Нани Брегвадзе о современной музыке:
«Уровень плохой. Это не то. Я надеюсь, что это временное. Я успокаиваюсь тем, что не только у нас так, а везде. Время пришло такое. Вот после войны, какие песни писались. Музыка, литература, поэзия, живопись – всё было на уровне. Было начало XX века и с тех пор пошло, и пошло до 80-го года. А после, все сошло на нет. Сейчас мы на нуле, точно. И бороться не получается. Во время расцвета моего творчества всем нравилось как я пела. Но я к себе критично относилась, мне что-то не нравилось. И когда прошло время, я поняла, что глубины не было. Не было понятия, о чём я пою. В общем-то я понимала, но не так как сейчас. А сейчас уже поздно. Голоса нет, но хорошо понимаю всё».
«Уровень плохой. Это не то. Я надеюсь, что это временное. Я успокаиваюсь тем, что не только у нас так, а везде. Время пришло такое. Вот после войны, какие песни писались. Музыка, литература, поэзия, живопись – всё было на уровне. Было начало XX века и с тех пор пошло, и пошло до 80-го года. А после, все сошло на нет. Сейчас мы на нуле, точно. И бороться не получается. Во время расцвета моего творчества всем нравилось как я пела. Но я к себе критично относилась, мне что-то не нравилось. И когда прошло время, я поняла, что глубины не было. Не было понятия, о чём я пою. В общем-то я понимала, но не так как сейчас. А сейчас уже поздно. Голоса нет, но хорошо понимаю всё».
❤11
Пять причин присоединиться к нашему онлайн-курсу по режиссуре:
1. Мастер с серьёзной профессиональной базой
Эффективность обучения во многом зависит от квалификации педагога. Иван Стависский — представитель выдающейся режиссёрской школы, ученик Льва Додина, Зиновия Корогодского и Мара Сулимова. Эти имена вошли в историю отечественного театра, и опыт, переданный ими, составляет основу методики курса.
2. Системное освоение действенного анализа.
Метод действенного анализа — ключевой инструмент для работы с драматургическим текстом. На курсе участники последовательно разбирают путь от первого прочтения пьесы до формирования режиссёрского замысла. По итогам обучения у участников остаются материалы для самостоятельного углубления в тему.
3. Гибкие форматы участия.
Курс рассчитан на 24 занятия общей продолжительностью 36 академических часов. Для удобства участников предусмотрены три формата участия: «Стандарт», «Профи» и «VIP». Каждый может выбрать вариант, соответствующий его задачам и ритму жизни.
4. Продуманный темп обучения.
Программа проходит в течение двух месяцев, занятия распределены равномерно. Такой график позволяет совмещать обучение с профессиональной деятельностью и сохранять устойчивый ритм работы без перегрузок.
5. Доверие к педагогу, проверенное временем.
Это уже пятый поток нашего режиссёрского курса — одного из самых востребованных и ожидаемых в Академии Современного театра. Это стало возможным благодаря Ивану Яновичу Стависскому: обаятельному педагогу, который умеет заражать участников любовью к профессии. Наше многолетнее сотрудничество подтверждает его экспертизу — способность не только создавать яркие спектакли, но и передавать знания так, чтобы каждый участник почувствовал уверенность в своём режиссёрском пути.
Старт занятий — 21 сентября!
Подробности и запись.
1. Мастер с серьёзной профессиональной базой
Эффективность обучения во многом зависит от квалификации педагога. Иван Стависский — представитель выдающейся режиссёрской школы, ученик Льва Додина, Зиновия Корогодского и Мара Сулимова. Эти имена вошли в историю отечественного театра, и опыт, переданный ими, составляет основу методики курса.
2. Системное освоение действенного анализа.
Метод действенного анализа — ключевой инструмент для работы с драматургическим текстом. На курсе участники последовательно разбирают путь от первого прочтения пьесы до формирования режиссёрского замысла. По итогам обучения у участников остаются материалы для самостоятельного углубления в тему.
3. Гибкие форматы участия.
Курс рассчитан на 24 занятия общей продолжительностью 36 академических часов. Для удобства участников предусмотрены три формата участия: «Стандарт», «Профи» и «VIP». Каждый может выбрать вариант, соответствующий его задачам и ритму жизни.
4. Продуманный темп обучения.
