Beatles и поп-арт: обложка как искусство
Поп-арт и рок-музыка — как два соседа с шумной вечеринки, которые в итоге начали ходить друг к другу в гости. Художники и музыканты в 60-е пересекались постоянно: кто-то рисовал, кто-то пел, кто-то соединял это всё в обложках, афишах и визуальных провокациях. Особенно эффектные коллаборации с художниками устраивали «Битлз».
Эти четверо стали магнитом не только для фанатов, но и для поп-артистов — как американских, так и британских. Например, Энди Уорхол — король поп-арта — делал портреты участников группы, превращая их лица чуть ли не в иконы. В поп-арте вообще была мода на «знаменитостей как святых» — и битлы идеально вписались в этот пантеон.
Но настоящая революция случилась в 1967 году, когда художник Питер Блейк и его жена Дженн Хейворт придумали одну из самых знаменитых обложек в истории музыки для альбома «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». Художники вырезали из картона фигуры известных личностей: от Мерилин Монро до Фрейда, от Боба Дилана до Алистера Кроули. Собрать всех этих персонажей было задачей не из лёгких. Кто-то просил деньги за «присутствие», кто-то просто не хотел «стоять рядом с этим безобразием». Но такой компании точно не было ни на одном фуршете.
Всё это было бы невозможно без Роберта Фрейзера — лондонского арт-дилера и человека, благодаря которому художники и звёзды вообще начали сотрудничать. Именно он позже познакомит «Битлз» с другим поп-арт-гуру — Ричардом Гамильтоном, автором минималистской обложки для White Album.
Так «Битлз» стали не только музыкальным, но и визуальным экспериментом. Они не просто пели о мире, любви и странных штуках — они показывали это в цвете, форме и идее. И поп-арт оказался для них идеальной рамкой.
Рассказываем о поп-арте в живописи, культуре и жизни на курсе Елены Якимович «Искусство для масс? Как поп-арт изменил мир». Приходите послушать!
#искусство
Поп-арт и рок-музыка — как два соседа с шумной вечеринки, которые в итоге начали ходить друг к другу в гости. Художники и музыканты в 60-е пересекались постоянно: кто-то рисовал, кто-то пел, кто-то соединял это всё в обложках, афишах и визуальных провокациях. Особенно эффектные коллаборации с художниками устраивали «Битлз».
Эти четверо стали магнитом не только для фанатов, но и для поп-артистов — как американских, так и британских. Например, Энди Уорхол — король поп-арта — делал портреты участников группы, превращая их лица чуть ли не в иконы. В поп-арте вообще была мода на «знаменитостей как святых» — и битлы идеально вписались в этот пантеон.
Но настоящая революция случилась в 1967 году, когда художник Питер Блейк и его жена Дженн Хейворт придумали одну из самых знаменитых обложек в истории музыки для альбома «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». Художники вырезали из картона фигуры известных личностей: от Мерилин Монро до Фрейда, от Боба Дилана до Алистера Кроули. Собрать всех этих персонажей было задачей не из лёгких. Кто-то просил деньги за «присутствие», кто-то просто не хотел «стоять рядом с этим безобразием». Но такой компании точно не было ни на одном фуршете.
Всё это было бы невозможно без Роберта Фрейзера — лондонского арт-дилера и человека, благодаря которому художники и звёзды вообще начали сотрудничать. Именно он позже познакомит «Битлз» с другим поп-арт-гуру — Ричардом Гамильтоном, автором минималистской обложки для White Album.
Так «Битлз» стали не только музыкальным, но и визуальным экспериментом. Они не просто пели о мире, любви и странных штуках — они показывали это в цвете, форме и идее. И поп-арт оказался для них идеальной рамкой.
Рассказываем о поп-арте в живописи, культуре и жизни на курсе Елены Якимович «Искусство для масс? Как поп-арт изменил мир». Приходите послушать!
#искусство
❤26🔥14👍4
Так уж повелось, что произведения декоративно-прикладного искусства оказались на вторых ролях по сравнению с искусствами изящными — живописью, скульптурой, архитектурой. Тем более странным может показаться обращение к декоративному искусству эпохи Возрождения. В самом деле, кому придет в голову предпочесть шедеврам Боттичелли, Рафаэля и Леонардо да Винчи росписи на ткани или керамике, призванные удовлетворить «приземленные» нужды давно почившего заказчика?
