Forwarded from Культура.РФ
Что такое соната? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Соната — один из основных жанров камерной инструментальной музыки. Как правило, это трехчастное циклическое произведение.
Термин «соната» пришел в русский язык из латыни: слово sonare переводится как «звучать». Так стали называть музыкальные произведения в XVI веке, чтобы отделить инструментальные сочинения от вокальных.
Изначально сонатой называли любое музыкальное произведение, но к XVIII веку этот термин закрепился за сочинениями с определенной структурой. Сонаты писали для одного или двух инструментов, а их композиция была трехчастной и состояла из экспозиции, разработки и репризы. В сонате всегда присутствовали две музыкальные темы, которые противопоставлялись друг другу и объединялись в репризе.
Во второй половине XVIII века сонатная форма вобрала в себя многое из музыки прошлых веков: от барокко — полифоническое звучание, от концертной формы — идею драматического развития, от оперы — динамичный сюжет.
Яркое развитие жанр сонаты получил благодаря Вольфгангу Амадею Моцарту. В его творчестве побочные музыкальные партии обрели особую четкость, а часть разработки расширилась и вместила в себя конфликт произведения. Самой известной сонатой композитора стала Соната для фортепиано №11, последнюю часть которой часто называют Турецким маршем.
Достигла своего расцвета сонатная форма в творчестве Людвига ван Бетховена. Именно благодаря ему соната окончательно сформировалась и обрела четкую, привычную нам структуру. Композитор создал 32 сонаты для фортепиано, 10 сонат для скрипки и пять — для виолончели. А самой известной стала его Соната для фортепиано №14, или Лунная соната. Второе название произведение получило уже после смерти Бетховена: так его озаглавил в своей статье немецкий литератор Людвиг Рельштаб.
Жанр сонаты не терял своей популярности на протяжении нескольких веков. В эпоху романтизма, например, сонаты писали Франц Шуберт, Феликс Мендельсон, Фридерик Шопен, Роберт Шуман и другие классики.
В России сонатную форму начал активно развивать Михаил Глинка: в 1825—1828 годы он написал Сонату для альта и фортепиано. Со временем жанр становился все популярнее у отечественных композиторов. Сонаты создавали Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Сергей Рахманинов. А произведения Александра Скрябина критики называют мостом от романтической сонаты к современной.
Соната — один из основных жанров камерной инструментальной музыки. Как правило, это трехчастное циклическое произведение.
Термин «соната» пришел в русский язык из латыни: слово sonare переводится как «звучать». Так стали называть музыкальные произведения в XVI веке, чтобы отделить инструментальные сочинения от вокальных.
Изначально сонатой называли любое музыкальное произведение, но к XVIII веку этот термин закрепился за сочинениями с определенной структурой. Сонаты писали для одного или двух инструментов, а их композиция была трехчастной и состояла из экспозиции, разработки и репризы. В сонате всегда присутствовали две музыкальные темы, которые противопоставлялись друг другу и объединялись в репризе.
Во второй половине XVIII века сонатная форма вобрала в себя многое из музыки прошлых веков: от барокко — полифоническое звучание, от концертной формы — идею драматического развития, от оперы — динамичный сюжет.
Яркое развитие жанр сонаты получил благодаря Вольфгангу Амадею Моцарту. В его творчестве побочные музыкальные партии обрели особую четкость, а часть разработки расширилась и вместила в себя конфликт произведения. Самой известной сонатой композитора стала Соната для фортепиано №11, последнюю часть которой часто называют Турецким маршем.
Достигла своего расцвета сонатная форма в творчестве Людвига ван Бетховена. Именно благодаря ему соната окончательно сформировалась и обрела четкую, привычную нам структуру. Композитор создал 32 сонаты для фортепиано, 10 сонат для скрипки и пять — для виолончели. А самой известной стала его Соната для фортепиано №14, или Лунная соната. Второе название произведение получило уже после смерти Бетховена: так его озаглавил в своей статье немецкий литератор Людвиг Рельштаб.
Жанр сонаты не терял своей популярности на протяжении нескольких веков. В эпоху романтизма, например, сонаты писали Франц Шуберт, Феликс Мендельсон, Фридерик Шопен, Роберт Шуман и другие классики.
