Живописца Бориса Кустодиева привлекали темы, связанные с русской провинцией. Художник изображал яркие сцены чаепитий, народных гуляний, ярмарок. Купцов и купчих мастер писал здоровыми, сильными, красивыми и нарядными — в дорогих мехах, роскошных шалях, шелковых платьях и драгоценностях. Они словно застыли в неспешном и размеренном укладе дореволюционной жизни с его простыми и душевными удовольствиями. В образах купцов художника привлекали их вкусы, обычаи и близость с народом: многие были выходцами из крестьянской среды.
Картина «Купчиха за чаем» — одно из самых известных полотен Кустодиева. Художник изобразил пышную молодую женщину: она сидит за столом, вероятно, на балконе или террасе, на фоне городского пейзажа. Румяная купчиха пьет чай из блюдца, белизну ее плеч подчеркивают складки темного бархатного платья. Перед героиней расположился сверкающий самовар с чайником, узорчатая посуда, сладости и фрукты. Картина иллюстрирует прежнюю богатую жизнь купечества.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1918 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске. Позировала ему баронесса Галина Адеркас, она не была купчихой, а происходила из старинного баронского рода. Адеркас жила по соседству с художником и на тот момент училась в медицинском вузе. «Купчихе» Кустодиев прибавил возраста: на эскизах к картине модель выглядит моложе, чем на холсте. Это полотно получило положительные отзывы критиков и художников, участвовало в выставках в России и за рубежом.
* Борис Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Картина «Купчиха за чаем» — одно из самых известных полотен Кустодиева. Художник изобразил пышную молодую женщину: она сидит за столом, вероятно, на балконе или террасе, на фоне городского пейзажа. Румяная купчиха пьет чай из блюдца, белизну ее плеч подчеркивают складки темного бархатного платья. Перед героиней расположился сверкающий самовар с чайником, узорчатая посуда, сладости и фрукты. Картина иллюстрирует прежнюю богатую жизнь купечества.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1918 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске. Позировала ему баронесса Галина Адеркас, она не была купчихой, а происходила из старинного баронского рода. Адеркас жила по соседству с художником и на тот момент училась в медицинском вузе. «Купчихе» Кустодиев прибавил возраста: на эскизах к картине модель выглядит моложе, чем на холсте. Это полотно получило положительные отзывы критиков и художников, участвовало в выставках в России и за рубежом.
* Борис Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
👍60❤26
«Троица» — одна из самых знаменитых русских икон. Она создана в первой половине XV века для Троицкого собора Троице-Сергиевой лавры. Большинство историков сходятся на том, что ее написал прославленный иконописец Андрей Рублев.
Чаще всего иконописцы изображали Триединство с помощью сюжета «Гостеприимство Авраама» из Ветхого Завета. Большинство икон описывают эти детали подробно: в сюжетах изображается Сарра, юноша с теленком, Авраам под деревом.
В Троице Рублева сюжет сосредоточился только на трех путниках. Фигуры настолько вплотную подведены к полям иконы, что других персонажей здесь даже невозможно представить. Именно поэтому икона принципиально отличается от более ранних вариантов иконографии: она воспринимается именно как моленный образ, который нацелен на цельное, сильное духовное переживание, а не на рассказ о событии.
Автор выстроил композицию по кругу — зритель скользит взглядом от одного путника к другому и не останавливается ни на одном из них. Так создается ощущение непрерывности этого круга, равенства каждого персонажа, их особого единства.
Самое распространенное толкование гласит, что ангел в левой части иконы символизирует Бога Отца, в средней — Иисуса Христа, в правой — Святого Духа. На это косвенно указывает клав на одеждах центрального ангела.
Вокруг чаши выстроен диалог жестов, который также можно по-особенному прочесть. Бог Отец поднял руку в благословляющем жесте, но Он находится далеко от чаши и словно передает Сыну свое благословение. При этом благословляющая рука центрального ангела находится прямо над чашей: Он будто принимает ее и выражает согласие смиренным наклоном головы. Жест третьего ангела словно завершает сюжет: именно сошествие Святого Духа на апостолов освящает собою христианскую Церковь.
Все убранство Троицкого собора, в том числе и «Троица», обновлялось несколько раз: в XVII веке, в конце XVIII, а в середине XIX века в соборе дважды работали палехские мастера.
Специалист Третьяковской галереи Левон Нерсесян отмечал в одном из интервью, что реставрации XIX века были наиболее губительны. Дело в том, что палехские мастера в те времена спемзовывали старинную живопись — стирали пемзой первоначальный красочный слой, чтобы новые краски ложились лучше. Считается, что крупные утраты древней живописи на одеждах и фоне — это механические повреждения из-за работ пемзой.
К святым ликам художники-реставраторы относились с особым благоговением, поэтому их стирали меньше. Как правило, именно лики в процессе старинных реставраций сохранялись лучше. В «Троице» Рублева остались хорошо видны и самые освещенные участки, которые называются «пробела́». Но эта особенность сохранилась не благодаря выбору палехских реставраторов, а из-за химического состава минеральных красок: чем больше в смеси свинцовых белил, тем она прочнее. Поэтому светлые места попросту хуже поддавались стиранию.
* Андрей Рублев. Святая Троица (икона). 1422–1427. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Чаще всего иконописцы изображали Триединство с помощью сюжета «Гостеприимство Авраама» из Ветхого Завета. Большинство икон описывают эти детали подробно: в сюжетах изображается Сарра, юноша с теленком, Авраам под деревом.
В Троице Рублева сюжет сосредоточился только на трех путниках. Фигуры настолько вплотную подведены к полям иконы, что других персонажей здесь даже невозможно представить. Именно поэтому икона принципиально отличается от более ранних вариантов иконографии: она воспринимается именно как моленный образ, который нацелен на цельное, сильное духовное переживание, а не на рассказ о событии.
Автор выстроил композицию по кругу — зритель скользит взглядом от одного путника к другому и не останавливается ни на одном из них. Так создается ощущение непрерывности этого круга, равенства каждого персонажа, их особого единства.
Самое распространенное толкование гласит, что ангел в левой части иконы символизирует Бога Отца, в средней — Иисуса Христа, в правой — Святого Духа. На это косвенно указывает клав на одеждах центрального ангела.
Вокруг чаши выстроен диалог жестов, который также можно по-особенному прочесть. Бог Отец поднял руку в благословляющем жесте, но Он находится далеко от чаши и словно передает Сыну свое благословение. При этом благословляющая рука центрального ангела находится прямо над чашей: Он будто принимает ее и выражает согласие смиренным наклоном головы. Жест третьего ангела словно завершает сюжет: именно сошествие Святого Духа на апостолов освящает собою христианскую Церковь.
Все убранство Троицкого собора, в том числе и «Троица», обновлялось несколько раз: в XVII веке, в конце XVIII, а в середине XIX века в соборе дважды работали палехские мастера.
