110 бесплатных инструментов для семплера Kontakt
На сайте NI появилась статья со списком 110 бесплатных инструментов для контакта. Надо сказать, что в списке есть много очень годных библиотек, которыми я пользуюсь. Так что обратите внимание — https://blog.native-instruments.com/best-free-kontakt-instruments/
И ещё 111й бесплатный инструмент для Kontakt от меня можно скачать тут (говорят, что в Kontakt Player тоже нормально работает, но я не проверял).
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#полезное #бесплатное #vst #семплы #kontakt #ni
На сайте NI появилась статья со списком 110 бесплатных инструментов для контакта. Надо сказать, что в списке есть много очень годных библиотек, которыми я пользуюсь. Так что обратите внимание — https://blog.native-instruments.com/best-free-kontakt-instruments/
И ещё 111й бесплатный инструмент для Kontakt от меня можно скачать тут (говорят, что в Kontakt Player тоже нормально работает, но я не проверял).
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#полезное #бесплатное #vst #семплы #kontakt #ni
👍9❤7🔥3
Почему современные музыкальные чарты не более чем фикция
Большинство людей наивно верит, что попадание композиции в чарт отражает её популярность, прослушиваемость и даже востребованность. Мол раз в чарте, значит людям нравится. Но так ли это на самом деле? — увы, нет. И причин этому несколько.
Во-первых, попадание трека в чарт уже давно происходит не потому, что людям нравится и они его слушают, а благодаря маркетингу, продвижению и эксплуатации алгоритмов стриминга. Сейчас в чарт попадает не то, что люди выбрали, а то, что правильно продвинули, и часто ... накрутили. Да, как бы стриминги не боролись с накруткой, но именно прослушивание трека в день выхода ботофермами часто и выводит трек в топ. К этому также подключают ботофермы тиктока, выкладывающие тысячи видео с разных аккаунтов (сейчас видосы для тиктока уже генерируют нейросетями) и прочих соцсетей. Я уж молчу про то, что слушателей порой заранее оболванивают маркетингом, то есть по сути манипулируют ими (прогревают). Убедиться во всём этом не сложно, так как в чартах часто можно встретить огромное количество треков от артистов, у которых не то чтобы нет ни одного живого выступления, нет даже нормальной странички в соцсетях, или её изучение однозначно сигнализирует об одном — подписчики накручены (комменты и лайки сейчас тоже накручивают — это входит в пакет по "продвижению в соцсетях").
Во-вторых, задайте себе простой вопрос: а почему вы доверяете циферкам и табличкам из стриминга? Почему вы верите в то, что эти цифры вообще соответствуют действительности? — ведь технически стриминг может показать вам абсолютно любые цифры по абсолютно любому артисту и вы никак не можете это проверить. Алгоритм подсчёта прослушиваний и формирования чартов скрыт и абсолютно непрозрачен, а значит потенциально может быть любым (в том числе ручным). Стриминг может нарисовать абсолютно любые цифры любому артисту просто за то, что ему "занесли". Даже в соцсети вы можете зайти в группу артисту и открыть список подписчиков (так, кстати, легко анализировать, насколько группа накручена), а в стриминге вы не можете посмотреть список людей, который послушал тот или иной трек — вам эту информацию никто не покажет (артисту тоже, к слову 😁
Вообще, если говорить про историю, то первые чарты появились ещё в начале XX века, в них включались результаты продаж нотных изданий и партитур. Ведь звукозаписи тогда не было и музыка распространялась через продажу нот. Позже, в 30е годы, появились хит-парады, которые основывались на популярности живых исполнений песен. Ещё позже, чарты стали формироваться на основе статистики продаж пластинок и проигрывании треков в музыкальных автоматах. К слову, в советской России, хит-парады составлялись не на основе сведений о продажах (количественная метрика), а на основе опросов слушателей и писем читателей того или иного периодического издания (качественная метрика). Таким образом, изначально, попадание трека в чарт можно было померять объективно, так как подделать данные по продаже пластинок сложно — эта информация элементарно проверяется, а вот нарисовать циферки в интернете проще пареной репы.
Так можно ли с учётом всего этого говорить, что чарты — это вообще про выбор людей? Если бы они основывались на верифицируемых действиях реальных людей, которые при этом не были бы заранее обработаны маркетингом — тогда мы могли бы говорить о каком-то выборе, однако реальная ситуация абсолютно иная. А потому современный чарт уже давно не отражает выбор аудитории, часто он его формирует. То есть является не инструментом измерения, а скорее инструментом манипуляции выбором людей. И если немного продолжить данную мысль, то в случае массового продвижения откровенно деструктивного музыкального контента низкого качества, он становится ещё и оружием массового поражения, деформирующим вкусы людей и разлагающим музыкальную культуру.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#чарты #музыкальнаяиндустрия #интересное #полезное #мысливслух
Большинство людей наивно верит, что попадание композиции в чарт отражает её популярность, прослушиваемость и даже востребованность. Мол раз в чарте, значит людям нравится. Но так ли это на самом деле? — увы, нет. И причин этому несколько.
Во-первых, попадание трека в чарт уже давно происходит не потому, что людям нравится и они его слушают, а благодаря маркетингу, продвижению и эксплуатации алгоритмов стриминга. Сейчас в чарт попадает не то, что люди выбрали, а то, что правильно продвинули, и часто ... накрутили. Да, как бы стриминги не боролись с накруткой, но именно прослушивание трека в день выхода ботофермами часто и выводит трек в топ. К этому также подключают ботофермы тиктока, выкладывающие тысячи видео с разных аккаунтов (сейчас видосы для тиктока уже генерируют нейросетями) и прочих соцсетей. Я уж молчу про то, что слушателей порой заранее оболванивают маркетингом, то есть по сути манипулируют ими (прогревают). Убедиться во всём этом не сложно, так как в чартах часто можно встретить огромное количество треков от артистов, у которых не то чтобы нет ни одного живого выступления, нет даже нормальной странички в соцсетях, или её изучение однозначно сигнализирует об одном — подписчики накручены (комменты и лайки сейчас тоже накручивают — это входит в пакет по "продвижению в соцсетях").
Во-вторых, задайте себе простой вопрос: а почему вы доверяете циферкам и табличкам из стриминга? Почему вы верите в то, что эти цифры вообще соответствуют действительности? — ведь технически стриминг может показать вам абсолютно любые цифры по абсолютно любому артисту и вы никак не можете это проверить. Алгоритм подсчёта прослушиваний и формирования чартов скрыт и абсолютно непрозрачен, а значит потенциально может быть любым (в том числе ручным). Стриминг может нарисовать абсолютно любые цифры любому артисту просто за то, что ему "занесли". Даже в соцсети вы можете зайти в группу артисту и открыть список подписчиков (так, кстати, легко анализировать, насколько группа накручена), а в стриминге вы не можете посмотреть список людей, который послушал тот или иной трек — вам эту информацию никто не покажет (артисту тоже, к слову 😁
Вообще, если говорить про историю, то первые чарты появились ещё в начале XX века, в них включались результаты продаж нотных изданий и партитур. Ведь звукозаписи тогда не было и музыка распространялась через продажу нот. Позже, в 30е годы, появились хит-парады, которые основывались на популярности живых исполнений песен. Ещё позже, чарты стали формироваться на основе статистики продаж пластинок и проигрывании треков в музыкальных автоматах. К слову, в советской России, хит-парады составлялись не на основе сведений о продажах (количественная метрика), а на основе опросов слушателей и писем читателей того или иного периодического издания (качественная метрика). Таким образом, изначально, попадание трека в чарт можно было померять объективно, так как подделать данные по продаже пластинок сложно — эта информация элементарно проверяется, а вот нарисовать циферки в интернете проще пареной репы.
Так можно ли с учётом всего этого говорить, что чарты — это вообще про выбор людей? Если бы они основывались на верифицируемых действиях реальных людей, которые при этом не были бы заранее обработаны маркетингом — тогда мы могли бы говорить о каком-то выборе, однако реальная ситуация абсолютно иная. А потому современный чарт уже давно не отражает выбор аудитории, часто он его формирует. То есть является не инструментом измерения, а скорее инструментом манипуляции выбором людей. И если немного продолжить данную мысль, то в случае массового продвижения откровенно деструктивного музыкального контента низкого качества, он становится ещё и оружием массового поражения, деформирующим вкусы людей и разлагающим музыкальную культуру.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#чарты #музыкальнаяиндустрия #интересное #полезное #мысливслух
💯13👍6🔥4👏1
Почему конкуренции между музыкантами за внимание слушателя нет и быть не может
В последнее время в инфополе активно педалируется тема конкуренции между музыкантами за внимание слушателя. Помимо того, что эта идея абсолютно не состоятельна, так она ещё и невероятно деструктивна. Поэтому сегодня мы будем разбираться, почему никакой конкуренции музыкантов за внимание слушателей нет, а теория "экономики внимания" в отношении музыки не работает.
