Неглазурованный фарфор будет актуален всегда, потому что его ценность заключена в первозданной чёткости изгибов и детальности рельефа, что неизменно утрачивается при покрытии изделия глазурью. Бисквитный фарфор в точности сохраняет все особенности формы, заложенные мастером-изготовителем. «Бисквитные» изделия словно высечены из камня, но в то же время обладают неповторимым свечением и мягкой игрой света.
❤8👍3🎉3
Экспонат в деталях: Часы-картина с музыкальным механизмом
Уже много лет, начиная с 1966 года, 20 июля в мире отмечают Международный день шахмат (International Chess Day). Этот праздник проводится по решению Международной шахматной федерации (Fédération Internationale des Échecs, FIDE), основанной в этот день в 1924 году.
Шахматы – одна из древнейших интеллектуальных игр, сочетающая в себе спорт, научное мышление и элементы искусства. Название игры происходит из персидского языка: шах мат — «властитель умер». Родиной шахмат является Индия. Там в V веке появилась предшественница шахмат — игра чатуранга. Название «чатуранга» переводится как «четырёхсоставная» и предположительно объясняется тем, что первоначально в чатурангу играли вчетвером. Чатранг, а позже Шатрань, было название, данное игре, когда она появилась в Персии примерно в 600 году. Далее она распространилась по Шелковому пути в другие регионы, включая Аравийский полуостров и Византию. К 1000 году шахматы стали популярны как в Европе, так и в России, куда они пришли из Великой Степи.
Первый международный турнир в истории современных шахмат состоялся в Лондоне в 1851 году, и был приурочен к Всемирной промышленной выставке.
Шахматы – настольная игра на 64-клеточной доске, на которой располагаются 32 фигуры (по 16 фигур белого и черного цвета). Играют два партнера. Цель игры заключается в том, чтобы поставить мат королю противника. Считается, что игра в шахматы способствует развитию памяти, умственных способностей, творческого и логического мышления.
В России практически в каждом городе есть шахматный клуб, в котором собираются почитатели этого вида спорта. В Международный день шахмат в этих клубах проводятся турниры, развлекательные мероприятия, любительские лекции по обмену опытом игры.
Сегодня в нашей традиционной рубрике «Экспонат в деталях» представляем вам предмет из раздела коллекции музея «Занимательные автоматоны» – Часы-картина с получасовым боем grande sonnerie и музыкальным механизмом, созданный во второй половине XIX века в Праге, Австро-Венгрия.
Этот уникальный предмет создавали мастера разных специальностей. Так, часы были изготовлены в мастерской Carl Suchy & Söhne; музыкальный механизм – в мастерской Willenbacher & Rzebitschik; а картин написал художник J. Kraupa.
Картина закреплена в деревянной раме с орнаментом, рама соединена крючками-застежками с деревянным корпусом, в котором размещены часовой и музыкальный механизмы. На правой боковой стороне корпуса расположено отверстие для завода механизма и шнур с шариком на конце. На металлической поверхности листа маслом изображены два игрока в шахматы – дьявол и юноша, за ними стоит ангел-хранитель под сводом, арка которого образована двумя ящерицами с перекрещивающимися хвостами. Шахматная доска стоит на крышке саркофага с резным орнаментом в виде черепов и костей. Кресло дьявола украшает зловещая голова рычащего льва, лапа которого опирается на череп. Одетый в красный плащ дьявол, держит в руке белую фигуру. Юноша одет в рубашку с золотистым орнаментом на горловине. Ангел-хранитель, расположенный по центру, с грустью смотрит на позицию в шахматной партии, символизирующую Добра со Злом. В верхней части картины изображен часовой циферблат черного цвета.
Механизм часов маятниковый, с анкерным ходом, тремя пружинными двигателями и получасовым боем grande sonnerie по двум гонгам. Музыкальный механизм с программным валиком, звуковой гребенкой и пружинным двигателем. Бой часов и музыкальный механизм включаются или выключаются шнуром на правой боковой стороне корпуса.
https://mus-col.com/events/29235/
Уже много лет, начиная с 1966 года, 20 июля в мире отмечают Международный день шахмат (International Chess Day). Этот праздник проводится по решению Международной шахматной федерации (Fédération Internationale des Échecs, FIDE), основанной в этот день в 1924 году.