Специалист Третьяковской галереи Левон Нерсесян отмечал в одном из интервью, что реставрации XIX века были наиболее губительны. Дело в том, что палехские мастера в те времена спемзовывали старинную живопись — стирали пемзой первоначальный красочный слой, чтобы новые краски ложились лучше. Считается, что крупные утраты древней живописи на одеждах и фоне — это механические повреждения из-за работ пемзой.
К святым ликам художники-реставраторы относились с особым благоговением, поэтому их стирали меньше. Как правило, именно лики в процессе старинных реставраций сохранялись лучше. В «Троице» Рублева остались хорошо видны и самые освещенные участки, которые называются «пробела́». Но эта особенность сохранилась не благодаря выбору палехских реставраторов, а из-за химического состава минеральных красок: чем больше в смеси свинцовых белил, тем она прочнее. Поэтому светлые места попросту хуже поддавались стиранию.
* Андрей Рублев. Святая Троица (икона). 1422–1427. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
👍61❤44🔥3
Лесной пейзаж с медвежатами, играющими на поваленном дереве, — едва ли не самая известная работа художника. Вот только замысел пейзажа Ивану Шишкину подсказал другой художник — Константин Савицкий. Он же и написал медведицу с тремя медвежатами: знатоку леса Шишкину мишки никак не удавались.
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
👍84❤26
Валентин Серов создал «Девочку с персиками» в усадьбе Абрамцево — имении Саввы Мамонтова. Серов, как и многие другие художники — участники «Абрамцевского кружка», часто гостил там. На картине изображена дочь мецената — Вера Мамонтова. Над полотном Серов работал почти два месяца: начал летом, а закончил в сентябре. Все это время Вера Мамонтова позировала ему по несколько часов в день.
Исследователи называют «Девочку с персиками» одним из первых российских полотен с чертами импрессионизма. Художник тонко выписал лицо Веры Мамонтовой, а вот ее блузу, скатерть с персиками и задний план картины передал более крупными мазками. Серов использовал чистые цвета, накладывая их вплотную друг к другу, чтобы передать оттенки мебели, предметов и стен. А пейзаж за окном и вовсе изобразил схематично и условно.
«Всё, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров» — Валентин Серов.
Вера Мамонтова стала моделью не только для Валентина Серова: ее писали на своих полотнах Илья Репин, Михаил Врубель и Виктор Васнецов, который объяснял это так: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию».
* Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
Исследователи называют «Девочку с персиками» одним из первых российских полотен с чертами импрессионизма. Художник тонко выписал лицо Веры Мамонтовой, а вот ее блузу, скатерть с персиками и задний план картины передал более крупными мазками. Серов использовал чистые цвета, накладывая их вплотную друг к другу, чтобы передать оттенки мебели, предметов и стен. А пейзаж за окном и вовсе изобразил схематично и условно.
«Всё, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров» — Валентин Серов.
Вера Мамонтова стала моделью не только для Валентина Серова: ее писали на своих полотнах Илья Репин, Михаил Врубель и Виктор Васнецов, который объяснял это так: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию».
* Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ #КультураРФ
❤73👍53
Владимир Маковский «Две матери» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Полное название картины — «Две матери. Мать родная и приемная». Маковский написал полотно в 1905–1906 годах. До революции 1917 года оно хранилось у друзей семьи Маковских — самарских купцов и меценатов Шихобаловых.
По признанию Маковского в основу сюжета картины лег случай, который произошел в семье его знакомого. Родная мать отдала ребенка в приют, откуда мальчика забрала состоятельная пара. Но однажды мать пришла к ним в дом и стала требовать ребенка обратно. Маковский изобразил именно этот момент. Художник говорил: «Картина — не слово, она дает одну минуту, и в этой минуте должно быть все, а нет — нет картины».
Незваную гостью художник написал в темных одеждах, чтобы подчеркнуть ее социальное положение и крестьянское происхождение. Приемная же мать одета в светлое платье популярного в те годы фасона. Маковский точно передал эмоциональное состояние мальчика — он в смятении и напуган. Беспокойство также читается на лице приемной матери и ее домработницы. Невозмутимым остается глава семейства: он уверен, что гостья уйдет ни с чем.
* Владимир Маковский. Две матери. 1906. Самарский областной художественный музей
Полное название картины — «Две матери. Мать родная и приемная». Маковский написал полотно в 1905–1906 годах. До революции 1917 года оно хранилось у друзей семьи Маковских — самарских купцов и меценатов Шихобаловых.
По признанию Маковского в основу сюжета картины лег случай, который произошел в семье его знакомого. Родная мать отдала ребенка в приют, откуда мальчика забрала состоятельная пара. Но однажды мать пришла к ним в дом и стала требовать ребенка обратно. Маковский изобразил именно этот момент. Художник говорил: «Картина — не слово, она дает одну минуту, и в этой минуте должно быть все, а нет — нет картины».
Незваную гостью художник написал в темных одеждах, чтобы подчеркнуть ее социальное положение и крестьянское происхождение. Приемная же мать одета в светлое платье популярного в те годы фасона. Маковский точно передал эмоциональное состояние мальчика — он в смятении и напуган. Беспокойство также читается на лице приемной матери и ее домработницы. Невозмутимым остается глава семейства: он уверен, что гостья уйдет ни с чем.
* Владимир Маковский. Две матери. 1906. Самарский областной художественный музей
👍59❤39🔥10
«Тихая обитель» Исаака Левитана #КартинаВДеталях_КультураРФ
Весной 1888 года Исаак Левитан вместе с художниками Алексеем Степановым и Софьей Кувшинниковой отправился искать новые места для этюдов. Они уехали в Рязань, спустились вниз по Оке до Нижнего Новгорода. А потом пересели на другой теплоход и вверх по Волге добрались до небольшого города в Костромской губернии — Плёса. Кувшинникова вспоминала: «Он сразу нас обворожил, и мы решили остановиться. …Городок оказался премилым уголком, удивительно красивым, поэтичным и тихим». Художники сняли две комнаты в доме купца Андрея Солодовникова и прожили здесь два лета: приезжали из Москвы весной и возвращались последним октябрьским пароходом.
Левитан писал с маленьких набросков, а иногда и полностью с натуры. Художник изображал Волгу и лес, лодки у берега, баржи, плоты и пароходы, деревянные дома и старую Петропавловскую церковь. Здесь же под впечатлением от местной природы он закончил «Березовую рощу» и сделал зарисовки Кривоозерского монастыря, которые легли в основу полотна «Тихая обитель».
В конце 1889 — начале 1890 года Исаак Левитан впервые побывал в Европе: он отправился в Париж на Всемирную выставку. Живописец хотел ближе познакомиться с творчеством барбизонцев: Камиля Коро, Жана Франсуа Милле, Теодора Руссо, — а также произведениями импрессионистов. После Франции он поехал в Италию. Из этого путешествия Левитан привез пейзажи «Берег Средиземного моря», «Близ Бордигеры. На севере Италии», «Весна в Италии».