Основы теории "экономики внимания" были заложены в 1971 году экономистом Саймоном Гербертом, который предположил, что в мире, богатом информацией, её переизбыток приводит к дефициту внимания. Мы привыкли думать, что потребляем информацию, однако Саймон предположил, что всё наоборот — информация потребляет нас, точнее, наше внимание. Которого, как он предположил, ограниченное количество. Позже идеи Герберта были развиты экономистом Майклом Голдхабером, который, собственно, и ввёл термин "attention economy" или "экономика внимания".
Надо отметить, что "экономика внимания" — это не научно доказанный факт, а по сути теоретическая выкладка, вокруг которой, тем не менее, в 2000е годы, была выстроена целая индустрия. Не смотря на это, ряд исследователей, отмечают, что теория Герберта далека от истины, что подтверждается в том числе последними исследованиями в области изучения человеческого поведения.
Во-первых, внимание нельзя рассматривать как количественную характеристику и измерять в человеко-часах. Внимание — это не ресурс, это феномен. Оно не тратится, не накапливается, его количество не сбрасывается с окончанием "рабочего дня". Качество и количество "внимания" зависит от того, в каком состоянии мы находимся, от предмета, на котором мы фокусируем внимание, от окружения. Учитывая, что Герберт и Голдхабер были экономистами, ввиду своей профдеформации, они смотрели на внимание как на ограниченный материальный ресурс, ибо по другому экономисты на вещи смотреть не умеют. Поэтому им и в голову не могло прийти, что модель количественных показателей не применима к нематериальным явлениям, а внимание — явление нематериальное.
Во-вторых, в теории "экономики внимания" делается допущение, что человек выбирает куда направить внимание исключительно рационально, как менеджер, распределяющий ресурсы. На практике, большинство людей выбирают объект внимания иррационально, под воздействием внутренних стимулов, которые не поддаются рациональному анализу и объяснению. Почему слушатель выбирает ту или иную музыку знает только он (да и то не всегда) — это невозможно ни измерить, ни объяснить, ни предсказать.
В-третьих, время относительно внимания нелинейно. Например, слушатель включает музыку на фону и занимается своими делами, его внимание вообще не сфокусировано на музыке. Можно ли в этом случае сказать, что музыка "потребляет" внимание слушателя? Обратный пример — слушатель включает музыку для целенаправленного прослушивания, и больше ничем не занимается. Качество его внимания в этой ситуации максимально. В данном случае слушатель тратит на музыку вообще всё имеющееся у него внимание, а потом, например, не слушает вообще ничего несколько дней.
Всё это указывает на то, что идея будто музыканты как-то конкурируют между собой за внимание слушателя несостоятельна, и представляет собой по большому счёт просто маркетинговый лозунг. Одновременно с этим она наносит огромный вред, ведь вместо того чтобы сотрудничать, обмениваться аудиторией, совместно создавать прекрасную музыку, люди начинают грызть друг-другу глотки, думая, что они конкурируют за некоторое мифическое внимание слушателя.
Сотрудничество по факту даёт музыканту значительно больше, нежели конкуренция. Когда люди находят эффективные способы сотрудничества и взаимопомощи, то каждый получает всё, что ему нужно и выигрывают все. Конкуренция — это путь стагнации и разложения. Сотрудничество — это путь роста и прогресса. Вспоминайте об этом каждый раз, когда кто-то будет затирать вам о том, будто музыканты конкурируют между собой.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#музыкальнаяиндустрия #интересное #полезное #мысливслух
В последнее время в инфополе активно педалируется тема конкуренции между музыкантами за внимание слушателя. Помимо того, что эта идея абсолютно не состоятельна, так она ещё и невероятно деструктивна. Поэтому сегодня мы будем разбираться, почему никакой конкуренции музыкантов за внимание слушателей нет, а теория "экономики внимания" в отношении музыки не работает.
Основы теории "экономики внимания" были заложены в 1971 году экономистом Саймоном Гербертом, который предположил, что в мире, богатом информацией, её переизбыток приводит к дефициту внимания. Мы привыкли думать, что потребляем информацию, однако Саймон предположил, что всё наоборот — информация потребляет нас, точнее, наше внимание. Которого, как он предположил, ограниченное количество. Позже идеи Герберта были развиты экономистом Майклом Голдхабером, который, собственно, и ввёл термин "attention economy" или "экономика внимания".
Надо отметить, что "экономика внимания" — это не научно доказанный факт, а по сути теоретическая выкладка, вокруг которой, тем не менее, в 2000е годы, была выстроена целая индустрия. Не смотря на это, ряд исследователей, отмечают, что теория Герберта далека от истины, что подтверждается в том числе последними исследованиями в области изучения человеческого поведения.
Во-первых, внимание нельзя рассматривать как количественную характеристику и измерять в человеко-часах. Внимание — это не ресурс, это феномен. Оно не тратится, не накапливается, его количество не сбрасывается с окончанием "рабочего дня". Качество и количество "внимания" зависит от того, в каком состоянии мы находимся, от предмета, на котором мы фокусируем внимание, от окружения. Учитывая, что Герберт и Голдхабер были экономистами, ввиду своей профдеформации, они смотрели на внимание как на ограниченный материальный ресурс, ибо по другому экономисты на вещи смотреть не умеют. Поэтому им и в голову не могло прийти, что модель количественных показателей не применима к нематериальным явлениям, а внимание — явление нематериальное.
Во-вторых, в теории "экономики внимания" делается допущение, что человек выбирает куда направить внимание исключительно рационально, как менеджер, распределяющий ресурсы. На практике, большинство людей выбирают объект внимания иррационально, под воздействием внутренних стимулов, которые не поддаются рациональному анализу и объяснению. Почему слушатель выбирает ту или иную музыку знает только он (да и то не всегда) — это невозможно ни измерить, ни объяснить, ни предсказать.
В-третьих, время относительно внимания нелинейно. Например, слушатель включает музыку на фону и занимается своими делами, его внимание вообще не сфокусировано на музыке. Можно ли в этом случае сказать, что музыка "потребляет" внимание слушателя? Обратный пример — слушатель включает музыку для целенаправленного прослушивания, и больше ничем не занимается. Качество его внимания в этой ситуации максимально. В данном случае слушатель тратит на музыку вообще всё имеющееся у него внимание, а потом, например, не слушает вообще ничего несколько дней.
Всё это указывает на то, что идея будто музыканты как-то конкурируют между собой за внимание слушателя несостоятельна, и представляет собой по большому счёт просто маркетинговый лозунг. Одновременно с этим она наносит огромный вред, ведь вместо того чтобы сотрудничать, обмениваться аудиторией, совместно создавать прекрасную музыку, люди начинают грызть друг-другу глотки, думая, что они конкурируют за некоторое мифическое внимание слушателя.
Сотрудничество по факту даёт музыканту значительно больше, нежели конкуренция. Когда люди находят эффективные способы сотрудничества и взаимопомощи, то каждый получает всё, что ему нужно и выигрывают все. Конкуренция — это путь стагнации и разложения. Сотрудничество — это путь роста и прогресса. Вспоминайте об этом каждый раз, когда кто-то будет затирать вам о том, будто музыканты конкурируют между собой.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#музыкальнаяиндустрия #интересное #полезное #мысливслух
👍16🔥8👏4🤔3
Argishty — First Snow of Yerevan (fusion version)
У нас с Argishty недавно вышел первый в этом году релиз — композиция "Первый ереванский снег". Вообще, с начала года мы записали уже три трека. Первый вот вышел, второй выйдет совсем скоро, а третий на финальной стадии.
"Первый ереванский снег" — это традиционно чувственное и нежное звучание армянского дудука, вперемешку с акустической гитарой, басом и латиноамериканской перкуссией. Композицию мы записали совместно с ребятами из «Trio Pal Mundo». На мне как всегда был полный цикл производства от записи до сведения и мастеринга.
Послушать на всех площадках можно тут — https://mscmedia.bnd.lc/argishtyfirstsnow
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #моиработы #релизы
У нас с Argishty недавно вышел первый в этом году релиз — композиция "Первый ереванский снег". Вообще, с начала года мы записали уже три трека. Первый вот вышел, второй выйдет совсем скоро, а третий на финальной стадии.
"Первый ереванский снег" — это традиционно чувственное и нежное звучание армянского дудука, вперемешку с акустической гитарой, басом и латиноамериканской перкуссией. Композицию мы записали совместно с ребятами из «Trio Pal Mundo». На мне как всегда был полный цикл производства от записи до сведения и мастеринга.