Программа проходит в течение двух месяцев, занятия распределены равномерно. Такой график позволяет совмещать обучение с профессиональной деятельностью и сохранять устойчивый ритм работы без перегрузок.
5. Доверие к педагогу, проверенное временем.
Это уже пятый поток нашего режиссёрского курса — одного из самых востребованных и ожидаемых в Академии Современного театра. Это стало возможным благодаря Ивану Яновичу Стависскому: обаятельному педагогу, который умеет заражать участников любовью к профессии. Наше многолетнее сотрудничество подтверждает его экспертизу — способность не только создавать яркие спектакли, но и передавать знания так, чтобы каждый участник почувствовал уверенность в своём режиссёрском пути.
Старт занятий — 21 сентября!
Подробности и запись.
❤3
#стильно_модно_театрально
Ирэна Белоусова
В 1993 году Ирэна Белоусова окончила постановочный факультет Школы-студии МХАТ по специальности «художник по костюмам театра и кино». Сегодня она работает над спектаклями практически всех жанров: от драмы и балета до пластических постановок и мюзиклов.
Пять спектаклей:
1. Мюзикл «Восемь женщин», режиссёр Борис Мильграм, Пермский Театр-Театр.
2. Пластический спектакль «Картины из жизни доктора Фауста», режиссёр-хореограф Егор Дружинин, Театр кукол имени Образцова (Москва).
3. Балет «Ромео и Джульетта», хореограф Вячеслав Самодуров, Екатеринбургский театр оперы и балета.
4. «Репетиция оркестра», режиссёр Владимир Панков, «Ленком Марка Захарова» (Москва).
5. «Эта прекрасная жизнь», режиссёр Роман Самгин, Театр имени Пушкина (Москва).
Максим Васюнов о спектакле «Картины из жизни доктора Фауста»: «Особая роскошь спектакля — костюмы (кстати, сшитые вручную). Что-то здесь — из позднего Средневековья, с гравюр по мотивам произведений Данте, а что-то и вовсе из барочного XVIII века. Метафора безвременья добавляет зрителю тревожности и страха, что весь этот балет — не плод воображения».
Татьяна Кузнецова о постановке «Ромео и Джульетта»: «Балет Самодурова приятен во многих отношениях. Концепция его доходчива: человечество во все времена склонно к насилию, и феодальная вражда семейств тут особой роли не играет. Поэтому в спектакле не отличить Монтекки от Капулетти, на шекспировскую эпоху намекает разве что красная трёхъярусная конструкция декораций (сценограф Энтони Макилуэйн имел в виду театр "Глобус"). Зато растянутые майки с принтами в виде ренессансных портретов, приспущенные штаны с подтяжками, лифчики, надетые поверх платьев (художник по костюмам Ирэна Белоусова) недвусмысленно отсылают к молодёжной культуре ХХI века, равно как и жестикуляция и манера поведения буйного населения города — хоть Гента, в котором Вячеслав Самодуров поставил первую редакцию балета, хоть Екатеринбурга».
Ирэна Белоусова
В 1993 году Ирэна Белоусова окончила постановочный факультет Школы-студии МХАТ по специальности «художник по костюмам театра и кино». Сегодня она работает над спектаклями практически всех жанров: от драмы и балета до пластических постановок и мюзиклов.
Пять спектаклей:
1. Мюзикл «Восемь женщин», режиссёр Борис Мильграм, Пермский Театр-Театр.
2. Пластический спектакль «Картины из жизни доктора Фауста», режиссёр-хореограф Егор Дружинин, Театр кукол имени Образцова (Москва).
3. Балет «Ромео и Джульетта», хореограф Вячеслав Самодуров, Екатеринбургский театр оперы и балета.
4. «Репетиция оркестра», режиссёр Владимир Панков, «Ленком Марка Захарова» (Москва).
5. «Эта прекрасная жизнь», режиссёр Роман Самгин, Театр имени Пушкина (Москва).
Максим Васюнов о спектакле «Картины из жизни доктора Фауста»: «Особая роскошь спектакля — костюмы (кстати, сшитые вручную). Что-то здесь — из позднего Средневековья, с гравюр по мотивам произведений Данте, а что-то и вовсе из барочного XVIII века. Метафора безвременья добавляет зрителю тревожности и страха, что весь этот балет — не плод воображения».