Вскоре после заграничной поездки художник создал полотно «Тихая обитель», которое появилось на передвижной выставке. Воздушную картину, изображавшую Саввино-Сторожевский монастырь в предзакатном свете, обсуждала вся интеллигентская Москва. Под впечатлением от работы Левитана поэт Николай Рубцов написал стихотворение, а Антон Чехов описал полотно в повести «Три года»: «На первом плане — речка, через нее бревенчатый мостик, на том берегу тропинка, исчезающая в темной траве… А вдали догорает вечерняя заря. И почему-то стало казаться, что эти самые облачка, и лес, и поле, она видела уже давно и много раз, и захотелось ей идти, идти и идти по тропинке, и там, где была вечерняя заря, покоилось отражение чего-то неземного, вечного, океана чистой радости и ничем не омраченного блаженства».
* Исаак Левитан. Тихая обитель. 1890. Государственная Третьяковская галерея
Весной 1888 года Исаак Левитан вместе с художниками Алексеем Степановым и Софьей Кувшинниковой отправился искать новые места для этюдов. Они уехали в Рязань, спустились вниз по Оке до Нижнего Новгорода. А потом пересели на другой теплоход и вверх по Волге добрались до небольшого города в Костромской губернии — Плёса. Кувшинникова вспоминала: «Он сразу нас обворожил, и мы решили остановиться. …Городок оказался премилым уголком, удивительно красивым, поэтичным и тихим». Художники сняли две комнаты в доме купца Андрея Солодовникова и прожили здесь два лета: приезжали из Москвы весной и возвращались последним октябрьским пароходом.
Левитан писал с маленьких набросков, а иногда и полностью с натуры. Художник изображал Волгу и лес, лодки у берега, баржи, плоты и пароходы, деревянные дома и старую Петропавловскую церковь. Здесь же под впечатлением от местной природы он закончил «Березовую рощу» и сделал зарисовки Кривоозерского монастыря, которые легли в основу полотна «Тихая обитель».
В конце 1889 — начале 1890 года Исаак Левитан впервые побывал в Европе: он отправился в Париж на Всемирную выставку. Живописец хотел ближе познакомиться с творчеством барбизонцев: Камиля Коро, Жана Франсуа Милле, Теодора Руссо, — а также произведениями импрессионистов. После Франции он поехал в Италию. Из этого путешествия Левитан привез пейзажи «Берег Средиземного моря», «Близ Бордигеры. На севере Италии», «Весна в Италии».
Вскоре после заграничной поездки художник создал полотно «Тихая обитель», которое появилось на передвижной выставке. Воздушную картину, изображавшую Саввино-Сторожевский монастырь в предзакатном свете, обсуждала вся интеллигентская Москва. Под впечатлением от работы Левитана поэт Николай Рубцов написал стихотворение, а Антон Чехов описал полотно в повести «Три года»: «На первом плане — речка, через нее бревенчатый мостик, на том берегу тропинка, исчезающая в темной траве… А вдали догорает вечерняя заря. И почему-то стало казаться, что эти самые облачка, и лес, и поле, она видела уже давно и много раз, и захотелось ей идти, идти и идти по тропинке, и там, где была вечерняя заря, покоилось отражение чего-то неземного, вечного, океана чистой радости и ничем не омраченного блаженства».
* Исаак Левитан. Тихая обитель. 1890. Государственная Третьяковская галерея
❤72👍39
«Первоклассница» Владимир Васильев #КартинаВДеталях_КультураРФ
Владимир Васильев сначала учился на скульптурном отделении Строгановского художественно-промышленного училища в Москве, но в 1917 году поступил на живописный факультет во Вхутемас. Год он был студентом в мастерской Дмитрия Штеренберга, затем занимался у знаменитых художников Петра Кончаловского и Александра Осмеркина. В годы Великой Отечественной войны Васильев работал над плакатами «Окон ТАСС» совместно с Юрием Пименовым, оформлял спектакли московских театров, создавал книжные иллюстрации и обложки.
В конце 1940-х годов главным стилем в искусстве оставался соцреализм, однако изменились герои картин. Если раньше художники показывали подвиги героев социалистического труда, то теперь они начали уделять больше внимания будням простых советских людей, их бытовым радостям и трудностям.
Работа «Первоклассница» напоминает многие оптимистичные картины на тему детства, которые советские художники стали писать в послевоенный период. Например, композиционно она похожа на полотно «Прибыл на каникулы» Федора Решетникова 1948 года. Как раз в 1948–1949 годах в школу пошли дети, рожденные в военные годы, и перед живописцами стояла идеологическая задача показать, что их ждет светлое будущее в мирной советской стране. Поэтому «Первоклассница» написана в теплой цветовой гамме, а все герои картины показаны открытыми и радостными.
* Владимир Васильев. Первоклассница. 1949. Самарский областной художественный музей, Самара
Владимир Васильев сначала учился на скульптурном отделении Строгановского художественно-промышленного училища в Москве, но в 1917 году поступил на живописный факультет во Вхутемас. Год он был студентом в мастерской Дмитрия Штеренберга, затем занимался у знаменитых художников Петра Кончаловского и Александра Осмеркина. В годы Великой Отечественной войны Васильев работал над плакатами «Окон ТАСС» совместно с Юрием Пименовым, оформлял спектакли московских театров, создавал книжные иллюстрации и обложки.
В конце 1940-х годов главным стилем в искусстве оставался соцреализм, однако изменились герои картин. Если раньше художники показывали подвиги героев социалистического труда, то теперь они начали уделять больше внимания будням простых советских людей, их бытовым радостям и трудностям.
Работа «Первоклассница» напоминает многие оптимистичные картины на тему детства, которые советские художники стали писать в послевоенный период. Например, композиционно она похожа на полотно «Прибыл на каникулы» Федора Решетникова 1948 года. Как раз в 1948–1949 годах в школу пошли дети, рожденные в военные годы, и перед живописцами стояла идеологическая задача показать, что их ждет светлое будущее в мирной советской стране. Поэтому «Первоклассница» написана в теплой цветовой гамме, а все герои картины показаны открытыми и радостными.
* Владимир Васильев. Первоклассница. 1949. Самарский областной художественный музей, Самара
👍65❤22🔥6
«Дама в голубом» Константина Сомова #КартинаВДеталях_КультураРФ
Свою современницу и соученицу Елизавету Мартынову Константин Сомов изобразил в старинном платье. Оно должно было навевать мысли о минувших эпохах, а в особенности — о XVIII веке, столь любимом и самим художником, и его коллегами по объединению «Мир искусства».
Судя по крою, синее шелковое платье было сшито в 1850-х, в эпоху «второго рококо». Тогда дамы носили платья с огромными юбками по моде XVIII века.
Однако у наряда Мартыновой есть и собственная загадка. Из-под его длинных широких рукавов выглядывают белые нижние. Скорее всего, они были съемными — в 1850-х такая модель была очень популярной. Пикантный нюанс: так шили только дневные платья, а значит, у него не должно быть такого глубокого выреза. В XIX веке женщина могла носить декольтированные наряды исключительно вечером. Сомов обнажил хрупкие плечи своей модели и окутал ее косынкой, отделанной кружевом. Она подсвечивает лицо Елизаветы Мартыновой, выделяя его на темном фоне, и тоже напоминает о моде XVIII века: в дамских журналах похожие называли «а ля Мария-Антуанетта». Кроме того, по всей видимости, косынка прикрывает то, что пришлось сделать с лифом платья ради портрета — срезать его верхнюю часть ради художественной выразительности.