Послушать на всех площадках можно тут — https://mscmedia.bnd.lc/argishtyfirstsnow
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #моиработы #релизы
🔥5👍3❤2
Как анализировать готовые пресеты в синтезаторах
Использование готовых пресетов не особо эффективно, так как их бесконечный поиск и перещёлкивание скорее мешает, чем помогает писать музыку — щёлкал-щёлкал и вдохновение прощёлкал. В подавляющем большинстве случаев накрутить звук с нуля быстрее, ну или на худой конец можно перекрутить более-менее подходящий пресет под свои задачи. Однако, изучение готовых пресетов может быть полезно с точки зрения обучения синтезу звука, расширения палитры приёмов создания звуков на синтезаторе. Ведь у каждого саунд-дизайнера часто есть какой-то свой подход в работе с синтезатором, и поучиться у коллег никогда лишним не будет. Возникает лишь вопрос, а как анализировать готовые пресеты чтобы разобраться в их устройстве. Об этом мы сегодня и поговорим.
Анализ пресета сильно зависит от типа синтезатора, так как в различных видах синтеза способ мышления и фокус внимания делается на абсолютно разных вещах. Поэтому, в первую очередь вам надо понять, с каким синтезатором вы имеете дело и лишь после этого браться за анализ. Ниже я опишу алгоритм и цепочку анализа для основных видов синтеза:
🎛 Классические аддитивно-субтрактивные синтезаторы. В первую очередь смотрите, какие использованы волны, в каких сочетаниях, как и на сколько расстроены осцилляторы, используется ли взаимная модуляция. Далее смотрим настройки огибающей громкости, фильтра, огибающей частоты среза фильтра. В конце изучаем как настроена модуляция.
🎛 Таблично-волновые синтезаторы. Сначала смотрим какие использованы таблицы волн и волны из таблиц, настроено ли перемещение по таблице и как. На втором этапе смотрим, как в осцилляторе настроены алгоритмы искажения волны — в таком типе синтезаторов их применяют достаточно часто, совместно с перемещением по таблице волн. Далее всё также, как и в классических аддитивно-субтрактивных: огибающая громкости, фильтр, огибающая частоты среза фильтра, модуляция.
🎛 FM-синтезаторы. В первую очередь смотрите какой использован алгоритм модуляции (схема коммутации операторов), далее обратите внимание на множители частоты операторов и огибающую в каждом из них. По сути это — ключевые параметры, влияющие на звук. Уже после этого можно посмотреть настройки фильтра (если он есть), общие настройки модуляции.
🎛 Модульные синтезаторы. Анализ патчей в таких синтезаторах может быть достаточно сложным, но общая логика такая: сначала разбираемся в цепочке модулей генерирующих звук (какие и как соединены), потом в том, как настроены и подключены модули, использующиеся для модуляции.
🎛 Гибридные синтезаторы. В них анализ пресета осложняется тем, что могут использоваться осцилляторы разных типов и даже разные способы синтеза звука. В первую очередь посмотрите, осцилляторы каких типов использованы, а далее разберитесь с их настройками, руководствуясь подходами к анализу пресетов, описанные выше. Далее динамика (огибающая громкости), фильтр, модуляция.
Обратите внимание, что я нигде не указал эффект-процессор и анализ эффектов. Эффекты в синтезаторе часто вторичны, поэтому для анализа пресета я вообще рекомендую в первую очередь полностью отключить эффект-процессор. Так вы сразу поймёте, насколько сильный вклад он вносит в конечное звучание. Если звучание меняется радикально, значит большую часть работы делает эффект-процессор и нужно анализировать цепочку эффектов и их настройки. Если звук поменяется не значительно (пропадёт дилей, ревер, ширина), значит основную работу всё-таки делает синтезатор и нужно разбираться с его настройками.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#синтеззвука #созданиезвука #дизайнзвука #советы #советыпосинтезу #синтезаторы
Использование готовых пресетов не особо эффективно, так как их бесконечный поиск и перещёлкивание скорее мешает, чем помогает писать музыку — щёлкал-щёлкал и вдохновение прощёлкал. В подавляющем большинстве случаев накрутить звук с нуля быстрее, ну или на худой конец можно перекрутить более-менее подходящий пресет под свои задачи. Однако, изучение готовых пресетов может быть полезно с точки зрения обучения синтезу звука, расширения палитры приёмов создания звуков на синтезаторе. Ведь у каждого саунд-дизайнера часто есть какой-то свой подход в работе с синтезатором, и поучиться у коллег никогда лишним не будет. Возникает лишь вопрос, а как анализировать готовые пресеты чтобы разобраться в их устройстве. Об этом мы сегодня и поговорим.
Анализ пресета сильно зависит от типа синтезатора, так как в различных видах синтеза способ мышления и фокус внимания делается на абсолютно разных вещах. Поэтому, в первую очередь вам надо понять, с каким синтезатором вы имеете дело и лишь после этого браться за анализ. Ниже я опишу алгоритм и цепочку анализа для основных видов синтеза:
🎛 Классические аддитивно-субтрактивные синтезаторы. В первую очередь смотрите, какие использованы волны, в каких сочетаниях, как и на сколько расстроены осцилляторы, используется ли взаимная модуляция. Далее смотрим настройки огибающей громкости, фильтра, огибающей частоты среза фильтра. В конце изучаем как настроена модуляция.
🎛 Таблично-волновые синтезаторы. Сначала смотрим какие использованы таблицы волн и волны из таблиц, настроено ли перемещение по таблице и как. На втором этапе смотрим, как в осцилляторе настроены алгоритмы искажения волны — в таком типе синтезаторов их применяют достаточно часто, совместно с перемещением по таблице волн. Далее всё также, как и в классических аддитивно-субтрактивных: огибающая громкости, фильтр, огибающая частоты среза фильтра, модуляция.
🎛 FM-синтезаторы. В первую очередь смотрите какой использован алгоритм модуляции (схема коммутации операторов), далее обратите внимание на множители частоты операторов и огибающую в каждом из них. По сути это — ключевые параметры, влияющие на звук. Уже после этого можно посмотреть настройки фильтра (если он есть), общие настройки модуляции.
🎛 Модульные синтезаторы. Анализ патчей в таких синтезаторах может быть достаточно сложным, но общая логика такая: сначала разбираемся в цепочке модулей генерирующих звук (какие и как соединены), потом в том, как настроены и подключены модули, использующиеся для модуляции.
🎛 Гибридные синтезаторы. В них анализ пресета осложняется тем, что могут использоваться осцилляторы разных типов и даже разные способы синтеза звука. В первую очередь посмотрите, осцилляторы каких типов использованы, а далее разберитесь с их настройками, руководствуясь подходами к анализу пресетов, описанные выше. Далее динамика (огибающая громкости), фильтр, модуляция.
Обратите внимание, что я нигде не указал эффект-процессор и анализ эффектов. Эффекты в синтезаторе часто вторичны, поэтому для анализа пресета я вообще рекомендую в первую очередь полностью отключить эффект-процессор. Так вы сразу поймёте, насколько сильный вклад он вносит в конечное звучание. Если звучание меняется радикально, значит большую часть работы делает эффект-процессор и нужно анализировать цепочку эффектов и их настройки. Если звук поменяется не значительно (пропадёт дилей, ревер, ширина), значит основную работу всё-таки делает синтезатор и нужно разбираться с его настройками.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#синтеззвука #созданиезвука #дизайнзвука #советы #советыпосинтезу #синтезаторы
👍15❤1🔥1
Выступление The Five Senses в Планетарии 1
Вчера отыграли концерт в Планетарии 1. Плотно готовились к выступлению с февраля. За это время я собрал два новых трека и в целом сильно доработал программу. Дико устал, сегодня вот "отмокаю", но доволен, так как сыграли очень круто.
Зрители уже закидывают соцсети видео и фото, которые успели наснимать. Качество конечно так себе, но всё равно решил поделиться, так как невтерпёж 😌 Профессиональное видео и фото тоже будут, но чуть позже.
Спасибо всем, кто пришёл. Ну а кто не пришёл, надеюсь, что мы ещё увидимся с вами на наших следующих концертах.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#thefivesenses #студийныебудни #выступления #лайвы #интересное
Вчера отыграли концерт в Планетарии 1. Плотно готовились к выступлению с февраля. За это время я собрал два новых трека и в целом сильно доработал программу. Дико устал, сегодня вот "отмокаю", но доволен, так как сыграли очень круто.
Зрители уже закидывают соцсети видео и фото, которые успели наснимать. Качество конечно так себе, но всё равно решил поделиться, так как невтерпёж 😌 Профессиональное видео и фото тоже будут, но чуть позже.