Шахматы – одна из древнейших интеллектуальных игр, сочетающая в себе спорт, научное мышление и элементы искусства. Название игры происходит из персидского языка: шах мат — «властитель умер». Родиной шахмат является Индия. Там в V веке появилась предшественница шахмат — игра чатуранга. Название «чатуранга» переводится как «четырёхсоставная» и предположительно объясняется тем, что первоначально в чатурангу играли вчетвером. Чатранг, а позже Шатрань, было название, данное игре, когда она появилась в Персии примерно в 600 году. Далее она распространилась по Шелковому пути в другие регионы, включая Аравийский полуостров и Византию. К 1000 году шахматы стали популярны как в Европе, так и в России, куда они пришли из Великой Степи.
Первый международный турнир в истории современных шахмат состоялся в Лондоне в 1851 году, и был приурочен к Всемирной промышленной выставке.
Шахматы – настольная игра на 64-клеточной доске, на которой располагаются 32 фигуры (по 16 фигур белого и черного цвета). Играют два партнера. Цель игры заключается в том, чтобы поставить мат королю противника. Считается, что игра в шахматы способствует развитию памяти, умственных способностей, творческого и логического мышления.
В России практически в каждом городе есть шахматный клуб, в котором собираются почитатели этого вида спорта. В Международный день шахмат в этих клубах проводятся турниры, развлекательные мероприятия, любительские лекции по обмену опытом игры.
Сегодня в нашей традиционной рубрике «Экспонат в деталях» представляем вам предмет из раздела коллекции музея «Занимательные автоматоны» – Часы-картина с получасовым боем grande sonnerie и музыкальным механизмом, созданный во второй половине XIX века в Праге, Австро-Венгрия.
Этот уникальный предмет создавали мастера разных специальностей. Так, часы были изготовлены в мастерской Carl Suchy & Söhne; музыкальный механизм – в мастерской Willenbacher & Rzebitschik; а картин написал художник J. Kraupa.
Картина закреплена в деревянной раме с орнаментом, рама соединена крючками-застежками с деревянным корпусом, в котором размещены часовой и музыкальный механизмы. На правой боковой стороне корпуса расположено отверстие для завода механизма и шнур с шариком на конце. На металлической поверхности листа маслом изображены два игрока в шахматы – дьявол и юноша, за ними стоит ангел-хранитель под сводом, арка которого образована двумя ящерицами с перекрещивающимися хвостами. Шахматная доска стоит на крышке саркофага с резным орнаментом в виде черепов и костей. Кресло дьявола украшает зловещая голова рычащего льва, лапа которого опирается на череп. Одетый в красный плащ дьявол, держит в руке белую фигуру. Юноша одет в рубашку с золотистым орнаментом на горловине. Ангел-хранитель, расположенный по центру, с грустью смотрит на позицию в шахматной партии, символизирующую Добра со Злом. В верхней части картины изображен часовой циферблат черного цвета.
Механизм часов маятниковый, с анкерным ходом, тремя пружинными двигателями и получасовым боем grande sonnerie по двум гонгам. Музыкальный механизм с программным валиком, звуковой гребенкой и пружинным двигателем. Бой часов и музыкальный механизм включаются или выключаются шнуром на правой боковой стороне корпуса.
https://mus-col.com/events/29235/
👍14❤7
Музыкальная подборка «Мелодии летнего настроения»
С чем у большинства людей ассоциируется лето?
Лето – время года, когда можно наслаждаться теплыми солнечными лучами, свежим ароматным воздухом и яркими красками природы. От лета мы всегда ждем перемен к лучшему. Лето – это всегда движение и смена обстановки. Музыка озвучит дорогу на работу, путешествие, отпуск, неожиданную встречу со старым другом и, конечно, украсит новые знакомства.
Летом хочется наслаждаться каждым мгновением, каждым прожитым днем.
Мы сами можем создать себе летнее настроение. Музыка –один из самых сильных стимуляторов эмоций.
И летом она не может быть грустной или тяжелой..