* Константин Сомов. Дама в голубом (Портрет Е.М. Мартыновой). 1897–1900. Государственная Третьяковская галерея
Свою современницу и соученицу Елизавету Мартынову Константин Сомов изобразил в старинном платье. Оно должно было навевать мысли о минувших эпохах, а в особенности — о XVIII веке, столь любимом и самим художником, и его коллегами по объединению «Мир искусства».
Судя по крою, синее шелковое платье было сшито в 1850-х, в эпоху «второго рококо». Тогда дамы носили платья с огромными юбками по моде XVIII века.
Однако у наряда Мартыновой есть и собственная загадка. Из-под его длинных широких рукавов выглядывают белые нижние. Скорее всего, они были съемными — в 1850-х такая модель была очень популярной. Пикантный нюанс: так шили только дневные платья, а значит, у него не должно быть такого глубокого выреза. В XIX веке женщина могла носить декольтированные наряды исключительно вечером. Сомов обнажил хрупкие плечи своей модели и окутал ее косынкой, отделанной кружевом. Она подсвечивает лицо Елизаветы Мартыновой, выделяя его на темном фоне, и тоже напоминает о моде XVIII века: в дамских журналах похожие называли «а ля Мария-Антуанетта». Кроме того, по всей видимости, косынка прикрывает то, что пришлось сделать с лифом платья ради портрета — срезать его верхнюю часть ради художественной выразительности.
* Константин Сомов. Дама в голубом (Портрет Е.М. Мартыновой). 1897–1900. Государственная Третьяковская галерея
👍60❤26
Борис Кустодиев «Осень в провинции. Чаепитие» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Живописца Бориса Кустодиева привлекали темы, связанные с русской провинцией. Художник изображал яркие сцены чаепитий, народных гуляний, ярмарок.
На картине «Осень в провинции. Чаепитие» излюбленную тему Борис Кустодиев разбавил теплыми красками. Огненно-красные клены и желтеющий сад у провинциальных домиков делают осень особенно уютной. То самое бабье лето, которое на время примиряет с красивыми, но, увы, неизбежно облетающими листьями. В прозрачном воздухе витает аромат листвы, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. И уж, конечно, никакая осень не страшна, если поблизости кот. Вкупе с самоваром.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1926 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске.
* Борис Кустодиев. Осень в провинции. Чаепитие. 1926. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Живописца Бориса Кустодиева привлекали темы, связанные с русской провинцией. Художник изображал яркие сцены чаепитий, народных гуляний, ярмарок.
На картине «Осень в провинции. Чаепитие» излюбленную тему Борис Кустодиев разбавил теплыми красками. Огненно-красные клены и желтеющий сад у провинциальных домиков делают осень особенно уютной. То самое бабье лето, которое на время примиряет с красивыми, но, увы, неизбежно облетающими листьями. В прозрачном воздухе витает аромат листвы, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. И уж, конечно, никакая осень не страшна, если поблизости кот. Вкупе с самоваром.
Полотно живописец создал после Октябрьской революции, в 1926 году. Кустодиев в то время уже тяжело болел и был прикован к инвалидной коляске.
* Борис Кустодиев. Осень в провинции. Чаепитие. 1926. Государственная Третьяковская галерея, Москва
❤97👍39
Картина «На острове Валааме» Архипа Куинджи #КартинаВДеталях_КультураРФ
В начале 1870-х многих художников привлекал своей суровой и прекрасной природой остров Валаам на Ладожском озере. Побывал там и Куинджи — романтические виды Русского Севера появились в его картинах «Ладожское озеро» и «Валаам». В это время он совсем отошел от классических традиций и подражания античности, идеализации образа натуры. В определенной степени этому способствовал рост популярности естественных наук и научного подхода к изучению природы в России того времени. В 1873 году Куинджи работал над картиной «На острове Валааме», слухи о которой до ее завершения стали распространяться среди петербургских художников.
Илья Репин писал Павлу Третьякову о еще не законченной работе Куинджи: «…всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Вполне возможно, что именно после одобрительных отзывов многих художников Павел Третьяков поручил своему брату Сергею, приехавшему в Петербург, приобрести картину «На острове Валааме». Она стала первым произведением Куинджи в собрании будущей Третьяковской галереи. Эта картина, представленная на академической выставке, была явно сильнее работ других художников, и известность Куинджи выросла в разы.
Даже Федор Достоевский в журнале «Гражданин» назвал «На острове Валааме» национальным пейзажем.
* Архип Куинджи. На острове Валааме. 1873. Государственная Третьяковская галерея
В начале 1870-х многих художников привлекал своей суровой и прекрасной природой остров Валаам на Ладожском озере. Побывал там и Куинджи — романтические виды Русского Севера появились в его картинах «Ладожское озеро» и «Валаам». В это время он совсем отошел от классических традиций и подражания античности, идеализации образа натуры. В определенной степени этому способствовал рост популярности естественных наук и научного подхода к изучению природы в России того времени. В 1873 году Куинджи работал над картиной «На острове Валааме», слухи о которой до ее завершения стали распространяться среди петербургских художников.
Илья Репин писал Павлу Третьякову о еще не законченной работе Куинджи: «…всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Вполне возможно, что именно после одобрительных отзывов многих художников Павел Третьяков поручил своему брату Сергею, приехавшему в Петербург, приобрести картину «На острове Валааме». Она стала первым произведением Куинджи в собрании будущей Третьяковской галереи. Эта картина, представленная на академической выставке, была явно сильнее работ других художников, и известность Куинджи выросла в разы.
Даже Федор Достоевский в журнале «Гражданин» назвал «На острове Валааме» национальным пейзажем.
* Архип Куинджи. На острове Валааме. 1873. Государственная Третьяковская галерея
👍57❤32🤔5🔥2
Картина Федора Решетникова «Опять двойка»
#КартинаВДеталях_КультураРФ
Картину Федора Решетникова «Опять двойка» в СССР использовали в школьной программе: на уроках изобразительного искусства она служила образцом жанровой живописи, а на русском языке дети писали сочинения по ней. Эта работа входила в своеобразную трилогию одного автора вместе с двумя другими картинами: «Прибыл на каникулы» и «Переэкзаменовка». Все они изображали будни советских школьников. Но связаны картины не только тематически: на картине «Переэкзаменовка» в левом верхнем углу изображена репродукция полотна «Опять двойка», а копия «Переэкзаменовки» видна на стене комнаты, которую художник написал на картине «Опять двойка».
Для этой работы Решетникову позировал сын художника-авангардиста Густава Клуциса. Федор Решетников сначала собирался создать картину с более радостным сюжетом и назвать ее «Опять пятерка», но в итоге решил, что образы мальчика, который снова получил плохую оценку, его огорченных сестры и матери будут выглядеть более выразительно.