Спасибо всем, кто пришёл. Ну а кто не пришёл, надеюсь, что мы ещё увидимся с вами на наших следующих концертах.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#thefivesenses #студийныебудни #выступления #лайвы #интересное
🔥21👏11❤🔥5🤩2
Fa-ton & Electralex — Inner Light
С радостью делюсь с вами свежим релизом одного из участников нашего сообщества "Могучая кучка 2.0" — Антона Fa-tonа. В этот раз композиция записана в коллаборации с известным питерским электронным музыкантом Electralex.
Inner Light — это чилловая композиция, рождённая в слиянии техно-ритмов и рок-музыки. Она сочетает в себе драйв и танцевальность электронной музыки, и мягкую мелодичность, которую задаёт электрогитара. Словно утренний бриз и шелест волны, эта музыка может пробудить чувства и зажечь внутренний свет в каждом, кто прикоснётся к её таинству.
Ваш покорный также приложил руку к этой композиции — помогал и консультировал по сведению и делал мастеринг.
Послушать можно на всех площадках — https://mscmedia.bnd.lc/FtnElctrlxInnerLight
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #интересное #полезное #могучаякучка #релизы
С радостью делюсь с вами свежим релизом одного из участников нашего сообщества "Могучая кучка 2.0" — Антона Fa-tonа. В этот раз композиция записана в коллаборации с известным питерским электронным музыкантом Electralex.
Inner Light — это чилловая композиция, рождённая в слиянии техно-ритмов и рок-музыки. Она сочетает в себе драйв и танцевальность электронной музыки, и мягкую мелодичность, которую задаёт электрогитара. Словно утренний бриз и шелест волны, эта музыка может пробудить чувства и зажечь внутренний свет в каждом, кто прикоснётся к её таинству.
Ваш покорный также приложил руку к этой композиции — помогал и консультировал по сведению и делал мастеринг.
Послушать можно на всех площадках — https://mscmedia.bnd.lc/FtnElctrlxInnerLight
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #интересное #полезное #могучаякучка #релизы
👍19🔥5👏4
Что такое музыкальность инструмента / плагина / устройства
В обсуждении различных устройств для обработки звука, синтезаторов или плагинов часто можно столкнуться с термином "музыкальность". Обычно кто-то говорит что-то типа "это очень музыкальный компрессор" и все всё как будто тут же понимают. Но как показывает практика, далеко не все и не всегда, а у многих часто возникает даже вопрос: а музыкальность — это как? Так что сегодня попробуем порассуждать на эту тему.
На самом деле единого мнения касательно музыкальности у людей работающих со звуком нет — каждый понимает её немного по своему. Да и в отношении разного инструментария этот "термин" может пониматься по-разному.
Например, если мы будем говорить про приборы обработки звука (компрессоры, эквалайзеры и так далее), то чаще всего под музыкальностью понимают естественность звучания у получаемого с их помощью результата. Ведь любой прибор обработки вносит в изначальный сигнал искажения, и если эти искажения приятны на слух, и результат звучит естественно, а не утрировано и "как пластмасса", значит прибор "музыкален".
Похожая история возникает и при обсуждении устройств для создания звука, но тут чаще всего на первое место выходит не естественность звучания, а простота использования и понятность инструмента для простого музыканта, а не инженера, который его создал.
Музыкальность различных устройств для создания и обработки звука связана со следующим интересным фактом. На раннем этапе развития технологий записи и обработки звука, большинство устройств создавалось людьми, которые были не просто инженерами, они часто были ещё и музыкантами. А потому обладали музыкальным вкусом, наслушанностью, и пониманием меры естественности, живости и натуральности звучания. Мало того, создавались они часто в тесном контакте с музыкантами, то есть конечными пользователями. Поэтому многие устройства того периода, хоть и были созданы инженерами, но звучали "музыкально". Так как результат работы оценивался не "по приборам", не спектроанализаторами и бесконечными измерялками, а просто на слух, так как "на слух" — это самый естественный способ оценки звука для любого музыканта. Если приятно звучит и выполняет свою задачу — берём и используем. Если нет — значит прибор никуда не годится.
К сожалению, с течением времени всё большее количество приборов и инструментов стало создаваться инженерами под руководством маркетологов. Причём и те, и другие, часто оказывались людьми без какого-либо музыкального бэкграунда, вкуса и понимания того, как отличить "хороший звук" от "плохого". Мнение конечных пользователей тоже учитывать перестали. И вместо вкуса создателей и пользователей на "хороший звук" мы получили огромные таблички с кучей технических характеристик, которые не говорят ровным счётом ничего о том, как звучит конкретное оборудование. Ну и конечно же бесконечное соревнование циферками вперемешку с красивыми маркетинговыми лозунгами.
Лично для меня под термином "музыкальность" скрывается комплекс простых, но вполне измеримых характеристик: инструмент должен быть простым и ориентированным на использование музыкантом, а не инженером, обладать естественным и не идеальным, а не стерильным математическим звуком. Чем меньше бесконечных никому не нужных крутилок (но как думают некоторые "важных") — тем лучше, ведь тем быстрее ты получаешь нужный тебе результат не отвлекаясь на "кручение фазы гармоник" и всё вот это. А ещё, когда инструмент "музыкален", то всегда вдохновляет на творчество и сделан так, что на нём приятно и хочется творить, что-то создавать и экспериментировать со звуком.
А что под термином "музыкальность" в отношении звукового оборудования понимаете вы? — делитесь своим видением в комментах.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#музыкальность #вопрос #обсуждение #инструменты #плагины #vst
В обсуждении различных устройств для обработки звука, синтезаторов или плагинов часто можно столкнуться с термином "музыкальность". Обычно кто-то говорит что-то типа "это очень музыкальный компрессор" и все всё как будто тут же понимают. Но как показывает практика, далеко не все и не всегда, а у многих часто возникает даже вопрос: а музыкальность — это как? Так что сегодня попробуем порассуждать на эту тему.
На самом деле единого мнения касательно музыкальности у людей работающих со звуком нет — каждый понимает её немного по своему. Да и в отношении разного инструментария этот "термин" может пониматься по-разному.
Например, если мы будем говорить про приборы обработки звука (компрессоры, эквалайзеры и так далее), то чаще всего под музыкальностью понимают естественность звучания у получаемого с их помощью результата. Ведь любой прибор обработки вносит в изначальный сигнал искажения, и если эти искажения приятны на слух, и результат звучит естественно, а не утрировано и "как пластмасса", значит прибор "музыкален".
Похожая история возникает и при обсуждении устройств для создания звука, но тут чаще всего на первое место выходит не естественность звучания, а простота использования и понятность инструмента для простого музыканта, а не инженера, который его создал.
Музыкальность различных устройств для создания и обработки звука связана со следующим интересным фактом. На раннем этапе развития технологий записи и обработки звука, большинство устройств создавалось людьми, которые были не просто инженерами, они часто были ещё и музыкантами. А потому обладали музыкальным вкусом, наслушанностью, и пониманием меры естественности, живости и натуральности звучания. Мало того, создавались они часто в тесном контакте с музыкантами, то есть конечными пользователями. Поэтому многие устройства того периода, хоть и были созданы инженерами, но звучали "музыкально". Так как результат работы оценивался не "по приборам", не спектроанализаторами и бесконечными измерялками, а просто на слух, так как "на слух" — это самый естественный способ оценки звука для любого музыканта. Если приятно звучит и выполняет свою задачу — берём и используем. Если нет — значит прибор никуда не годится.
К сожалению, с течением времени всё большее количество приборов и инструментов стало создаваться инженерами под руководством маркетологов. Причём и те, и другие, часто оказывались людьми без какого-либо музыкального бэкграунда, вкуса и понимания того, как отличить "хороший звук" от "плохого". Мнение конечных пользователей тоже учитывать перестали. И вместо вкуса создателей и пользователей на "хороший звук" мы получили огромные таблички с кучей технических характеристик, которые не говорят ровным счётом ничего о том, как звучит конкретное оборудование. Ну и конечно же бесконечное соревнование циферками вперемешку с красивыми маркетинговыми лозунгами.
Лично для меня под термином "музыкальность" скрывается комплекс простых, но вполне измеримых характеристик: инструмент должен быть простым и ориентированным на использование музыкантом, а не инженером, обладать естественным и не идеальным, а не стерильным математическим звуком. Чем меньше бесконечных никому не нужных крутилок (но как думают некоторые "важных") — тем лучше, ведь тем быстрее ты получаешь нужный тебе результат не отвлекаясь на "кручение фазы гармоник" и всё вот это. А ещё, когда инструмент "музыкален", то всегда вдохновляет на творчество и сделан так, что на нём приятно и хочется творить, что-то создавать и экспериментировать со звуком.