Татьяна Кузнецова о постановке «Ромео и Джульетта»: «Балет Самодурова приятен во многих отношениях. Концепция его доходчива: человечество во все времена склонно к насилию, и феодальная вражда семейств тут особой роли не играет. Поэтому в спектакле не отличить Монтекки от Капулетти, на шекспировскую эпоху намекает разве что красная трёхъярусная конструкция декораций (сценограф Энтони Макилуэйн имел в виду театр "Глобус"). Зато растянутые майки с принтами в виде ренессансных портретов, приспущенные штаны с подтяжками, лифчики, надетые поверх платьев (художник по костюмам Ирэна Белоусова) недвусмысленно отсылают к молодёжной культуре ХХI века, равно как и жестикуляция и манера поведения буйного населения города — хоть Гента, в котором Вячеслав Самодуров поставил первую редакцию балета, хоть Екатеринбурга».
❤3
От вопроса к замыслу: системный подход к режиссуре
Настоящая работа над спектаклем часто начинается не на репетиционной площадке, а в момент осмысления драматургического материала: «Зачем я ставлю эту пьесу?», «Что происходит между строк?», «Как объединить эпизоды в целостный организм?» — правильно заданные вопросы, свидетельствующие о готовности к переходу на новый уровень мастерства.
Курс «Застольный период методом действенного анализа» создан для того, чтобы заменить интуитивные догадки точным профессиональным инструментарием. Под руководством Ивана Яновича Стависского — режиссёра, педагога и близкого друга Академии Современного театра
— участники пройдут полный путь от первого прочтения текста до формирования структуры будущего спектакля.
В программе курса — глубокий разбор трёх знаковых пьес: «Мамаша Кураж» Бертольта Брехта, «Кто боится Вирджинии Вульф?» Эдварда Олби и «Чайка» Антона Чехова. За два месяца, включающие 24 занятия (36 академических часов), вы освоите метод, который позволяет видеть в тексте не просто слова, а потенциал для сценического действия.
Старт пятого, юбилейного потока — 21 сентября!
Присоединяйтесь к участникам курса.
Настоящая работа над спектаклем часто начинается не на репетиционной площадке, а в момент осмысления драматургического материала: «Зачем я ставлю эту пьесу?», «Что происходит между строк?», «Как объединить эпизоды в целостный организм?» — правильно заданные вопросы, свидетельствующие о готовности к переходу на новый уровень мастерства.
Курс «Застольный период методом действенного анализа» создан для того, чтобы заменить интуитивные догадки точным профессиональным инструментарием. Под руководством Ивана Яновича Стависского — режиссёра, педагога и близкого друга Академии Современного театра
— участники пройдут полный путь от первого прочтения текста до формирования структуры будущего спектакля.
В программе курса — глубокий разбор трёх знаковых пьес: «Мамаша Кураж» Бертольта Брехта, «Кто боится Вирджинии Вульф?» Эдварда Олби и «Чайка» Антона Чехова. За два месяца, включающие 24 занятия (36 академических часов), вы освоите метод, который позволяет видеть в тексте не просто слова, а потенциал для сценического действия.
Старт пятого, юбилейного потока — 21 сентября!
Присоединяйтесь к участникам курса.
🔥1
«О-й. Поздняя любовь»
Режиссёр: Дмитрий Крымов
«Школа драматического искусства»
Как отмечает Дмитрий Крымов в спектакле отражены человеческие страсти и переживания: «… которые нас будоражат и нами руководят. Персонажи пьесы существуют «на дне», где за копейку удавят, не задумываясь. И на этом дне общества ни с того ни с сего поселилась любовь, которой здесь не место. Она, словно бабочка, которая залетела в шахту... Правда, бабочка в угольной шахте тоже уже не совсем бабочка, она уже «мутировала». Здесь всё «мутировало» – и любовь, и деньги – всё приобрело гипертрофированный, но при этом обыденный вид. Пружина пьесы – человеческие чувства, которые, в общем, никому не нужны: их разменивают, но кто-то продолжает в них верить…».