В России сонатную форму начал активно развивать Михаил Глинка: в 1825—1828 годы он написал Сонату для альта и фортепиано. Со временем жанр становился все популярнее у отечественных композиторов. Сонаты создавали Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Сергей Рахманинов. А произведения Александра Скрябина критики называют мостом от романтической сонаты к современной.
👏2👍1🔥1
Forwarded from Культура.РФ
Что такое аккорд? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Аккорд — это сочетание трех и более музыкальных звуков разной высоты. Человеческий слух воспринимает его как целостный элемент.
Слово «аккорд» пришло в русский язык из позднелатинского, где глагол accordo означал «согласовывать». Сам термин возник в XIV веке, однако современное значение он получил лишь через три столетия. С XVII–XVIII веков эти звуковые сочетания стали едва ли не обязательными элементами музыкальных произведений.
Изначально аккорд строили на терции — музыкальном интервале в три ступени между всеми звуками, и существовали только трезвучия и септаккорды, которые отдалены друг от друга на две и три терции соответственно.
Со временем композиторы стали использовать сочетания с большим количеством звуков: нонаккорды, ундецимаккорды и терцдецимаккорды — на четыре, пять и шесть терций. Однако два последних встречаются в музыкальных произведениях крайне редко.
А в XIX веке композиторы начали использовать не только терцовые, но и кварт- и квинтаккорды. В таких сочетаниях звуки отделены друг от друга на четыре и пять ступеней. Подобные аккорды часто встречаются в произведениях русских композиторов, например в опере «Руслан и Людмила» Михаила Глинки или в Первой симфонии Александра Бородина.
Аккорд — это сочетание трех и более музыкальных звуков разной высоты. Человеческий слух воспринимает его как целостный элемент.
Слово «аккорд» пришло в русский язык из позднелатинского, где глагол accordo означал «согласовывать». Сам термин возник в XIV веке, однако современное значение он получил лишь через три столетия. С XVII–XVIII веков эти звуковые сочетания стали едва ли не обязательными элементами музыкальных произведений.
Изначально аккорд строили на терции — музыкальном интервале в три ступени между всеми звуками, и существовали только трезвучия и септаккорды, которые отдалены друг от друга на две и три терции соответственно.
Со временем композиторы стали использовать сочетания с большим количеством звуков: нонаккорды, ундецимаккорды и терцдецимаккорды — на четыре, пять и шесть терций. Однако два последних встречаются в музыкальных произведениях крайне редко.
А в XIX веке композиторы начали использовать не только терцовые, но и кварт- и квинтаккорды. В таких сочетаниях звуки отделены друг от друга на четыре и пять ступеней. Подобные аккорды часто встречаются в произведениях русских композиторов, например в опере «Руслан и Людмила» Михаила Глинки или в Первой симфонии Александра Бородина.
👍2
Forwarded from Культура.РФ
Что такое cюита? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Сюита — это музыкальное произведение, в которое входят несколько пьес. Сами пьесы, как правило, композиционно самостоятельные, но объединены общей идеей или творческим замыслом.
Этот термин возник во Франции в XVI веке и переводится как «последовательность» или «чередование». В то время композиторы часто создавали пары или циклы танцевальных произведений. Постепенно сформировалась традиция объединять разные круговые танцы. Тогда и зародилась главная особенность жанра сюиты: в его основе лежала танцевальная музыка. В то время сюиты звучали исключительно на балах и праздниках, они не считались повседневной музыкой.
В эпоху барокко сюиты представляли собой несколько лютневых, клавирных и оркестровых музыкальных пьес, связанных общей тональностью, но контрастных по ритму. Со временем число частей в сюите увеличивалось. А в XVIII веке элементами таких произведений стали и нетанцевальные сочинения — арии, рондо, каприччио и другие.
Своего расцвета жанр сюиты достиг в творчестве Иоганна Себастьяна Баха и Георга Фридриха Генделя. Бах написал множество сюит для клавира, скрипки и виолончели, а Гендель — 17 клавирных.
Позже возникли жанрово-пейзажные сюиты и сюжетно-программные — так называют музыкальные произведения, развитие в которых происходит по принципу литературного сюжета. Такие сюиты часто встречаются среди произведений русских композиторов. Например, к ним относят сочинения «Антар» и «Шехеразада» Николая Римского-Корсакова и «Маленькую сюиту» Александра Бородина.