* Федор Решетников. Опять двойка. 1952. Государственная Третьяковская галерея, Москва
#КартинаВДеталях_КультураРФ
Картину Федора Решетникова «Опять двойка» в СССР использовали в школьной программе: на уроках изобразительного искусства она служила образцом жанровой живописи, а на русском языке дети писали сочинения по ней. Эта работа входила в своеобразную трилогию одного автора вместе с двумя другими картинами: «Прибыл на каникулы» и «Переэкзаменовка». Все они изображали будни советских школьников. Но связаны картины не только тематически: на картине «Переэкзаменовка» в левом верхнем углу изображена репродукция полотна «Опять двойка», а копия «Переэкзаменовки» видна на стене комнаты, которую художник написал на картине «Опять двойка».
Для этой работы Решетникову позировал сын художника-авангардиста Густава Клуциса. Федор Решетников сначала собирался создать картину с более радостным сюжетом и назвать ее «Опять пятерка», но в итоге решил, что образы мальчика, который снова получил плохую оценку, его огорченных сестры и матери будут выглядеть более выразительно.
* Федор Решетников. Опять двойка. 1952. Государственная Третьяковская галерея, Москва
👍98❤28
Картина Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Лесной пейзаж с медвежатами, играющими на поваленном дереве, — едва ли не самая известная работа художника. Вот только замысел пейзажа Ивану Шишкину подсказал другой художник — Константин Савицкий. Он же и написал медведицу с тремя медвежатами: знатоку леса Шишкину мишки никак не удавались.
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Лесной пейзаж с медвежатами, играющими на поваленном дереве, — едва ли не самая известная работа художника. Вот только замысел пейзажа Ивану Шишкину подсказал другой художник — Константин Савицкий. Он же и написал медведицу с тремя медвежатами: знатоку леса Шишкину мишки никак не удавались.
Шишкин безукоризненно разбирался в лесной флоре, в рисунках своих учеников замечал малейшие ошибки: то не так изображена кора березы, то сосна похожа на бутафорскую. Однако люди и животные в его работах всегда были редкостью. Тут и пришел на помощь Савицкий. Он, кстати, оставил несколько подготовительных рисунков и эскизов с медвежатами: искал подходящие позы. «Утро в сосновом лесу» изначально не было «утром» — называлась картина «Медвежье семейство в лесу», а самих мишек на ней было всего двое. Как соавтор, Савицкий поставил на полотне и свою подпись.
Когда полотно доставили купцу Павлу Третьякову, тот возмутился: платил за Шишкина (заказывал авторскую работу), а получил Шишкина и Савицкого. Шишкин, как честный человек, авторство себе приписывать не стал. Но Третьяков пошел на принцип и подпись Савицкого кощунственно стер с картины скипидаром. Савицкий позже от авторских прав благородно отказался, а медведей еще долгое время приписывали Шишкину.
* Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу. 1889. Государственная Третьяковская галерея, Москва
👍74❤35🔥11
Зинаида Серебрякова «Балетная уборная. Снежинки» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Художница Зинаида Серебрякова в своих работах не изображала сам танец — она показывала зрителю закулисье. Как вспоминала дочь художницы Татьяна Серебрякова, ее мать получила разрешение бывать за кулисами театра по средам и воскресеньям — в дни балетных спектаклей. Там она наблюдала за гримирующимися артистками, знакомилась с ними и делала наброски будущих картин. А позже писала балерин, которые преображаются перед спектаклем и готовятся выйти на сцену.
Работу «Балетная уборная. Снежинки» Серебрякова написала в 1923 году. Юные артистки на полотне готовятся к «Танцу снежинок» из балета Чайковского «Щелкунчик». Одна надевает пуанты, другая поправляет лямку на плече, поглядывая на зрителя, будто в зеркало. На дальнем плане девушка собирает волосы в сценическую прическу. На лицах танцовщиц легкая улыбка — кажется, что именно в этот момент они перевоплощаются. Улыбчивыми, кокетливыми и грациозными Зинаида Серебрякова писала своих героинь на всех полотнах балетной серии.
* Зинаида Серебрякова. Балетная уборная. Снежинки. 1923. Государственный Русский музей
Художница Зинаида Серебрякова в своих работах не изображала сам танец — она показывала зрителю закулисье. Как вспоминала дочь художницы Татьяна Серебрякова, ее мать получила разрешение бывать за кулисами театра по средам и воскресеньям — в дни балетных спектаклей. Там она наблюдала за гримирующимися артистками, знакомилась с ними и делала наброски будущих картин. А позже писала балерин, которые преображаются перед спектаклем и готовятся выйти на сцену.
«Дома у нас бывали танцовщицы. Мама купила балетные пачки, корсажи, трико, туфли — полное облачение балерины, и сама надевала его, принимая перед зеркалом те или иные позы, необходимые для задуманных ею композиций. <…> В своих работах, посвященных балету, шла своим путем, видела этот мир своими глазами», — Татьяна Серебрякова.
Работу «Балетная уборная. Снежинки» Серебрякова написала в 1923 году. Юные артистки на полотне готовятся к «Танцу снежинок» из балета Чайковского «Щелкунчик». Одна надевает пуанты, другая поправляет лямку на плече, поглядывая на зрителя, будто в зеркало. На дальнем плане девушка собирает волосы в сценическую прическу. На лицах танцовщиц легкая улыбка — кажется, что именно в этот момент они перевоплощаются. Улыбчивыми, кокетливыми и грациозными Зинаида Серебрякова писала своих героинь на всех полотнах балетной серии.
* Зинаида Серебрякова. Балетная уборная. Снежинки. 1923. Государственный Русский музей
❤83👍41🔥4👎3
Картина Константина Маковского «Дети, бегущие от грозы» #КартинаВДеталях_КультураРФ
В 1870 году Константин Маковский стал одним из основателей Товарищества передвижников. Ключевым постулатом передвижников было «стремление к реальному и повседневному». Путешествуя по России и Украине, живописец наблюдал жизнь крестьян, собирал сюжеты для своих будущих полотен, делал наброски и этюды.
По легенде, с убегающей от грозы «Аленушкой» живописец познакомился в Тамбовской губернии. Она была в толпе крестьянских детей, которые наблюдали за работой художника. Маковский хотел написать ее портрет, но на следующий день девочка «на этюды» не пришла. Позже Маковскому рассказали, что малышка попала вместе со своим младшим братом под дождь и простудилась. Так у Маковского родилась идея полотна. Цветовые переходы от золотистой ржи к свинцовым тучам на горизонте Маковский создавал не только кистями, но и пальцами, вновь используя живописную фактуру как выразительное средство. «Дети, бегущие от грозы» попали в собрание картин семейства Нарышкиных, а сейчас картина хранится в Третьяковской галерее.
* Константин Маковский. Дети, бегущие от грозы. 1872. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В 1870 году Константин Маковский стал одним из основателей Товарищества передвижников. Ключевым постулатом передвижников было «стремление к реальному и повседневному». Путешествуя по России и Украине, живописец наблюдал жизнь крестьян, собирал сюжеты для своих будущих полотен, делал наброски и этюды.