Классическая пьеса о столкновении чистого чувства с миром наживы у Крымова превращается в абсурдный экшен с гротескными, почти сказочными трансформациями. Загадочное «О-й» сразу несколько значений, в первую очередь, здесь зашифрована фамилия драматурга-классика Александра Островского, автора пьесы «Поздняя любовь». И единодушное восклицание «Ой!» вырывается у зрителей в финале, когда предполагаемый хеппи-энд вдруг сменяется роковым выстрелом в грудь. Стреляется Николай (Александр Кузнецов), для которого женитьба и последующее мещанское «благолепие» хуже смерти.
Спектакль стал театральным дебютом для сегодняшнего именинника Александра Кузнецова. В этой экспериментальной постановке театра «Школа драматического искусства» (Лаборатория Дмитрия Крымова) Кузнецов исполнил одну из заметных ролей, продемонстрировав глубокую связь с крымовской школой «настоящей жизни» на сцене.
Режиссёр: Дмитрий Крымов
«Школа драматического искусства»
Как отмечает Дмитрий Крымов в спектакле отражены человеческие страсти и переживания: «… которые нас будоражат и нами руководят. Персонажи пьесы существуют «на дне», где за копейку удавят, не задумываясь. И на этом дне общества ни с того ни с сего поселилась любовь, которой здесь не место. Она, словно бабочка, которая залетела в шахту... Правда, бабочка в угольной шахте тоже уже не совсем бабочка, она уже «мутировала». Здесь всё «мутировало» – и любовь, и деньги – всё приобрело гипертрофированный, но при этом обыденный вид. Пружина пьесы – человеческие чувства, которые, в общем, никому не нужны: их разменивают, но кто-то продолжает в них верить…».
Классическая пьеса о столкновении чистого чувства с миром наживы у Крымова превращается в абсурдный экшен с гротескными, почти сказочными трансформациями. Загадочное «О-й» сразу несколько значений, в первую очередь, здесь зашифрована фамилия драматурга-классика Александра Островского, автора пьесы «Поздняя любовь». И единодушное восклицание «Ой!» вырывается у зрителей в финале, когда предполагаемый хеппи-энд вдруг сменяется роковым выстрелом в грудь. Стреляется Николай (Александр Кузнецов), для которого женитьба и последующее мещанское «благолепие» хуже смерти.
Спектакль стал театральным дебютом для сегодняшнего именинника Александра Кузнецова. В этой экспериментальной постановке театра «Школа драматического искусства» (Лаборатория Дмитрия Крымова) Кузнецов исполнил одну из заметных ролей, продемонстрировав глубокую связь с крымовской школой «настоящей жизни» на сцене.
❤13🔥1
В петербургском Театральном музее создают «спектакль-призрак» об уборщице-хранительнице
16 августа в петербургском Театре в Театральном музее (ТТМ) пройдёт премьера спектакля Ксении Пещик «Наследили здесь!», посвящённого бывшей сотруднице музея Федосье Барулиной. Площадкой для показа станет пространство Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства на улице Зодчего Росси.
Напомним, в марте в Санкт-Петербургском музее театрального и музыкального искусства прошёл фестиваль-марафон «Весь день — театр», на котором по итогам предварительного конкурса заявок были представлены эскизные работы четырёх режиссёров. Тема фестиваля в этом году — «Музей и его герои», поэтому эскизы были посвящены тем, кто стоял у истоков музея и работал в здании бывшей Дирекции Императорских театров на улице Зодчего Росси, а также артистам и режиссёрам, повлиявшим на развитие театрального искусства XX—XXI веков. Один из представленных эскизов уже стал полноценным спектаклем — недавно в том же пространстве музея на улице Зодчего Росси прошла премьера постановки Евгения Авраменко «Вера. Последний „Бой бабочек”». Войдёт в репертуар ТТМ и работа Ксении Пещик.
Жанр грядущей премьеры обозначен создателями как «спектакль-призрак». В основе постановки — история бывшей сотрудницы музея Федосьи Дементьевны Барулиной. В 1921 году Федосья Барулина начала работать в Театральном музее уборщицей, посвятив ему более 30 лет своей жизни. После смерти главного хранителя Анастасии Нотгафт в 1942 году, а затем директора и основателя музея Петра Шеффера и его заместителя Левкия Жевержеева, Барулина некоторое время в одиночку занималась сохранением коллекции экспонатов, которую сегодня во многом именно благодаря её усилиям мы и можем увидеть.