Музыкальная подборка «Мелодии летнего настроения» состоит из произведений на грани романтичной меланхолии, местами даже сожаления по утраченному, но с оптимистическими модуляциями и надеждой на самое светлое будущее.
Так бывает всегда – мы стремимся вперед. В этой музыке каждый услышит свое лето, потому что там есть и летняя гроза, и бодрое журчанье ручьев, и шелест густой зеленой листвы.
Даже летний зной имеет свой музыкальный мотив.
Ведь именно летом особенно часто хочется танцевать или петь что-нибудь веселое и озорное. Соответственно, песен о лете написано огромное количество. Мы выбрали для вас композиции, прослушивание которых порадует любую аудиторию.
Мы включили в подборку песню Глена Миллера и его оркестра – «В настроении», прозвучавшую в фильме «Серенада солнечной долины». В 1983 году сингл Глена Миллера и его оркестра с этой песней был принят в Зал славы премии «Грэмми».
«Мне не потребовалось много времени, чтобы сказать: «Я сейчас в настроении», – поется в этой песенке.
https://mus-col.com/events/28812/
С чем у большинства людей ассоциируется лето?
Лето – время года, когда можно наслаждаться теплыми солнечными лучами, свежим ароматным воздухом и яркими красками природы. От лета мы всегда ждем перемен к лучшему. Лето – это всегда движение и смена обстановки. Музыка озвучит дорогу на работу, путешествие, отпуск, неожиданную встречу со старым другом и, конечно, украсит новые знакомства.
Летом хочется наслаждаться каждым мгновением, каждым прожитым днем.
Мы сами можем создать себе летнее настроение. Музыка –один из самых сильных стимуляторов эмоций.
И летом она не может быть грустной или тяжелой..
Музыкальная подборка «Мелодии летнего настроения» состоит из произведений на грани романтичной меланхолии, местами даже сожаления по утраченному, но с оптимистическими модуляциями и надеждой на самое светлое будущее.
Так бывает всегда – мы стремимся вперед. В этой музыке каждый услышит свое лето, потому что там есть и летняя гроза, и бодрое журчанье ручьев, и шелест густой зеленой листвы.
Даже летний зной имеет свой музыкальный мотив.
Ведь именно летом особенно часто хочется танцевать или петь что-нибудь веселое и озорное. Соответственно, песен о лете написано огромное количество. Мы выбрали для вас композиции, прослушивание которых порадует любую аудиторию.
Мы включили в подборку песню Глена Миллера и его оркестра – «В настроении», прозвучавшую в фильме «Серенада солнечной долины». В 1983 году сингл Глена Миллера и его оркестра с этой песней был принят в Зал славы премии «Грэмми».
«Мне не потребовалось много времени, чтобы сказать: «Я сейчас в настроении», – поется в этой песенке.
https://mus-col.com/events/28812/
👍7❤6🎉1😍1
Экспонат с историей: табакерка с медалью за победу при Гангуте
Сегодня, в День Военно-Морского Флота, в рубрике «Экспонат с историей» – рассказ о табакерке с медалью за победу при Гангуте 27 июля (7 августа) 1714 г.
Серебряная табакерка с позолоченным внутренним покрытием и съёмной крышкой изготовлена в последнюю треть XVIII века в Москве. В крышку вмонтирована медаль 1714 года за победу при Гангуте: на лицевой стороне – портрет Петра I, на оборотной – изображение морского боя с цитатой из «Книги Марсовой» (1713): «ПРИЛѢЖАНИЕ \* ИВѢРНО\[СТЬ*ПРЕ] ВОСХОДИТЬ*СИЛНО». Это была первая морская победа России в Северной войне, позволившая перенести боевые действия на территорию Швеции.
Для участников сражения были выпущены медали. Золотые вручались штаб- и обер-офицерам (по чину), а рядовым — серебряные и деньги. Изначально отчеканили 1000 серебряных медалей, затем в 1715 году — ещё 1000, а в 1717 году — по требованию генерал-адмирала Ф.М. Апраксина — ещё 1500. Из них 387 были возвращены в канцелярию.