По легенде, с убегающей от грозы «Аленушкой» живописец познакомился в Тамбовской губернии. Она была в толпе крестьянских детей, которые наблюдали за работой художника. Маковский хотел написать ее портрет, но на следующий день девочка «на этюды» не пришла. Позже Маковскому рассказали, что малышка попала вместе со своим младшим братом под дождь и простудилась. Так у Маковского родилась идея полотна. Цветовые переходы от золотистой ржи к свинцовым тучам на горизонте Маковский создавал не только кистями, но и пальцами, вновь используя живописную фактуру как выразительное средство. «Дети, бегущие от грозы» попали в собрание картин семейства Нарышкиных, а сейчас картина хранится в Третьяковской галерее.
* Константин Маковский. Дети, бегущие от грозы. 1872. Государственная Третьяковская галерея, Москва
👍93❤52
Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Картина «Лунная ночь на Днепре» была написана Архипом Куинджи в то время, когда он окончательно вышел из Товарищества передвижных выставок: необходимость вписываться в определенную программу этого объединения сковывала художника. Картины Куинджи были необыкновенно популярны. Так, например, «Лунную ночь на Днепре», завораживавшую зрителей серебристым лунным сиянием, автор показывал зимой 1881 года всем желающим прямо в своей мастерской, открывая ее на два часа по воскресеньям. Затем для картины — случай небывалый в России — была организована выставка в зале Общества поощрения художеств, где экспонировалось только это полотно.
Картину приобрел великий князь Константин Николаевич, который взял «Лунную ночь…» — несмотря на уговоры Тургенева — с собой в кругосветное путешествие. Это не пошло на пользу картине — ее краски стали темнеть.
В поиске новых эффектных цветовых решений Куинджи экспериментировал с красками, различными пигментами, изучал влияние света на материалы. Его эксперименты, вызывавшие большой интерес коллег, впрочем, не были поддержаны другими художниками, которые опасались (и справедливо) недолговечности новых комбинаций красок.
В 1882 году, на вершине успеха и популярности, Архип Куинджи прекратил официальную работу художника, перестал выставляться. Все произведения, созданные в оставшиеся годы (около 500 картин), стали известны только после его смерти. Куинджи был финансово независим, его картины продавались, что позволило ему купить в Крыму имение Сара-Кикенеиз в 245 десятин. Он путешествовал по Кавказу, преподавал и принимал участие в сложном процессе обновления Академии художеств.
Последняя выставка работ Куинджи состоялась в 1901 году. После смерти художника в 1910 году, согласно завещанию, в котором он позаботился обо всех близких ему людях, его капитал (453 300 рублей) и все художественное наследие, оцененное в полмиллиона рублей, были переданы Обществу имени А.И. Куинджи.
* Архип Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 1880. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина «Лунная ночь на Днепре» была написана Архипом Куинджи в то время, когда он окончательно вышел из Товарищества передвижных выставок: необходимость вписываться в определенную программу этого объединения сковывала художника. Картины Куинджи были необыкновенно популярны. Так, например, «Лунную ночь на Днепре», завораживавшую зрителей серебристым лунным сиянием, автор показывал зимой 1881 года всем желающим прямо в своей мастерской, открывая ее на два часа по воскресеньям. Затем для картины — случай небывалый в России — была организована выставка в зале Общества поощрения художеств, где экспонировалось только это полотно.
Художник Яков Минченков вспоминал: «…выставочный зал не вмещал публики, образовалась очередь, и экипажи посетителей тянулись по всей Морской улице».
Картину приобрел великий князь Константин Николаевич, который взял «Лунную ночь…» — несмотря на уговоры Тургенева — с собой в кругосветное путешествие. Это не пошло на пользу картине — ее краски стали темнеть.
В поиске новых эффектных цветовых решений Куинджи экспериментировал с красками, различными пигментами, изучал влияние света на материалы. Его эксперименты, вызывавшие большой интерес коллег, впрочем, не были поддержаны другими художниками, которые опасались (и справедливо) недолговечности новых комбинаций красок.
В 1882 году, на вершине успеха и популярности, Архип Куинджи прекратил официальную работу художника, перестал выставляться. Все произведения, созданные в оставшиеся годы (около 500 картин), стали известны только после его смерти. Куинджи был финансово независим, его картины продавались, что позволило ему купить в Крыму имение Сара-Кикенеиз в 245 десятин. Он путешествовал по Кавказу, преподавал и принимал участие в сложном процессе обновления Академии художеств.
Последняя выставка работ Куинджи состоялась в 1901 году. После смерти художника в 1910 году, согласно завещанию, в котором он позаботился обо всех близких ему людях, его капитал (453 300 рублей) и все художественное наследие, оцененное в полмиллиона рублей, были переданы Обществу имени А.И. Куинджи.
* Архип Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 1880. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
👍75❤44🔥23
Иван Айвазовский и Илья Репин «Прощание Пушкина с морем» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Айвазовский и Пушкин встретились в 1836 году на выставке в Академии художеств, где мариниста представили как одного из самых талантливых учеников. Позже Айвазовский по памяти изобразил Пушкина на 20 картинах — на всех поэт нарисован в отдалении. В конце 1870-х годов Айвазовский взялся за монументальное полотно — «Прощание Пушкина с морем», а крупную фигуру Пушкина на переднем плане попросил написать своего друга — Илью Репина. Тот вспоминал: «Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку». Критики называли репинского Пушкина одним из самых достоверных портретов поэта.
Однако на собственных полотнах Репин так и не смог изобразить Пушкина. Художник писал портрет поэта почти 20 лет, подготовил около сотни эскизов. В 1917 году он жаловался Леониду Андрееву: «И до сих пор злополучный холст, уже объерзанный в краях, уже наслоенный красками, местами вроде барельефа, все еще не заброшен мною в темный угол… <…> …я подскакиваю, со всем запасом моих застарелых углей и дерзаю, дерзаю, дерзаю… до полной потери старческих сил».
Картина «Прощание Пушкина с морем» стала своего рода иллюстрацией стихотворения «К морю».
* Иван Айвазовский, Илья Репин. Прощание Пушкина с морем. 1877. Всероссийский музей А.С. Пушкина, Санкт-Петербург
Айвазовский и Пушкин встретились в 1836 году на выставке в Академии художеств, где мариниста представили как одного из самых талантливых учеников. Позже Айвазовский по памяти изобразил Пушкина на 20 картинах — на всех поэт нарисован в отдалении. В конце 1870-х годов Айвазовский взялся за монументальное полотно — «Прощание Пушкина с морем», а крупную фигуру Пушкина на переднем плане попросил написать своего друга — Илью Репина. Тот вспоминал: «Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку». Критики называли репинского Пушкина одним из самых достоверных портретов поэта.
Однако на собственных полотнах Репин так и не смог изобразить Пушкина. Художник писал портрет поэта почти 20 лет, подготовил около сотни эскизов. В 1917 году он жаловался Леониду Андрееву: «И до сих пор злополучный холст, уже объерзанный в краях, уже наслоенный красками, местами вроде барельефа, все еще не заброшен мною в темный угол… <…> …я подскакиваю, со всем запасом моих застарелых углей и дерзаю, дерзаю, дерзаю… до полной потери старческих сил».