«Повествование ведётся от лица Федосьи Дементьевны Барулиной, которая работала в Театральном музее уборщицей и какое-то время после смерти директоров в блокадные годы охраняла наследие музея, — говорится в анонсе. — Персонаж уборщицы-хранительницы становится даже где-то мифическим и призрачным, ведь она знает всю историю музея и людей, по нему ходивших, — какие-то следы она бережно хранит, а какие-то хочет стереть навсегда. Каждый её рабочий день начинается и заканчивается одинаково. Хаос предметов и вещей необходимо разобрать, помыть и убрать. Но за этими бытовыми действиями стоит вся история музея и людей, которые здесь когда-то работали или бывали. Она же всегда была здесь и, возможно, остаётся прямо сейчас…».
Главную и единственную роль в моноспектакле исполнит экс-актриса Красноярского ТЮЗа Мария Нестрян.
Помимо режиссёра, над премьерой работают художник Шура Мошура и художник по свету Виктория Фадеева.
Ксения Пещик окончила факультет филологии и журналистики Сибирского федерального университета (специализация — «новая драма»). С 2021 года — штатный режиссёр Красноярского ТЮЗа, где поставила спектакли «203 платья», «Кто похитил Дюймовочку?» по мотивам сказки Андерсена, «Игры правого берега», «Первая любовь», «Всё как у всех» и другие.
Источник: «Театръ».
16 августа в петербургском Театре в Театральном музее (ТТМ) пройдёт премьера спектакля Ксении Пещик «Наследили здесь!», посвящённого бывшей сотруднице музея Федосье Барулиной. Площадкой для показа станет пространство Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства на улице Зодчего Росси.
Напомним, в марте в Санкт-Петербургском музее театрального и музыкального искусства прошёл фестиваль-марафон «Весь день — театр», на котором по итогам предварительного конкурса заявок были представлены эскизные работы четырёх режиссёров. Тема фестиваля в этом году — «Музей и его герои», поэтому эскизы были посвящены тем, кто стоял у истоков музея и работал в здании бывшей Дирекции Императорских театров на улице Зодчего Росси, а также артистам и режиссёрам, повлиявшим на развитие театрального искусства XX—XXI веков. Один из представленных эскизов уже стал полноценным спектаклем — недавно в том же пространстве музея на улице Зодчего Росси прошла премьера постановки Евгения Авраменко «Вера. Последний „Бой бабочек”». Войдёт в репертуар ТТМ и работа Ксении Пещик.
Жанр грядущей премьеры обозначен создателями как «спектакль-призрак». В основе постановки — история бывшей сотрудницы музея Федосьи Дементьевны Барулиной. В 1921 году Федосья Барулина начала работать в Театральном музее уборщицей, посвятив ему более 30 лет своей жизни. После смерти главного хранителя Анастасии Нотгафт в 1942 году, а затем директора и основателя музея Петра Шеффера и его заместителя Левкия Жевержеева, Барулина некоторое время в одиночку занималась сохранением коллекции экспонатов, которую сегодня во многом именно благодаря её усилиям мы и можем увидеть.
«Повествование ведётся от лица Федосьи Дементьевны Барулиной, которая работала в Театральном музее уборщицей и какое-то время после смерти директоров в блокадные годы охраняла наследие музея, — говорится в анонсе. — Персонаж уборщицы-хранительницы становится даже где-то мифическим и призрачным, ведь она знает всю историю музея и людей, по нему ходивших, — какие-то следы она бережно хранит, а какие-то хочет стереть навсегда. Каждый её рабочий день начинается и заканчивается одинаково. Хаос предметов и вещей необходимо разобрать, помыть и убрать. Но за этими бытовыми действиями стоит вся история музея и людей, которые здесь когда-то работали или бывали. Она же всегда была здесь и, возможно, остаётся прямо сейчас…».
Главную и единственную роль в моноспектакле исполнит экс-актриса Красноярского ТЮЗа Мария Нестрян.
Помимо режиссёра, над премьерой работают художник Шура Мошура и художник по свету Виктория Фадеева.
Ксения Пещик окончила факультет филологии и журналистики Сибирского федерального университета (специализация — «новая драма»). С 2021 года — штатный режиссёр Красноярского ТЮЗа, где поставила спектакли «203 платья», «Кто похитил Дюймовочку?» по мотивам сказки Андерсена, «Игры правого берега», «Первая любовь», «Всё как у всех» и другие.