7 августа 1714 года у мыса Гангут (ныне полуостров Ханко, Финляндия) русские одержали первую крупную морскую победу. К весне того года большая часть Финляндии была занята русскими. Чтобы обеспечить выход к Балтике, требовалось разгромить шведский флот.
К восточному берегу Гангута подошёл русский гребной флот под началом Ф.М. Апраксина. Шведский адмирал Ватранг, стремясь удержать позиции, разделил силы. Пётр I применил военную хитрость: часть галер пытались перетащить по суше, а в это время другой отряд под командованием М.Х. Змаевича обошёл шведскую эскадру по морю. Русским удалось заблокировать отряд контр-адмирала Н. Эреншёльда у острова Лаккисар. Основные силы русского флота начали движение к западному берегу, когда вновь установился штиль.
7 августа в 14:00 23 русских судна атаковали позиции Эреншёльда. После двух отражённых атак третья, направленная по флангам, увенчалась успехом. Завязалась ожесточённая абордажная схватка, в которой участвовал сам Пётр I. Победа завершилась пленением фрегата «Элефант» и девяти гребных судов противника.
Сражение у Гангута стало первой крупной победой русского флота, обеспечившей свободу действий в Балтике. Оно показало эффективность гребных судов, военной хитрости и гибкости командования. Примечательно, что решающую роль сыграл абордажный бой — один из последних в истории.
В сентябре 1714 года в Петербурге прошли торжества. Пётр I приравнял значение победы к Полтавской битве.
Сегодня, в День Военно-Морского Флота, в рубрике «Экспонат с историей» – рассказ о табакерке с медалью за победу при Гангуте 27 июля (7 августа) 1714 г.
Серебряная табакерка с позолоченным внутренним покрытием и съёмной крышкой изготовлена в последнюю треть XVIII века в Москве. В крышку вмонтирована медаль 1714 года за победу при Гангуте: на лицевой стороне – портрет Петра I, на оборотной – изображение морского боя с цитатой из «Книги Марсовой» (1713): «ПРИЛѢЖАНИЕ \* ИВѢРНО\[СТЬ*ПРЕ] ВОСХОДИТЬ*СИЛНО». Это была первая морская победа России в Северной войне, позволившая перенести боевые действия на территорию Швеции.
Для участников сражения были выпущены медали. Золотые вручались штаб- и обер-офицерам (по чину), а рядовым — серебряные и деньги. Изначально отчеканили 1000 серебряных медалей, затем в 1715 году — ещё 1000, а в 1717 году — по требованию генерал-адмирала Ф.М. Апраксина — ещё 1500. Из них 387 были возвращены в канцелярию.
7 августа 1714 года у мыса Гангут (ныне полуостров Ханко, Финляндия) русские одержали первую крупную морскую победу. К весне того года большая часть Финляндии была занята русскими. Чтобы обеспечить выход к Балтике, требовалось разгромить шведский флот.
К восточному берегу Гангута подошёл русский гребной флот под началом Ф.М. Апраксина. Шведский адмирал Ватранг, стремясь удержать позиции, разделил силы. Пётр I применил военную хитрость: часть галер пытались перетащить по суше, а в это время другой отряд под командованием М.Х. Змаевича обошёл шведскую эскадру по морю. Русским удалось заблокировать отряд контр-адмирала Н. Эреншёльда у острова Лаккисар. Основные силы русского флота начали движение к западному берегу, когда вновь установился штиль.
7 августа в 14:00 23 русских судна атаковали позиции Эреншёльда. После двух отражённых атак третья, направленная по флангам, увенчалась успехом. Завязалась ожесточённая абордажная схватка, в которой участвовал сам Пётр I. Победа завершилась пленением фрегата «Элефант» и девяти гребных судов противника.
Сражение у Гангута стало первой крупной победой русского флота, обеспечившей свободу действий в Балтике. Оно показало эффективность гребных судов, военной хитрости и гибкости командования. Примечательно, что решающую роль сыграл абордажный бой — один из последних в истории.
В сентябре 1714 года в Петербурге прошли торжества. Пётр I приравнял значение победы к Полтавской битве.
👍6😍5❤3👏2🎉1