Однако сами художники и скульпторы Ренессанса придерживались иного мнения. Они не проводили строгих границ между высоким искусством и прикладным ремеслом. Более того, многие известные мастера эпохи Возрождения сами обращались к декоративным произведениям в поисках сюжетов для своих монументальных работ. Где же они их находили?
Курс историка искусства Марины Пивень «Магия предмета. Декоративное искусство Возрождения» призван исправить историческую несправедливость и дополнить палитру художественного творчества эпохи Ренессанаса и маньеризма: керамика, мебель, украшения, доспехи, ковры, секреты их производства и формы бытования, сюжеты и культурные функции – все это вы найдете в двенадцати лекциях курса, публикацию которого мы начинаем сегодня. В путь!
#новыйкурс #искусство
Однако сами художники и скульпторы Ренессанса придерживались иного мнения. Они не проводили строгих границ между высоким искусством и прикладным ремеслом. Более того, многие известные мастера эпохи Возрождения сами обращались к декоративным произведениям в поисках сюжетов для своих монументальных работ. Где же они их находили?
Курс историка искусства Марины Пивень «Магия предмета. Декоративное искусство Возрождения» призван исправить историческую несправедливость и дополнить палитру художественного творчества эпохи Ренессанаса и маньеризма: керамика, мебель, украшения, доспехи, ковры, секреты их производства и формы бытования, сюжеты и культурные функции – все это вы найдете в двенадцати лекциях курса, публикацию которого мы начинаем сегодня. В путь!
#новыйкурс #искусство
Магистерия
Декоративный Ренессанс
Прикладное художественное творчество Италии и других западноевропейских стран в XV-XVI веках.
❤34👍11🥰9🔥6
Может показаться, что XX век победил любые эзотерические учения — мир стал изучен и рационален. Однако именно в двадцатом веке миф обретает «второе дыхание»: распространяются многочисленные мистические практики, особое место среди которых занимает учение дона Хуана, переданное Карлосом Кастанедой.
О том, как антрополог Калифорнийского университета обучается индейской магии, о возникновении важнейшего мистического мифа XX века и противостоянии нагвалю – в новой обзорной лекции «Миф Карлоса Кастанеды».
#лекция #религия
О том, как антрополог Калифорнийского университета обучается индейской магии, о возникновении важнейшего мистического мифа XX века и противостоянии нагвалю – в новой обзорной лекции «Миф Карлоса Кастанеды».
#лекция #религия
Магистерия
Учение дона Хуана
Как практики тольтеков позволяют собирать миры.
❤21👍12🔥4
Василий Кандинский. Выставки, факты и курсы
В следующем году мы будем отмечать 160 лет со дня рождения Кандинского — художника, теоретика и, пожалуй, самого поэтичного из авангардистов.
Он начинал с права и этнографии, заговорил по-французски раньше, чем по-русски, а в искусство пришёл относительно поздно — в 30 лет, после того как увидел картину Моне и понял: изображение может работать, даже если в нём ничего не понятно. Позже он напишет: «Цвет — клавиатура, глаза — молотки, душа — фортепиано со множеством струн». Он был не только художником, но и человеком, который долго пытался разобраться, зачем вообще нужно искусство, и написал на эту тему не одну книгу.
Прямо сейчас проходят две выставки:
— в Москве, в Манеже — «Танец ХХ века»: Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский… и ещё несколько десятков художников, хореографов, сценографов. О том, как искусство искало движение.
— в Петербурге, в Главном штабе Эрмитажа — «Импровизация № 217. “Серый овал”» и другие поздние работы Кандинского. Это сосредоточенный, почти медитативный Кандинский из его парижского периода.
А если вы хотите не только смотреть, но и лучше понимать, о чём всё это, наши курсы станут точкой опоры:
«Искусство ХХ века. Модернизм» — о том, как художники разрушали формы и создавали новое видение мира. Мунк, Климт, Шагал и даже фотографии Родченко.
«От авангарда до современности» — о том, как Кандинский, Малевич и другие изменили язык русского и мирового искусства.
#искусство
В следующем году мы будем отмечать 160 лет со дня рождения Кандинского — художника, теоретика и, пожалуй, самого поэтичного из авангардистов.