А что под термином "музыкальность" в отношении звукового оборудования понимаете вы? — делитесь своим видением в комментах.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#музыкальность #вопрос #обсуждение #инструменты #плагины #vst
👍9🔥9❤5
Инновационный синтезатор Enigma от SOMA Labs
SOMA Labs анонсировали интересный инструмент — Enigma.
Enigma — это синтезатор, управляемый положением и движением металлических предметов. Каждый металлический предмет на поверхности устройства преобразуется в звук. На характер звука влияют форма, размер и тип предмета. Можно класть на Enigma что угодно: болты, винты, монетки, осколки метеоритов и детали от НЛО — это и сформирует уникальный звук вашей копии Enigma.
Подробнее тут — https://somasynths.com/ru-enigma/
Посмотреть тут — https://www.youtube.com/watch?v=eY8M8DGRaqE
Поддерживаем отечественного производителя лайками и репостами 😌
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#синтеззвука #синтезаторы #дизайнзвука #soma #somalabs #enigma
SOMA Labs анонсировали интересный инструмент — Enigma.
Enigma — это синтезатор, управляемый положением и движением металлических предметов. Каждый металлический предмет на поверхности устройства преобразуется в звук. На характер звука влияют форма, размер и тип предмета. Можно класть на Enigma что угодно: болты, винты, монетки, осколки метеоритов и детали от НЛО — это и сформирует уникальный звук вашей копии Enigma.
Подробнее тут — https://somasynths.com/ru-enigma/
Посмотреть тут — https://www.youtube.com/watch?v=eY8M8DGRaqE
Поддерживаем отечественного производителя лайками и репостами 😌
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#синтеззвука #синтезаторы #дизайнзвука #soma #somalabs #enigma
👍10🔥5😁4
Авторские права на тембр и звук
Думаю все знают, как защищаются авторские права на музыкальные произведения. В настоящий момент правовая защита результатов вашей творческой деятельности регламентируется ч.4 ГК РФ. И в случае с музыкой защищаются: текст песни, партитура (мелодия), фонограмма (конечный результат) и исполнение (как частный случай фонограммы).
Базовые принципы правовой защиты музыкальных произведений были сформулированы ещё в начале XX века, но с тех пор поменялось много всего. В частности, композиторам стал доступен абсолютно новый уровень работы с звуком и тембром. В некоторых случаях именно тембр и звуковой дизайн становятся ключевым выразительным средством музыки, однако правовой защиты тембров до сих пор нет. То есть звук как таковой можно защитить лишь в составе фонограммы, при этом защищается не сам звук, а фонограмма в целом. К слову, претензии по семплам из чужих треков, из-за которых часто и много судятся — это в подавляющем большинстве случаев претензии к незаконному использованию чужой фонограммы, её фрагмента, или исполнения, но не претензии к тому, что кто-то использовал чужой звук.
Но ведь если так подумать, то в современной музыке тембр и звуковой дизайн часто становятся чуть ли не ключевым выразительным средством, особенно в таких жанрах как эмбиент, синематик, атмосферная музыка и так далее. Да и в более массовых жанрах тот или иной звук часто составляет чуть ли не половину вайба композиции. Но правовой защиты тембра до сих пор нет, поэтому даже если вы создадите для своей музыки какой-то уникальный набор звуков, то всегда может найтись кто-то, кто просто скопирует ваши звуки и абсолютно незаконно начнёт использовать их в своих треках.
С одной стороны проблемы вроде как нет, ведь всегда можно защитить фонограмму. Но фонограмма — это не звуки как таковые, а их сочетание в некотором контексте. Также есть и общеупотребительные тембры, вопрос к авторству которых не возникает. Например, тембры всех известных акустических музыкальных инструментов. Однако, если использующиеся тембры рукотворны, то есть созданы творческим трудом конкретного композитора или музыканта, то логично, что и они должны защищаться авторским правом, особенно в случае если конкретный звук является ключевым и исключительным выразительным средством в конкретной композиции, даже при условии, что в композиции используются другие звуки. То есть правовая защита тембра должна обеспечиваться не только как части фонограммы, но и отдельно от неё.
А что вы думаете по этому поводу? Нужна ли правовая защита авторства на отдельные звуки и тембры, или достаточно существующей системы, когда защищается только фонограмма?
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#звук #тембр #синтеззвука #дизайнзвука #авторскоеправо
Думаю все знают, как защищаются авторские права на музыкальные произведения. В настоящий момент правовая защита результатов вашей творческой деятельности регламентируется ч.4 ГК РФ. И в случае с музыкой защищаются: текст песни, партитура (мелодия), фонограмма (конечный результат) и исполнение (как частный случай фонограммы).
Базовые принципы правовой защиты музыкальных произведений были сформулированы ещё в начале XX века, но с тех пор поменялось много всего. В частности, композиторам стал доступен абсолютно новый уровень работы с звуком и тембром. В некоторых случаях именно тембр и звуковой дизайн становятся ключевым выразительным средством музыки, однако правовой защиты тембров до сих пор нет. То есть звук как таковой можно защитить лишь в составе фонограммы, при этом защищается не сам звук, а фонограмма в целом. К слову, претензии по семплам из чужих треков, из-за которых часто и много судятся — это в подавляющем большинстве случаев претензии к незаконному использованию чужой фонограммы, её фрагмента, или исполнения, но не претензии к тому, что кто-то использовал чужой звук.
Но ведь если так подумать, то в современной музыке тембр и звуковой дизайн часто становятся чуть ли не ключевым выразительным средством, особенно в таких жанрах как эмбиент, синематик, атмосферная музыка и так далее. Да и в более массовых жанрах тот или иной звук часто составляет чуть ли не половину вайба композиции. Но правовой защиты тембра до сих пор нет, поэтому даже если вы создадите для своей музыки какой-то уникальный набор звуков, то всегда может найтись кто-то, кто просто скопирует ваши звуки и абсолютно незаконно начнёт использовать их в своих треках.
С одной стороны проблемы вроде как нет, ведь всегда можно защитить фонограмму. Но фонограмма — это не звуки как таковые, а их сочетание в некотором контексте. Также есть и общеупотребительные тембры, вопрос к авторству которых не возникает. Например, тембры всех известных акустических музыкальных инструментов. Однако, если использующиеся тембры рукотворны, то есть созданы творческим трудом конкретного композитора или музыканта, то логично, что и они должны защищаться авторским правом, особенно в случае если конкретный звук является ключевым и исключительным выразительным средством в конкретной композиции, даже при условии, что в композиции используются другие звуки. То есть правовая защита тембра должна обеспечиваться не только как части фонограммы, но и отдельно от неё.
А что вы думаете по этому поводу? Нужна ли правовая защита авторства на отдельные звуки и тембры, или достаточно существующей системы, когда защищается только фонограмма?
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#звук #тембр #синтеззвука #дизайнзвука #авторскоеправо
🔥5👍2🤡2❤1
Как защитить свою музыку от ИИ, часть 1
Друзья, я глубоко убеждён, что обучение ИИ на музыке без согласия автора — это грубое нарушение авторских прав. Я открыто выступаю против внедрения и использования генеративного ИИ для создания музыки в любой форме. Я не разделяю точку зрения, что ИИ — это просто инструмент. Инструмент — это то, на чём ты можешь играть, выражая то, что ты чувствуешь напрямую. Гитара — инструмент, синтезатор — инструмент, голос — инструмент, ИИ не является инструментом — эти технология, не имеющая никакого отношения к музыке.
В то время, как на западе уже создаются профсоюзы музыкантов против ИИ, музыканты объединяются и подписывают петиции, отстаивают свои права в судах, в наших краях толпы бесталанных лентяев и тунеядцев всех мастей открыто пропагандируют использование ИИ, занимаются продвижением треков, созданных ИИ. При этом цинично заявляя, что живые музыканты больше не нужны, забывая, что звукосодержащий продукт, который они генерят в той же SUNO, не был бы возможен, если бы ушлые корпорации без разрешения авторов не обучили нейронки на музыке, созданной тысячами живых людей.
Впрочем, возмущаться по этому поводу бессмысленно, поэтому я решил исследовать реальные способы защитить свою музыку и музыку своих клиентов и коллег от обучения ИИ, а также любые другие способы защиты своей музыки от незаконного использования, копирования, семплирования и так далее. Результатами этого исследования я поделюсь с вами в этом и следующих постах.