Картина «Прощание Пушкина с морем» стала своего рода иллюстрацией стихотворения «К морю».
Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.
Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз...
* Иван Айвазовский, Илья Репин. Прощание Пушкина с морем. 1877. Всероссийский музей А.С. Пушкина, Санкт-Петербург
❤91👍45👎3🔥3
Этюд «Юность Сергия» Михаила Нестерова #КартинаВДеталях_КультураРФ
Этот этюд художник Михаил Нестеров написал в 1891 году. В это время он работал над большим полотном — картиной «Юность преподобного Сергия», ее мастер писал пять лет. Сегодня она хранится в Третьяковской галерее.
Всего художник посвятил иеромонаху Русской церкви Сергию Радонежскому более 15 картин, все они объединены в так называемый «Сергиевский цикл». Для Нестерова этот святой стал воплощением нравственного идеала — образ его волновал художника на протяжении всей жизни. Он говорил: «Я писал жизнь хорошего русского человека XIV века, чуткого к природе и ее красоте… любившего родину и стремившегося к правде. Я передаю легенду, сложенную в давние годы родным моим народом о людях, которых он отметил любовью и памятью».
Художнику позировало множество людей — он постоянно находился в творческом поиске.
Он планировал написать лицо Сергия Радонежского со своего друга, живописца Аполлинария Васнецова, который, несмотря на солидный возраст, выглядел очень молодо. Но после нескольких неудачных попыток Михаил Нестеров написал лик святого с лица неизвестной девушки.
Образ Сергия Радонежского художник поместил на нейтральный фон, благодаря этому картина стилистически похожа на икону. В нижней части этюда Михаил Нестеров прописал яркую траву, она напоминает позем — так на иконах условно обозначают землю.
Эскизы и этюды к картине «Юность преподобного Сергия» хранятся в разных музеях России. Этот этюд находится в собрании Самарского областного художественного музея. В правом нижнем углу картины Михаил Нестеров оставил свою подпись со словами «Даръ Самарскому музею».
В 1891 году в Самаре открылся художественный отдел при Публичном музее, возникшем в 1886 году. Местные живописцы обратились к коллегам с просьбой передать свои работы в музейную коллекцию. Михаил Нестеров подарил музею две картины — этот этюд и работу «Старец. Раб Божий Авраамий».
* Михаил Нестеров. Юность Сергия. 1891. Самарский областной художественный музей, Самара
Этот этюд художник Михаил Нестеров написал в 1891 году. В это время он работал над большим полотном — картиной «Юность преподобного Сергия», ее мастер писал пять лет. Сегодня она хранится в Третьяковской галерее.
Всего художник посвятил иеромонаху Русской церкви Сергию Радонежскому более 15 картин, все они объединены в так называемый «Сергиевский цикл». Для Нестерова этот святой стал воплощением нравственного идеала — образ его волновал художника на протяжении всей жизни. Он говорил: «Я писал жизнь хорошего русского человека XIV века, чуткого к природе и ее красоте… любившего родину и стремившегося к правде. Я передаю легенду, сложенную в давние годы родным моим народом о людях, которых он отметил любовью и памятью».
Художнику позировало множество людей — он постоянно находился в творческом поиске.
Нестеров вспоминал: «…чего я особенно боялся — это лица Сергия. Лицо это мерещилось еще смутно, и я не имел для него такого надежного этюда, как для «Варфоломея»… Однако это неясное [лицо] необходимо было сделать ясным, убедительным. Вот тут-то и начались часы сомнений, тревоги…»
Он планировал написать лицо Сергия Радонежского со своего друга, живописца Аполлинария Васнецова, который, несмотря на солидный возраст, выглядел очень молодо. Но после нескольких неудачных попыток Михаил Нестеров написал лик святого с лица неизвестной девушки.
Образ Сергия Радонежского художник поместил на нейтральный фон, благодаря этому картина стилистически похожа на икону. В нижней части этюда Михаил Нестеров прописал яркую траву, она напоминает позем — так на иконах условно обозначают землю.
Эскизы и этюды к картине «Юность преподобного Сергия» хранятся в разных музеях России. Этот этюд находится в собрании Самарского областного художественного музея. В правом нижнем углу картины Михаил Нестеров оставил свою подпись со словами «Даръ Самарскому музею».
В 1891 году в Самаре открылся художественный отдел при Публичном музее, возникшем в 1886 году. Местные живописцы обратились к коллегам с просьбой передать свои работы в музейную коллекцию. Михаил Нестеров подарил музею две картины — этот этюд и работу «Старец. Раб Божий Авраамий».
* Михаил Нестеров. Юность Сергия. 1891. Самарский областной художественный музей, Самара
👍54❤31
Картина Виктора Васнецова «Аленушка» #КартинаВДеталях_КультураРФ
Грусть Аленушки — по сюжету сказочному, но написана картина с реальной девушки. В 1879–1881 годах художник много работал в имении Саввы Мамонтова Абрамцево и соседней Ахтырке. Именно там Виктор Васнецов приметил свою Аленушку — простоволосую крестьянскую девушку.
«Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах, что я прямо ахнул, когда встретился с нею. Каким-то особым русским духом веяло от нее!» — вспоминал Васнецов.
Одиночество и «русская тоска» определили сюжет. А черты, по признанию художника, — Веруши Мамонтовой, дочери известного мецената. Вторит девичьей печали и природа, переплетаясь с поэзией народных сказаний.
Картина была представлена публике в 1881 году на 9-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок — сначала в Петербурге, потом в Москве. Художник назвал полотно именем героини, не дав никаких пояснений. Но уже первые критики отметили в нем сказочный дух. А позднее васнецовскую Аленушку прочно связали с безутешной сестрицей Иванушки, превратившегося в козленочка.
* Виктор Васнецов. Аленушка. 1881. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Грусть Аленушки — по сюжету сказочному, но написана картина с реальной девушки. В 1879–1881 годах художник много работал в имении Саввы Мамонтова Абрамцево и соседней Ахтырке. Именно там Виктор Васнецов приметил свою Аленушку — простоволосую крестьянскую девушку.
«Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах, что я прямо ахнул, когда встретился с нею. Каким-то особым русским духом веяло от нее!» — вспоминал Васнецов.
Одиночество и «русская тоска» определили сюжет. А черты, по признанию художника, — Веруши Мамонтовой, дочери известного мецената. Вторит девичьей печали и природа, переплетаясь с поэзией народных сказаний.
Картина была представлена публике в 1881 году на 9-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок — сначала в Петербурге, потом в Москве. Художник назвал полотно именем героини, не дав никаких пояснений. Но уже первые критики отметили в нем сказочный дух. А позднее васнецовскую Аленушку прочно связали с безутешной сестрицей Иванушки, превратившегося в козленочка.