Сюита — это музыкальное произведение, в которое входят несколько пьес. Сами пьесы, как правило, композиционно самостоятельные, но объединены общей идеей или творческим замыслом.
Этот термин возник во Франции в XVI веке и переводится как «последовательность» или «чередование». В то время композиторы часто создавали пары или циклы танцевальных произведений. Постепенно сформировалась традиция объединять разные круговые танцы. Тогда и зародилась главная особенность жанра сюиты: в его основе лежала танцевальная музыка. В то время сюиты звучали исключительно на балах и праздниках, они не считались повседневной музыкой.
В эпоху барокко сюиты представляли собой несколько лютневых, клавирных и оркестровых музыкальных пьес, связанных общей тональностью, но контрастных по ритму. Со временем число частей в сюите увеличивалось. А в XVIII веке элементами таких произведений стали и нетанцевальные сочинения — арии, рондо, каприччио и другие.
Своего расцвета жанр сюиты достиг в творчестве Иоганна Себастьяна Баха и Георга Фридриха Генделя. Бах написал множество сюит для клавира, скрипки и виолончели, а Гендель — 17 клавирных.
Позже возникли жанрово-пейзажные сюиты и сюжетно-программные — так называют музыкальные произведения, развитие в которых происходит по принципу литературного сюжета. Такие сюиты часто встречаются среди произведений русских композиторов. Например, к ним относят сочинения «Антар» и «Шехеразада» Николая Римского-Корсакова и «Маленькую сюиту» Александра Бородина.
Что такое лессировка? Рассказываем в рубрике #СловоДня
Эту технику использовали еще живописцы эпохи Возрождения. В работе мастера не всегда пользовались палитрой для смешивания красок — иногда они добивались нужного оттенка с помощью лессировок. Художники клали тонкие слои масляных красок один поверх другого, чтобы получить необходимый цвет. Каждый слой масла требовалось хорошо просушить, поэтому процесс занимал много времени. Обычно лессировками заканчивали картину, создавали нюансы, глубину, тени. Этот прием использовали, например, Леонардо да Винчи в полотне «Мона Лиза» и Ян Вермеер в картине «Девушка с жемчужной сережкой».
В России технику применяли портретисты Федор Рокотов и Дмитрий Левицкий. Маринист Иван Айвазовский с помощью полупрозрачных мазков передавал оттенки морской воды, эффекты освещения и глубину горизонта. Так, Айвазовский лессировками написал радугу на одноименном полотне.
Техника лессировки оставалась очень популярной вплоть до конца XIX века. Тогда ее сменил прием импасто, когда краску кладут плотно, фактурно. Импасто использовали импрессионисты и представители других течений рубежа XIX–XX веков.
Лессировкой называют живописный прием, когда художник наносит на холст плотный слой краски, а поверх высохшей основы кладет другие оттенки в несколько слоев. Так краска ложится полупрозрачными мазками — это помогает передать объем предмета, глубину или сложные фактуры. Сам термин «лессировка» произошел от немецкого слова lasierung, что означает «покрытие глазурью».
Эту технику использовали еще живописцы эпохи Возрождения. В работе мастера не всегда пользовались палитрой для смешивания красок — иногда они добивались нужного оттенка с помощью лессировок. Художники клали тонкие слои масляных красок один поверх другого, чтобы получить необходимый цвет. Каждый слой масла требовалось хорошо просушить, поэтому процесс занимал много времени. Обычно лессировками заканчивали картину, создавали нюансы, глубину, тени. Этот прием использовали, например, Леонардо да Винчи в полотне «Мона Лиза» и Ян Вермеер в картине «Девушка с жемчужной сережкой».
В России технику применяли портретисты Федор Рокотов и Дмитрий Левицкий. Маринист Иван Айвазовский с помощью полупрозрачных мазков передавал оттенки морской воды, эффекты освещения и глубину горизонта. Так, Айвазовский лессировками написал радугу на одноименном полотне.
Техника лессировки оставалась очень популярной вплоть до конца XIX века. Тогда ее сменил прием импасто, когда краску кладут плотно, фактурно. Импасто использовали импрессионисты и представители других течений рубежа XIX–XX веков.