Глобально, в настоящий момент существует две технологии защиты музыки:
🎛 Звуковые ватермарки (audio watermarks)
🎛 Процедурно сгенерированный шум, нарушающий процесс обучения / работы ИИ-моделей и вызывающий так называемое "отравление датасета"
Обе технологии построены на одном принципе — на основе анализа вашего трека и некоторых дополнительных вводных, генерируется специальный сигнал, неслышимый для человека. Этот сигнал подмешивается в фонограмму, в результате чего:
🎛 В случае со звуковой ватермаркой, при любом использованим вашего трека — для обучения ИИ, семплирования, ресемплирования и так далее, вы сможете доказать, что в качестве исходного материала использовалась именно ваша музыка. Звуковые ватермарки устойчивы к сжатию, фильтрации, ресемплингу и другим искажениям, а так как современные нейросети типа SUNO генерируют результат по сути компилируя фрагменты чужих треков, на которых их обучили, доказать, что трек был сгенерирован нейросетью на основе вашего, будет не сложно.
🎛 При "отравлении датасета" обучить ИИ на вашем треке будет проблематично, разделение на стемы будет работать плохо (с сильными артефактами), а сервисы генерации промтов путём анализа готовых треков будут выдавать не правильные результаты.
Те же самые технологии можно использовать и для защиты своего голоса от клонирования, создания на его основе дипфейков и так далее. Сейчас это тоже очень актуально, так как у артистов начинают красть не только музыку, но уже и голоса.
Подробно каждую из технологий я опишу в следующих постах (часть 2, часть 3).
⚠️ Делитесь постом с друзьями и коллегами, чтобы все знали, как можно защитить свою музыку и противодействовать творящемуся вокруг ии-безумию.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Друзья, я глубоко убеждён, что обучение ИИ на музыке без согласия автора — это грубое нарушение авторских прав. Я открыто выступаю против внедрения и использования генеративного ИИ для создания музыки в любой форме. Я не разделяю точку зрения, что ИИ — это просто инструмент. Инструмент — это то, на чём ты можешь играть, выражая то, что ты чувствуешь напрямую. Гитара — инструмент, синтезатор — инструмент, голос — инструмент, ИИ не является инструментом — эти технология, не имеющая никакого отношения к музыке.
В то время, как на западе уже создаются профсоюзы музыкантов против ИИ, музыканты объединяются и подписывают петиции, отстаивают свои права в судах, в наших краях толпы бесталанных лентяев и тунеядцев всех мастей открыто пропагандируют использование ИИ, занимаются продвижением треков, созданных ИИ. При этом цинично заявляя, что живые музыканты больше не нужны, забывая, что звукосодержащий продукт, который они генерят в той же SUNO, не был бы возможен, если бы ушлые корпорации без разрешения авторов не обучили нейронки на музыке, созданной тысячами живых людей.
Впрочем, возмущаться по этому поводу бессмысленно, поэтому я решил исследовать реальные способы защитить свою музыку и музыку своих клиентов и коллег от обучения ИИ, а также любые другие способы защиты своей музыки от незаконного использования, копирования, семплирования и так далее. Результатами этого исследования я поделюсь с вами в этом и следующих постах.
Глобально, в настоящий момент существует две технологии защиты музыки:
🎛 Звуковые ватермарки (audio watermarks)
🎛 Процедурно сгенерированный шум, нарушающий процесс обучения / работы ИИ-моделей и вызывающий так называемое "отравление датасета"
Обе технологии построены на одном принципе — на основе анализа вашего трека и некоторых дополнительных вводных, генерируется специальный сигнал, неслышимый для человека. Этот сигнал подмешивается в фонограмму, в результате чего:
🎛 В случае со звуковой ватермаркой, при любом использованим вашего трека — для обучения ИИ, семплирования, ресемплирования и так далее, вы сможете доказать, что в качестве исходного материала использовалась именно ваша музыка. Звуковые ватермарки устойчивы к сжатию, фильтрации, ресемплингу и другим искажениям, а так как современные нейросети типа SUNO генерируют результат по сути компилируя фрагменты чужих треков, на которых их обучили, доказать, что трек был сгенерирован нейросетью на основе вашего, будет не сложно.
🎛 При "отравлении датасета" обучить ИИ на вашем треке будет проблематично, разделение на стемы будет работать плохо (с сильными артефактами), а сервисы генерации промтов путём анализа готовых треков будут выдавать не правильные результаты.
Те же самые технологии можно использовать и для защиты своего голоса от клонирования, создания на его основе дипфейков и так далее. Сейчас это тоже очень актуально, так как у артистов начинают красть не только музыку, но уже и голоса.
Подробно каждую из технологий я опишу в следующих постах (часть 2, часть 3).
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍15❤10🔥6🙏1
Как защитить свою музыку от ИИ, часть 2
Технология звуковых ватермарок является хорошо изученной и существуют несколько готовых продуктов и сервисов её реализующих. Я изучил различные варианты и выделил для себя два:
🎛 Бесплатный сервис Trusted Audio. В нём вы сможете загрузить ваши файлы и подписать их неслышимой звуковой ватермаркой, которая будет содержать все сведения о вас, как об авторе. Распознавание звуковой ватермарки также производится в этом сервисе. Trusted Audio существует с 2007 года, описание технологии можно почитать тут — https://www.trustedaudio.com/about
🎛 Проект WAVMARK. Его также можно использовать абсолютно бесплатно, но есть проблема — он недоступен как готовый сервис или ПО. По сути это приложение написанное на Python, поэтому для работы с ним придётся поставить на компьютер Python и немного в нём разобраться. Добавление в файл ватермарок производится путём запуска заранее написанного скрипта из командной строки.
Также существует бесплатный проект AudioSeal, про который много писали и говорили в последнее время (я упоминал о нём в одном из постов). Его детальное изучение показало, что AudioSeal не умеет работать со стереофайлами и ориентирован в первую очередь на защиту голоса и других монофонических источников сигнала. Подписать стереофайл с помощью AudioSeal получается только разделив его на две моно-дорожки — одна для левого, вторая для правого каналов. Далее нужно подписать каждую дорожку отдельно и после этого склеить всё обратно в стерео. Для использования на практике это, мягко говоря, не очень удобно.
Для технического тестирования сервисов я сгенерировал 4 аудиофайла: синусоиды с частотой 100, 1000, 10000 Гц, и треугольный сигнал с частотой 220 Гц, пятым файлом был полностью сведённый и отмастеренный трек. Исследование алгоритмов на изолированных единичных сигналах в данном случае является синтетическим тестом, но даёт гораздо больше понимания, как работает конкретный алгоритм и что именно он генерирует. "Подписанные" сервисами файлы я впоследствии сравнил с оригиналом на слух и по спектроанализатору.
Результат работы и Trusted Audio и WAVMARK меня вполне устроил. В обоих случаях в файл добавляется статический сигнал (подпись), который незначительно изменяет громкость сигнала, и вносит искажения. Искажения практически не слышно на единичных сигналах, а в случае с полностью сведённым и отмастеренным треком различить их не получилось даже на хорошем тракте прослушивания в наушниках. Единственный момент — на сведённом треке, которые не давал клипинга по пикам, в результате подписания клипинг таки появился. Это говорит о том, что для подписываемых файлов нужно оставлять запас громкости в dB FS, но и это и так надо делать, если вы собираетесь выгружать файлы в стриминг.
Вывод: Звуковые ватермарки — это эффективный способ доказательной защиты вашей музыки, но с одним лишь нюансом — юридический статус такой защиты не определён, и в случае судебного разбирательства аргументация в стиле "Ну вот смотрите, ну вот тут же в его треке фрагменты моего, так как программа определяет наличие ватермарки" видится мне достаточно зыбкой. В случае западной судебной системы вы, возможно, ещё и сможете что-то доказать. В российском суде, в ответ на такой аргумент, судья скорее всего посмотрит на вас и покрутит пальцем у виска. Или назначит экспертизу, результат которой скорее всего будет зависеть от того, кто больше "занесёт". Поэтому, звуковая ватермарка — это способ в большей степени успокоить самого себя, нежели защитить свои права и свою музыку.
В следующем посте я подробно расскажу про вторую технологию защиты музыки — так называемое "отравление датасета" препятствующее работе нейросетей.
⚠️ Делитесь постом с друзьями и коллегами, чтобы все знали, как можно защитить свою музыку и противодействовать творящемуся вокруг ии-безумию.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Технология звуковых ватермарок является хорошо изученной и существуют несколько готовых продуктов и сервисов её реализующих. Я изучил различные варианты и выделил для себя два:
🎛 Бесплатный сервис Trusted Audio. В нём вы сможете загрузить ваши файлы и подписать их неслышимой звуковой ватермаркой, которая будет содержать все сведения о вас, как об авторе. Распознавание звуковой ватермарки также производится в этом сервисе. Trusted Audio существует с 2007 года, описание технологии можно почитать тут — https://www.trustedaudio.com/about
🎛 Проект WAVMARK. Его также можно использовать абсолютно бесплатно, но есть проблема — он недоступен как готовый сервис или ПО. По сути это приложение написанное на Python, поэтому для работы с ним придётся поставить на компьютер Python и немного в нём разобраться. Добавление в файл ватермарок производится путём запуска заранее написанного скрипта из командной строки.