* Виктор Васнецов. Аленушка. 1881. Государственная Третьяковская галерея, Москва
👍76❤42👎1
«Явление Христа народу», или «Явление Мессии», Александра Иванова #КартинаВДеталях_КультураРФ
В 1830 году Александр Иванов выехал из России в Европу. Там он должен был изучать памятники итальянского искусства, а затем создать собственное творение. Художник долго выбирал сюжет для своей картины и наконец остановился на евангельской теме — моменте явления Христа народу. Изначально он думал написать относительно небольшое полотно, но позднее приобрел огромный холст 7,5 метра в длину и 5,4 метра в высоту. Когда он сообщил в письме Академии о своем будущем плане, учителя не поддержали его. Тем не менее Иванов стал воплощать свой замысел.
Однако чем дольше Иванов работал над картиной, тем больше в ней находил недостатков. Чтобы персонажи получались максимально яркими и выразительными, он создавал несколько этюдов для каждого героя — карандашом и масляными красками. По пятницам и субботам ходил в римскую синагогу и внимательно всматривался в движения, мимику и черты лиц местных прихожан, делал множество заметок из Священного Писания.
Некоторых персонажей картины Иванов писал с реальных личностей — своих современников. Так, в облике «ближайшего ко Христу» человека заметны черты Николая Гоголя, а в виде странника с посохом автор изобразил самого себя.
В 1858 году Александр Иванов вместе с картиной «Явление Мессии» отправился на родину. Сначала он планировал везти полотно поездом до немецкого города Киля, затем — из местного порта пароходом в Петербург. Огромный вал с холстом не влезал ни в багажный вагон, ни в трюм корабля, поэтому Иванов с помощью меценатов оплатил открытую платформу и специальные укрепления на палубе. Так по железной дороге, а потом по морю картина благополучно прибыла в столицу Российской империи.
В Санкт-Петербурге полотно выставили в Зимнем дворце. Император Александр II выкупил картину и назначил автору пожизненную пенсию. На полученные средства художник надеялся отправиться в путешествие на Восток и по возвращении создать серию картин на библейские темы. Но воспользоваться содержанием Иванов не успел. 15 июля 1858 года он скоропостижно скончался от холеры.
Александр Иванов работал над «Явлением Христа народу» более 20 лет, создал около 600 эскизов фигур и набросков с натуры.
* Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837–1857. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В 1830 году Александр Иванов выехал из России в Европу. Там он должен был изучать памятники итальянского искусства, а затем создать собственное творение. Художник долго выбирал сюжет для своей картины и наконец остановился на евангельской теме — моменте явления Христа народу. Изначально он думал написать относительно небольшое полотно, но позднее приобрел огромный холст 7,5 метра в длину и 5,4 метра в высоту. Когда он сообщил в письме Академии о своем будущем плане, учителя не поддержали его. Тем не менее Иванов стал воплощать свой замысел.
Однако чем дольше Иванов работал над картиной, тем больше в ней находил недостатков. Чтобы персонажи получались максимально яркими и выразительными, он создавал несколько этюдов для каждого героя — карандашом и масляными красками. По пятницам и субботам ходил в римскую синагогу и внимательно всматривался в движения, мимику и черты лиц местных прихожан, делал множество заметок из Священного Писания.
Некоторых персонажей картины Иванов писал с реальных личностей — своих современников. Так, в облике «ближайшего ко Христу» человека заметны черты Николая Гоголя, а в виде странника с посохом автор изобразил самого себя.
В 1858 году Александр Иванов вместе с картиной «Явление Мессии» отправился на родину. Сначала он планировал везти полотно поездом до немецкого города Киля, затем — из местного порта пароходом в Петербург. Огромный вал с холстом не влезал ни в багажный вагон, ни в трюм корабля, поэтому Иванов с помощью меценатов оплатил открытую платформу и специальные укрепления на палубе. Так по железной дороге, а потом по морю картина благополучно прибыла в столицу Российской империи.
В Санкт-Петербурге полотно выставили в Зимнем дворце. Император Александр II выкупил картину и назначил автору пожизненную пенсию. На полученные средства художник надеялся отправиться в путешествие на Восток и по возвращении создать серию картин на библейские темы. Но воспользоваться содержанием Иванов не успел. 15 июля 1858 года он скоропостижно скончался от холеры.
Александр Иванов работал над «Явлением Христа народу» более 20 лет, создал около 600 эскизов фигур и набросков с натуры.
* Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837–1857. Государственная Третьяковская галерея, Москва
❤85👍51🔥13
«Взятие снежного городка» Василия Сурикова #КартинаВДеталях_КультураРФ
Полотно «Взятие снежного городка» Василий Суриков написал в Красноярске в 1891 году. Это единственная большая картина художника, на которой не отражены исторические события.
Сюжет картины Сурикову навеяли воспоминания. В годы его детства снежный городок брали в последний день Масленицы. Стены крепости заливали водой, игроки делились на команды, и начинался штурм. Всадники атаковали, «осажденные» оборонялись подручными средствами — метлами и ветками. Игра заканчивалась, когда снежный городок был полностью разрушен.
На картине художник тщательно прописал детали традиционной крестьянской одежды. Здесь и расшитые валенки, и расписные платки, и тулупы с кушаками, и высокие шапки, опушенные мехом. В глубоких санях, украшенных ковром, едут мимо городка горожане — девочка в горностаевой пелерине, мужчина в шубе и дама в пуховом платке и с муфтой. Их прототипами стали реальные люди: племянница Сурикова Таня Доможилова, брат художника Александр Суриков и Екатерина Рачковская — жена известного красноярского доктора.
Картину «Взятие снежного городка» выставляли в 1900 году на Всемирной выставке в Париже. Полотно получило именную медаль.
* Василий Суриков. Взятие снежного городка. 1900. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
«Помню, как «городок» брали. Городок снежный. И конь черный прямо на меня… Я его потом в картину вставил» — Василий Суриков.
Полотно «Взятие снежного городка» Василий Суриков написал в Красноярске в 1891 году. Это единственная большая картина художника, на которой не отражены исторические события.
Сюжет картины Сурикову навеяли воспоминания. В годы его детства снежный городок брали в последний день Масленицы. Стены крепости заливали водой, игроки делились на команды, и начинался штурм. Всадники атаковали, «осажденные» оборонялись подручными средствами — метлами и ветками. Игра заканчивалась, когда снежный городок был полностью разрушен.
На картине художник тщательно прописал детали традиционной крестьянской одежды. Здесь и расшитые валенки, и расписные платки, и тулупы с кушаками, и высокие шапки, опушенные мехом. В глубоких санях, украшенных ковром, едут мимо городка горожане — девочка в горностаевой пелерине, мужчина в шубе и дама в пуховом платке и с муфтой. Их прототипами стали реальные люди: племянница Сурикова Таня Доможилова, брат художника Александр Суриков и Екатерина Рачковская — жена известного красноярского доктора.
Картину «Взятие снежного городка» выставляли в 1900 году на Всемирной выставке в Париже. Полотно получило именную медаль.
* Василий Суриков. Взятие снежного городка. 1900. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
❤73👍46🔥7