Источник: «Театръ».
❤10❤🔥2👍1
«Русские сказки»
Гоголь-центр
Три дороги, двенадцать получасовых спектаклей и право зрителя самому выбрать маршрут. Чтобы увидеть всё, в «Гоголь-центр» нужно было прийти трижды: сказки разыгрывались в самых разных пространствах театра, превращая его в большой фольклорный лабиринт.
В основе постановки Александра Созонова, Евгении Беркович и Ильи Шагалова — сказки, собранные Александром Афанасьевым. Многие из них не вошли в хрестоматийный русский фольклор из-за простонародной лексики, телесности и радикально низкого юмора. Спектакль возвращал этот материал на сцену — без попытки сделать его приличнее и удобнее.
Зрители встречались с «Марией Моревной», «Ивашечкой», «Лихом одноглазым», «Правдой и Кривдой», «Чертом», «Ершишкой-плутишкой», «Василисой Прекрасной», «Бабой-ягой», «Жар-птицей» и другими историями. Сказки здесь не только рассказывали, но и пели, музыка была важной частью спектаклей.
Замысел «Русских сказок» возник в «Гоголь-центре» одновременно с идеей поставить поэму Николая Некрасова «Кому на Руси жить хорошо». Кирилл Серебренников объяснял связь двух проектов так:
«Соседство Некрасова и Афанасьева вполне органично. Они были друзьями: Некрасов издавал Афанасьева, на столе поэта в Карабихе лежит именно эта книга афанасьевских сказок. При этом во многом они, безусловно, противоположны. Некрасов сочинил, придумал „народный язык“ поэмы, впервые в литературе после Пушкина создав узнаваемую оригинальную строфу, Афанасьев тщательно записал все народные сказки со множеством вариаций, практически не обрабатывая оригинальный, как бы мы сегодня сказали, документальный материал. Вся поэма Некрасова, написанная уже после отмены крепостного права, задаётся вопросами свободы и рабства. Она про невозможность обретения свободы и удобство привычного рабства. Сказки же, наоборот, это пространство, где русский человек абсолютно свободен и словом, и телом».
А вы видели «Русские сказки»?
Гоголь-центр
Три дороги, двенадцать получасовых спектаклей и право зрителя самому выбрать маршрут. Чтобы увидеть всё, в «Гоголь-центр» нужно было прийти трижды: сказки разыгрывались в самых разных пространствах театра, превращая его в большой фольклорный лабиринт.
В основе постановки Александра Созонова, Евгении Беркович и Ильи Шагалова — сказки, собранные Александром Афанасьевым. Многие из них не вошли в хрестоматийный русский фольклор из-за простонародной лексики, телесности и радикально низкого юмора. Спектакль возвращал этот материал на сцену — без попытки сделать его приличнее и удобнее.
Зрители встречались с «Марией Моревной», «Ивашечкой», «Лихом одноглазым», «Правдой и Кривдой», «Чертом», «Ершишкой-плутишкой», «Василисой Прекрасной», «Бабой-ягой», «Жар-птицей» и другими историями. Сказки здесь не только рассказывали, но и пели, музыка была важной частью спектаклей.
Замысел «Русских сказок» возник в «Гоголь-центре» одновременно с идеей поставить поэму Николая Некрасова «Кому на Руси жить хорошо». Кирилл Серебренников объяснял связь двух проектов так:
«Соседство Некрасова и Афанасьева вполне органично. Они были друзьями: Некрасов издавал Афанасьева, на столе поэта в Карабихе лежит именно эта книга афанасьевских сказок. При этом во многом они, безусловно, противоположны. Некрасов сочинил, придумал „народный язык“ поэмы, впервые в литературе после Пушкина создав узнаваемую оригинальную строфу, Афанасьев тщательно записал все народные сказки со множеством вариаций, практически не обрабатывая оригинальный, как бы мы сегодня сказали, документальный материал. Вся поэма Некрасова, написанная уже после отмены крепостного права, задаётся вопросами свободы и рабства. Она про невозможность обретения свободы и удобство привычного рабства. Сказки же, наоборот, это пространство, где русский человек абсолютно свободен и словом, и телом».
А вы видели «Русские сказки»?
💔9❤3🔥2