Он начинал с права и этнографии, заговорил по-французски раньше, чем по-русски, а в искусство пришёл относительно поздно — в 30 лет, после того как увидел картину Моне и понял: изображение может работать, даже если в нём ничего не понятно. Позже он напишет: «Цвет — клавиатура, глаза — молотки, душа — фортепиано со множеством струн». Он был не только художником, но и человеком, который долго пытался разобраться, зачем вообще нужно искусство, и написал на эту тему не одну книгу.
Прямо сейчас проходят две выставки:
— в Москве, в Манеже — «Танец ХХ века»: Матисс, Малевич, Дягилев, Кандинский… и ещё несколько десятков художников, хореографов, сценографов. О том, как искусство искало движение.
— в Петербурге, в Главном штабе Эрмитажа — «Импровизация № 217. “Серый овал”» и другие поздние работы Кандинского. Это сосредоточенный, почти медитативный Кандинский из его парижского периода.
А если вы хотите не только смотреть, но и лучше понимать, о чём всё это, наши курсы станут точкой опоры:
«Искусство ХХ века. Модернизм» — о том, как художники разрушали формы и создавали новое видение мира. Мунк, Климт, Шагал и даже фотографии Родченко.
«От авангарда до современности» — о том, как Кандинский, Малевич и другие изменили язык русского и мирового искусства.
#искусство
❤48👍9🔥2
Пережить катастрофу: как Рахманинов выбрался из тьмы
История творческого кризиса Сергея Рахманинова складывается в сюжет почти литературного масштаба, в котором тесно переплетены личная драма, провал на публике и даже сессии гипноза. И связана она с Первой симфонией – одним из самых дерзких и глубоких сочинений молодого композитора.
Симфония посвящена Анне Ладыженской, замужней женщине из музыкальной семьи. Симфонию Рахманинов снабдил эпиграфом: «Мне отмщение, и Аз воздам» — библейская цитата, которую Толстой использует в «Анне Карениной». Замужняя Анна, любовь, разрыв — аллюзии почти прозрачны.
Премьера симфонии весной 1897 года закончилась провалом. Александр Глазунов, по мнению очевидцев, дирижировал без малейшего интереса к партитуре. Некоторые утверждали, что он был пьян. Репетиций почти не было, оркестр играл неуверенно, критики были беспощадны. Особенно отличился Цезарь Кюи, сказавший, что такую музыку можно играть только в аду. Сегодня есть версии, что провал был не случайностью, а следствием негласной травли. Молодому, блестящему, одарённому композитору завидовали. И личная история с Ладыженской тоже не прибавляла ему симпатий.
Этот удар оказался сокрушительным. Рахманинов на три года замолчал как композитор. Он продолжал дирижировать (в том числе в Частной опере Мамонтова), но ощущал давящую пустоту. На помощь пришёл Николай Даль, московский психиатр, поклонник гипноза. Его метод — не «лечить» душу, а тихо, но упорно возвращать композитору веру в себя. «Вы напишете великое произведение. Вы способны. Вы работаете. Вы нужны» — повторял он, и эти простые формулы подействовали на Рахманинова. Так родился Второй фортепианный концерт — одно из самых трепетных, вдохновенных и ясных сочинений всей русской музыки. Рахманинов посвятил его Далю.
По мотивам курса Сергея Арцибашева «Поэтика чувственности. Судьба и творчество Сергея Рахманинова»
#музыка
История творческого кризиса Сергея Рахманинова складывается в сюжет почти литературного масштаба, в котором тесно переплетены личная драма, провал на публике и даже сессии гипноза. И связана она с Первой симфонией – одним из самых дерзких и глубоких сочинений молодого композитора.
Симфония посвящена Анне Ладыженской, замужней женщине из музыкальной семьи. Симфонию Рахманинов снабдил эпиграфом: «Мне отмщение, и Аз воздам» — библейская цитата, которую Толстой использует в «Анне Карениной». Замужняя Анна, любовь, разрыв — аллюзии почти прозрачны.
Премьера симфонии весной 1897 года закончилась провалом. Александр Глазунов, по мнению очевидцев, дирижировал без малейшего интереса к партитуре. Некоторые утверждали, что он был пьян. Репетиций почти не было, оркестр играл неуверенно, критики были беспощадны. Особенно отличился Цезарь Кюи, сказавший, что такую музыку можно играть только в аду. Сегодня есть версии, что провал был не случайностью, а следствием негласной травли. Молодому, блестящему, одарённому композитору завидовали. И личная история с Ладыженской тоже не прибавляла ему симпатий.