Также существует бесплатный проект AudioSeal, про который много писали и говорили в последнее время (я упоминал о нём в одном из постов). Его детальное изучение показало, что AudioSeal не умеет работать со стереофайлами и ориентирован в первую очередь на защиту голоса и других монофонических источников сигнала. Подписать стереофайл с помощью AudioSeal получается только разделив его на две моно-дорожки — одна для левого, вторая для правого каналов. Далее нужно подписать каждую дорожку отдельно и после этого склеить всё обратно в стерео. Для использования на практике это, мягко говоря, не очень удобно.
Для технического тестирования сервисов я сгенерировал 4 аудиофайла: синусоиды с частотой 100, 1000, 10000 Гц, и треугольный сигнал с частотой 220 Гц, пятым файлом был полностью сведённый и отмастеренный трек. Исследование алгоритмов на изолированных единичных сигналах в данном случае является синтетическим тестом, но даёт гораздо больше понимания, как работает конкретный алгоритм и что именно он генерирует. "Подписанные" сервисами файлы я впоследствии сравнил с оригиналом на слух и по спектроанализатору.
Результат работы и Trusted Audio и WAVMARK меня вполне устроил. В обоих случаях в файл добавляется статический сигнал (подпись), который незначительно изменяет громкость сигнала, и вносит искажения. Искажения практически не слышно на единичных сигналах, а в случае с полностью сведённым и отмастеренным треком различить их не получилось даже на хорошем тракте прослушивания в наушниках. Единственный момент — на сведённом треке, которые не давал клипинга по пикам, в результате подписания клипинг таки появился. Это говорит о том, что для подписываемых файлов нужно оставлять запас громкости в dB FS, но и это и так надо делать, если вы собираетесь выгружать файлы в стриминг.
Вывод: Звуковые ватермарки — это эффективный способ доказательной защиты вашей музыки, но с одним лишь нюансом — юридический статус такой защиты не определён, и в случае судебного разбирательства аргументация в стиле "Ну вот смотрите, ну вот тут же в его треке фрагменты моего, так как программа определяет наличие ватермарки" видится мне достаточно зыбкой. В случае западной судебной системы вы, возможно, ещё и сможете что-то доказать. В российском суде, в ответ на такой аргумент, судья скорее всего посмотрит на вас и покрутит пальцем у виска. Или назначит экспертизу, результат которой скорее всего будет зависеть от того, кто больше "занесёт". Поэтому, звуковая ватермарка — это способ в большей степени успокоить самого себя, нежели защитить свои права и свою музыку.
В следующем посте я подробно расскажу про вторую технологию защиты музыки — так называемое "отравление датасета" препятствующее работе нейросетей.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍10❤5🔥5🙏1
Как защитить свою музыку от ИИ, часть 3
Теперь поговорим про технологию защиты, построенную на "отравлении датасета". Реализуется она с помощью нейросетей, так что в этом случае мы будем "вышибать клин клином". Пока что эта технология достаточно молодая, и доступных для использования сервисов не много.
Я выделил для себя два:
🎛 Сервис iCloak, базирующийся на HarmonyDagger. Подписка на сервис стоит 10$ в месяц, в эту стоимость входит защита 15 треков. При желании вы можете самостоятельно установить и настроить HarmonyDagger (об этом я напишу ниже), но придётся разбираться с Python, и запускать всё это из командной строки.
🎛 Сервис ArtyShield, запустившийся буквально месяц назад и включающий в себя не только инструменты для защиты музыки и голоса, но и качественный механизм распознавания ИИ-шных треков. Я проверил его на тестовых файлах и треках, сгенерированных в SUNO. ИИ-шные треки он распознаёт безошибочно. Подписка на сервис также стоит 10$ в месяц. Количество защищаемых треков будет примерно таким же как и в iCloak.
Для технического тестирования я использовал те же аудиофайлы: синусоиды с частотой 100, 1000, 10000 Гц, и треугольный сигнал с частотой 220 Гц, пятым файлом был полностью сведённый и отмастеренный трек. "Защищённые" сервисами файлы я сравнил с оригиналами на слух и по спектроанализатору.
Результаты работы сервисов оказались для меня достаточно противоречивыми. В обоих случаях в файл добавляется специфический шум, который по заявлению разработчиков не слышит человек, но "слышит" нейросеть. Так вот, с тем, что человек его не слышит, я не соглашусь. Вносимые искажения хорошо слышно и на единичных сигналах, и даже на полностью сведённом и отмастеренном треке, особенно в моменты резких динамических перепадов.
На среднем уровне защиты (установлен по умолчанию), результаты работы ArtyShield оказались вообще не особо применимы, так как алгоритм внёс значительные искажения в звук, и справиться с этим получилось лишь установив минимальную силу защиты. У iCloak результат оказался значительно лучше. Поэтому после базовых тестов я сосредоточился на более глубоком исследовании HarmonyDagger, на котором базируется iCloak. В отличие от сервиса, при работе с HarmonyDagger из командной строки, у вас будет больше вариантов тонкой настройки алгоритма для минимизации слышимых артефактов. Кроме того, это ещё и бесплатно.
У HarmonyDagger также есть несколько дополнительных фишек — фазовая девиация, мешающая разделять трек на стемы, и временное маскирование, уменьшающее количество артефактов для материала с большим динамическим диапазоном. Я попробовал различные варианты настроек и в итоге нашёл вполне устраивающий меня вариант, при котором артефакты практически не слышны, особенно если не знаешь, что надо слушать.
Обработанные файлы я протестировал в сервисе MusicFlamingo, который позволяет, в том числе, генерировать промты для SUNO и подобных сервисов, путём анализа уже готовых треков. При попытке анализа защищённых файлов, MusicFlamingo выдавал явно искажённые результаты, что говорит об успешном нарушении работы нейросетевого алгоритма анализа. Причём, для треков, защищённых HarmonyDagger, он ошибался даже с определением стиля, темпа и тональности.
Вывод: "Отравление датасета" является перспективной, но пока ещё молодой и неотработанной технологией. С точки зрения защиты от обучения ИИ она эффективней звуковых ватермарок, однако приводит к деградации качества звука, особенно на материале с широким динамическим диапазоном. В этом случае вам однозначно придётся делать несколько копий мастера — один для выгрузки в интернет, второй для записи на физические носители. С практической точки зрения, именно эта технология даёт хоть какую-то гарантию того, что куски ваших треков не всплывут в чьих-то нейрогенерациях. И доказывать в суде тут тоже никому ничего не придётся.
⚠️ Делитесь постом с друзьями и коллегами, чтобы все знали, как можно защитить свою музыку и противодействовать творящемуся вокруг ии-безумию.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Теперь поговорим про технологию защиты, построенную на "отравлении датасета". Реализуется она с помощью нейросетей, так что в этом случае мы будем "вышибать клин клином". Пока что эта технология достаточно молодая, и доступных для использования сервисов не много.
Я выделил для себя два:
🎛 Сервис iCloak, базирующийся на HarmonyDagger. Подписка на сервис стоит 10$ в месяц, в эту стоимость входит защита 15 треков. При желании вы можете самостоятельно установить и настроить HarmonyDagger (об этом я напишу ниже), но придётся разбираться с Python, и запускать всё это из командной строки.
🎛 Сервис ArtyShield, запустившийся буквально месяц назад и включающий в себя не только инструменты для защиты музыки и голоса, но и качественный механизм распознавания ИИ-шных треков. Я проверил его на тестовых файлах и треках, сгенерированных в SUNO. ИИ-шные треки он распознаёт безошибочно. Подписка на сервис также стоит 10$ в месяц. Количество защищаемых треков будет примерно таким же как и в iCloak.
Для технического тестирования я использовал те же аудиофайлы: синусоиды с частотой 100, 1000, 10000 Гц, и треугольный сигнал с частотой 220 Гц, пятым файлом был полностью сведённый и отмастеренный трек. "Защищённые" сервисами файлы я сравнил с оригиналами на слух и по спектроанализатору.
Результаты работы сервисов оказались для меня достаточно противоречивыми. В обоих случаях в файл добавляется специфический шум, который по заявлению разработчиков не слышит человек, но "слышит" нейросеть. Так вот, с тем, что человек его не слышит, я не соглашусь. Вносимые искажения хорошо слышно и на единичных сигналах, и даже на полностью сведённом и отмастеренном треке, особенно в моменты резких динамических перепадов.