Этот удар оказался сокрушительным. Рахманинов на три года замолчал как композитор. Он продолжал дирижировать (в том числе в Частной опере Мамонтова), но ощущал давящую пустоту. На помощь пришёл Николай Даль, московский психиатр, поклонник гипноза. Его метод — не «лечить» душу, а тихо, но упорно возвращать композитору веру в себя. «Вы напишете великое произведение. Вы способны. Вы работаете. Вы нужны» — повторял он, и эти простые формулы подействовали на Рахманинова. Так родился Второй фортепианный концерт — одно из самых трепетных, вдохновенных и ясных сочинений всей русской музыки. Рахманинов посвятил его Далю.
По мотивам курса Сергея Арцибашева «Поэтика чувственности. Судьба и творчество Сергея Рахманинова»
#музыка
❤68👍14🔥3
Романский стиль в искусстве Западной Европы представляет собой невероятно богатый и многогранный пласт средневековой культуры. Достаточно взглянуть на величественные французские базилики, чтобы понять: перед нами не просто архитектурные памятники, а настоящие визуальные тексты, послания которых еще предстоит разгадать.
Благодаря возрождению наследия античного зодчества романская архитектура сумела создать грандиозные храмовые пространства, способные вместить огромные потоки паломников. Настоящей революцией стало развитие монументальной скульптуры в оформлении церковных порталов. Именно здесь впервые в средневековом искусстве появляются масштабные изображения Страшного суда — сложные иконографические программы, где каждая деталь наполнена глубоким смыслом, а капители романских базилик даже называют средневековыми комиксами.
Обо всем этом, а также о передовых технологиях и секретах средневековых мастеров вы узнаете из нового курса Анны Пожидаевой «Романский стиль. Европа паломников и крестоносцев».
#новыйкурс #искусство
Благодаря возрождению наследия античного зодчества романская архитектура сумела создать грандиозные храмовые пространства, способные вместить огромные потоки паломников. Настоящей революцией стало развитие монументальной скульптуры в оформлении церковных порталов. Именно здесь впервые в средневековом искусстве появляются масштабные изображения Страшного суда — сложные иконографические программы, где каждая деталь наполнена глубоким смыслом, а капители романских базилик даже называют средневековыми комиксами.
Обо всем этом, а также о передовых технологиях и секретах средневековых мастеров вы узнаете из нового курса Анны Пожидаевой «Романский стиль. Европа паломников и крестоносцев».
#новыйкурс #искусство
Магистерия
Своды, порталы, рукописи
Первый большой стиль западноевропейского Средневековья.
🔥23❤18👍12
Театр Древней Индии
Когда мы думаем о древнем театре, перед глазами обычно встают греческие маски, амфитеатры и трагедии. Но у Древней Индии была своя, не менее богатая и яркая театральная традиция. И она совсем не сводится к заимствованиям из античного мира, как полагали европейские ориенталисты XVIII–XIX веков. Те считали, что если в «Рамаяне» герой отправляется спасать похищенную жену — это просто индийская версия «Илиады». Такие упрощения сегодня вызывают лишь улыбку.
Театр в Индии — явление глубоко самостоятельное. Театр был не культовым, не мистериальным, а светским. Его играли при дворах и в городах, а женские роли исполняли (удивительно!) женщины, что для античного мира было скорее исключением, чем правилом.
Одним из шедевров древнеиндийской драмы стала пьеса «Шакунтала» поэта Калидасы. Это история любви царя и девушки-отшельницы, их разлуки и воссоединения. В Европе XVIII века «Шакунтала» стала настоящим открытием. Её перевод поразил Гёте, который даже вдохновился формой индийского театра!
Древнеиндийский театр удивительно отличался от европейского: в нём не было декораций. Пространство создавалось словом. Реплика «Как прекрасен этот вечерний сад!» или «Я слышу рычание зверей в джунглях» — и вот перед зрителем уже сад или лес. Жесты и мимика заменяли технические средства. Актёры могли изображать колесницу, бой, охоту — и зритель видел их, как наяву.
Театр был настоящим искусством синтеза. Об этом свидетельствует знаменитая «Натьяшастра» — трактат о театре, написанный между II и III веками н. э. В нём описываются типы жестов, мимики, костюмов, роли режиссёра, правила поведения на сцене — вплоть до того, как актёру правильно смеяться или гневаться.
Раскрываем тайны индийского театра и другие культурные явления Индии на курсе Евгении Ваниной «Жемчужина мира. История Индии». Хотите узнать, как формировалась уникальная цивилизация, чьи традиции до сих пор поражают мир? Начните с этого курса.
#история
Когда мы думаем о древнем театре, перед глазами обычно встают греческие маски, амфитеатры и трагедии. Но у Древней Индии была своя, не менее богатая и яркая театральная традиция. И она совсем не сводится к заимствованиям из античного мира, как полагали европейские ориенталисты XVIII–XIX веков. Те считали, что если в «Рамаяне» герой отправляется спасать похищенную жену — это просто индийская версия «Илиады». Такие упрощения сегодня вызывают лишь улыбку.
Театр в Индии — явление глубоко самостоятельное. Театр был не культовым, не мистериальным, а светским. Его играли при дворах и в городах, а женские роли исполняли (удивительно!) женщины, что для античного мира было скорее исключением, чем правилом.
Одним из шедевров древнеиндийской драмы стала пьеса «Шакунтала» поэта Калидасы. Это история любви царя и девушки-отшельницы, их разлуки и воссоединения. В Европе XVIII века «Шакунтала» стала настоящим открытием. Её перевод поразил Гёте, который даже вдохновился формой индийского театра!
Древнеиндийский театр удивительно отличался от европейского: в нём не было декораций. Пространство создавалось словом. Реплика «Как прекрасен этот вечерний сад!» или «Я слышу рычание зверей в джунглях» — и вот перед зрителем уже сад или лес. Жесты и мимика заменяли технические средства. Актёры могли изображать колесницу, бой, охоту — и зритель видел их, как наяву.
Театр был настоящим искусством синтеза. Об этом свидетельствует знаменитая «Натьяшастра» — трактат о театре, написанный между II и III веками н. э. В нём описываются типы жестов, мимики, костюмов, роли режиссёра, правила поведения на сцене — вплоть до того, как актёру правильно смеяться или гневаться.
Раскрываем тайны индийского театра и другие культурные явления Индии на курсе Евгении Ваниной «Жемчужина мира. История Индии». Хотите узнать, как формировалась уникальная цивилизация, чьи традиции до сих пор поражают мир? Начните с этого курса.
#история
❤45👍9🔥4🤩1
Иногда глазам нужно просто отдохнуть. Радуем уставший взор открытками из страны Кустодии — и предлагаем послушать новую обзорную лекцию Татьяны Ильиной «Русский карнавал. Мир Бориса Кустодиева» о творчестве одного из самых жизнерадостных в мире художников.
А если вы в Москве, прямо сейчас в Третьяковской галерее проходит выставка великого живописца, где можно увидеть как известные работы, так и уникальные эскизы к театральным постановкам.
#лекция #искусство
А если вы в Москве, прямо сейчас в Третьяковской галерее проходит выставка великого живописца, где можно увидеть как известные работы, так и уникальные эскизы к театральным постановкам.
#лекция #искусство
❤54🔥12👍6🥰2
Был ли Гомер женщиной? Теория Сэмюэла Батлера
Старец, слепец, собиратель песен, вымышленный персонаж или... женщина? В XIX веке британский писатель Сэмюэл Батлер (автор антиутопии «Эревон», предупреждающей, между прочим, о вреде ИИ!) предложил весьма эксцентричную гипотезу: «Одиссею» написала не просто женщина, но молодая сицилийская девушка, а Гомер, быть может, вовсе не при чём.
Доводы Батлера не лишены элегантности. Во-первых, «Одиссея» гораздо «мягче» и психологичнее, чем «Илиада»: здесь — женские характеры, домашние интриги, хитроумные уловки, странствия, а не эпический грохот щитов. Во-вторых, образ Пенелопы и её жизнь — служанки, женихи, воспитатели — написан с удивительной наблюдательностью, будто автор действительно жил среди них. В-третьих, география: Батлер считал, что описания природы и быта скорее соотносятся с Сицилией, чем с Ионией.
Учёные отнеслись к идее Батлера с лёгкой насмешкой: теория не получила широкой поддержки. Но — как знать? История литературы полна загадок. И если мы точно не знаем, сколько поэтов скрывается под именем Гомера, нам твёрдо известно, что читать «Илиаду» и «Одиссею» стоит в любое время и в любом месте.
Именно поэтому приглашаем вас на курс филолога Любови Сумм «Космос поэта. Путеводитель по Гомеру». Эта звёздная карта не даст заблудиться в античных богах и героях — и обязательно подарит вам радость встречи с произведениями, которые при близком знакомстве оборачиваются не пыльными фолиантами, а живыми и яркими страницами вечной истории.
Иллюстрация: Пенелопа встречает вернувшегося Телемаха. 1777. Художница — Ангелика Кауфман (англ. Angelica Kauffman, 1741–1807). Британский музей, Лондон
#литература
Старец, слепец, собиратель песен, вымышленный персонаж или... женщина? В XIX веке британский писатель Сэмюэл Батлер (автор антиутопии «Эревон», предупреждающей, между прочим, о вреде ИИ!) предложил весьма эксцентричную гипотезу: «Одиссею» написала не просто женщина, но молодая сицилийская девушка, а Гомер, быть может, вовсе не при чём.
Доводы Батлера не лишены элегантности. Во-первых, «Одиссея» гораздо «мягче» и психологичнее, чем «Илиада»: здесь — женские характеры, домашние интриги, хитроумные уловки, странствия, а не эпический грохот щитов. Во-вторых, образ Пенелопы и её жизнь — служанки, женихи, воспитатели — написан с удивительной наблюдательностью, будто автор действительно жил среди них. В-третьих, география: Батлер считал, что описания природы и быта скорее соотносятся с Сицилией, чем с Ионией.
Учёные отнеслись к идее Батлера с лёгкой насмешкой: теория не получила широкой поддержки. Но — как знать? История литературы полна загадок. И если мы точно не знаем, сколько поэтов скрывается под именем Гомера, нам твёрдо известно, что читать «Илиаду» и «Одиссею» стоит в любое время и в любом месте.
Именно поэтому приглашаем вас на курс филолога Любови Сумм «Космос поэта. Путеводитель по Гомеру». Эта звёздная карта не даст заблудиться в античных богах и героях — и обязательно подарит вам радость встречи с произведениями, которые при близком знакомстве оборачиваются не пыльными фолиантами, а живыми и яркими страницами вечной истории.
Иллюстрация: Пенелопа встречает вернувшегося Телемаха. 1777. Художница — Ангелика Кауфман (англ. Angelica Kauffman, 1741–1807). Британский музей, Лондон
#литература
👍22❤20🔥11
Знакомьтесь: Ктулху
Представьте себе нечто среднее между морской звездой, осьминогом и морским ежом. Добавьте к этому пятилучевую симметрию, тело в форме сплюснутой тарелки и десятки щупалец, торчащих во все стороны — вверх, вбок, вниз. Так выглядело одно из самых странных существ, когда-либо населявших Землю.
Sollasina cthulhu — вымерший организм силурийского периода, живший около 430 миллионов лет назад. Он действительно напоминал нечто из фэнтезийного кошмара: гибрид чудовища и морского робота. Его «руки» использовались как для движения, так и для охоты, а внешность настолько поразила учёных, что они дали ему имя в честь Ктулху — древнего божества, выдуманного Лавкрафтом.
Идеальное существо для коллекции морских ужасов, которое, тем не менее, реально существовало. Природа иногда действительно заходит дальше, чем любая мифология. Совершаем вылазку в чудовищно-восхитительный мир Земли на курсе Ярослава Попова «Тайны древних организмов. Палеонтология для всех».
#естествознание
Представьте себе нечто среднее между морской звездой, осьминогом и морским ежом. Добавьте к этому пятилучевую симметрию, тело в форме сплюснутой тарелки и десятки щупалец, торчащих во все стороны — вверх, вбок, вниз. Так выглядело одно из самых странных существ, когда-либо населявших Землю.
Sollasina cthulhu — вымерший организм силурийского периода, живший около 430 миллионов лет назад. Он действительно напоминал нечто из фэнтезийного кошмара: гибрид чудовища и морского робота. Его «руки» использовались как для движения, так и для охоты, а внешность настолько поразила учёных, что они дали ему имя в честь Ктулху — древнего божества, выдуманного Лавкрафтом.
Идеальное существо для коллекции морских ужасов, которое, тем не менее, реально существовало. Природа иногда действительно заходит дальше, чем любая мифология. Совершаем вылазку в чудовищно-восхитительный мир Земли на курсе Ярослава Попова «Тайны древних организмов. Палеонтология для всех».
#естествознание
🔥24❤10👍8😁1🤩1