На среднем уровне защиты (установлен по умолчанию), результаты работы ArtyShield оказались вообще не особо применимы, так как алгоритм внёс значительные искажения в звук, и справиться с этим получилось лишь установив минимальную силу защиты. У iCloak результат оказался значительно лучше. Поэтому после базовых тестов я сосредоточился на более глубоком исследовании HarmonyDagger, на котором базируется iCloak. В отличие от сервиса, при работе с HarmonyDagger из командной строки, у вас будет больше вариантов тонкой настройки алгоритма для минимизации слышимых артефактов. Кроме того, это ещё и бесплатно.
У HarmonyDagger также есть несколько дополнительных фишек — фазовая девиация, мешающая разделять трек на стемы, и временное маскирование, уменьшающее количество артефактов для материала с большим динамическим диапазоном. Я попробовал различные варианты настроек и в итоге нашёл вполне устраивающий меня вариант, при котором артефакты практически не слышны, особенно если не знаешь, что надо слушать.
Обработанные файлы я протестировал в сервисе MusicFlamingo, который позволяет, в том числе, генерировать промты для SUNO и подобных сервисов, путём анализа уже готовых треков. При попытке анализа защищённых файлов, MusicFlamingo выдавал явно искажённые результаты, что говорит об успешном нарушении работы нейросетевого алгоритма анализа. Причём, для треков, защищённых HarmonyDagger, он ошибался даже с определением стиля, темпа и тональности.
Вывод: "Отравление датасета" является перспективной, но пока ещё молодой и неотработанной технологией. С точки зрения защиты от обучения ИИ она эффективней звуковых ватермарок, однако приводит к деградации качества звука, особенно на материале с широким динамическим диапазоном. В этом случае вам однозначно придётся делать несколько копий мастера — один для выгрузки в интернет, второй для записи на физические носители. С практической точки зрения, именно эта технология даёт хоть какую-то гарантию того, что куски ваших треков не всплывут в чьих-то нейрогенерациях. И доказывать в суде тут тоже никому ничего не придётся.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#нейросети #нейросетевое #ии #музыка #защитамузыки #авторскоеправо
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤12👍8🔥6🙏1
Эволюция искусства, технологии и цайтгайст
Существует теория, что искусство в целом, и музыка в частности, отражает состояние общества конкретной эпохи, его взгляды, устои и дух времени. Ирония в том, что одновременно с этим искусство на всё это влияет. То, что происходит в обществе и искусстве представляет собой не одностороннюю, а двустороннюю положительную обратную связь. Общество влияет на искусство, которое, одновременно с этим, меняет состояние общества.
Технологии в некотором смысле также являются отражением конкретной эпохи, они часто продукт времени. Эпоха Возрождения подарила нам классическую академическую музыку в том виде, в котором мы её знаем, и одновременно с этим расцвет технологий создания акустических музыкальных инструментов. Композиторы того времени стремились выжать максимум из акустических инструментов, продемонстрировав все их возможности. А стремление людей этой эпохи к гармонии и красоте, во многом определило стилистические границы музыки.
Индустриализация и появление электричества открыло новую страницу в развитии общества, музыки и искусства в целом. Звукозапись, коллажирование и появление электронных музыкальных инструментов расширили границы художественных и выразительных средств музыканта. И музыканты, как и в эпоху Возрождения, принялись выжимать из инструментов максимум возможностей, отражая тем самым дух эпохи. Электрические шумы, синтетические звуки, шумовые коллажи как нельзя лучше отражали общество эпохи индустриализации, конвейера и массового производства.
Аналогичная ситуация произошла и в эпоху цифровизации. Цифровые технологии изменили облик общества и искусства, сделали музыку ещё более синтетической, ускорили темп человеческой жизни. И музыканты снова взяли доступные им инструменты и, стремясь отразить дух времени, постарались выжать из них максимум.
Поверхностный взгляд на кривую развития общества, искусства и технологий может вызвать ощущение, что это линейный процесс и одна эпоха просто сменяет другую. Однако, если мы возьмём реальность в которой существуем прямо сейчас, и присмотримся повнимательней, то окажется, что мы живём во время, когда все эпохи уже давно смешались воедино, и когда человек со стримингом в смартфоне может спокойно идти по одной улице с человеком, слушающим CD или даже кассетный плейер, а дома имеющий внушительную коллекцию винила.
Я убеждён, что концепция последовательной смены эпох уже давно не актуальна, если она была актуальна когда-либо. Эпохи не сменяют друг-друга, они накладываются друг на друга и существуют параллельно. Эпоха цифры не пришла на смену эпохе аналога, она началась параллельно с ней. Точно также, как эпоха магнитной записи не сменила эпоху акустической академической музыки, существующей лишь в больших концертных залах — они начали сосуществовать одновременно.
Полагаю, что истинный дух нашего времени — это не очередная "эпоха нового технологического прогресса", который пришёл на смену прошлому "великому прорыву", а "эпоха интеграции". Эпоха осмысления и соединения всего того опыта и всего пути, которое человечество прошло ранее и продолжает проходить. И к искусству и музыке это имеет самое непосредственно отношение. Не "железо vs софт", а "софт + железо". Не "аналог vs цифра", а "аналог + цифра". Не "акустика vs электроника", а "акустика + электроника". И так во всём.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#интересное #мысливслух #музыка #искусство
Существует теория, что искусство в целом, и музыка в частности, отражает состояние общества конкретной эпохи, его взгляды, устои и дух времени. Ирония в том, что одновременно с этим искусство на всё это влияет. То, что происходит в обществе и искусстве представляет собой не одностороннюю, а двустороннюю положительную обратную связь. Общество влияет на искусство, которое, одновременно с этим, меняет состояние общества.
Технологии в некотором смысле также являются отражением конкретной эпохи, они часто продукт времени. Эпоха Возрождения подарила нам классическую академическую музыку в том виде, в котором мы её знаем, и одновременно с этим расцвет технологий создания акустических музыкальных инструментов. Композиторы того времени стремились выжать максимум из акустических инструментов, продемонстрировав все их возможности. А стремление людей этой эпохи к гармонии и красоте, во многом определило стилистические границы музыки.
Индустриализация и появление электричества открыло новую страницу в развитии общества, музыки и искусства в целом. Звукозапись, коллажирование и появление электронных музыкальных инструментов расширили границы художественных и выразительных средств музыканта. И музыканты, как и в эпоху Возрождения, принялись выжимать из инструментов максимум возможностей, отражая тем самым дух эпохи. Электрические шумы, синтетические звуки, шумовые коллажи как нельзя лучше отражали общество эпохи индустриализации, конвейера и массового производства.
Аналогичная ситуация произошла и в эпоху цифровизации. Цифровые технологии изменили облик общества и искусства, сделали музыку ещё более синтетической, ускорили темп человеческой жизни. И музыканты снова взяли доступные им инструменты и, стремясь отразить дух времени, постарались выжать из них максимум.
Поверхностный взгляд на кривую развития общества, искусства и технологий может вызвать ощущение, что это линейный процесс и одна эпоха просто сменяет другую. Однако, если мы возьмём реальность в которой существуем прямо сейчас, и присмотримся повнимательней, то окажется, что мы живём во время, когда все эпохи уже давно смешались воедино, и когда человек со стримингом в смартфоне может спокойно идти по одной улице с человеком, слушающим CD или даже кассетный плейер, а дома имеющий внушительную коллекцию винила.
Я убеждён, что концепция последовательной смены эпох уже давно не актуальна, если она была актуальна когда-либо. Эпохи не сменяют друг-друга, они накладываются друг на друга и существуют параллельно. Эпоха цифры не пришла на смену эпохе аналога, она началась параллельно с ней. Точно также, как эпоха магнитной записи не сменила эпоху акустической академической музыки, существующей лишь в больших концертных залах — они начали сосуществовать одновременно.
Полагаю, что истинный дух нашего времени — это не очередная "эпоха нового технологического прогресса", который пришёл на смену прошлому "великому прорыву", а "эпоха интеграции". Эпоха осмысления и соединения всего того опыта и всего пути, которое человечество прошло ранее и продолжает проходить. И к искусству и музыке это имеет самое непосредственно отношение. Не "железо vs софт", а "софт + железо". Не "аналог vs цифра", а "аналог + цифра". Не "акустика vs электроника", а "акустика + электроника". И так во всём.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#интересное #мысливслух #музыка #искусство
🔥8❤7💯6👏4
Argishty — Morning of Lotus (fusion version)
На днях у нас с Argishty вышел второй в этом году релиз — композиция "Утро лотоса". Лёгкая, позитивная, весенняя композиция о любви. Музыка, которая может быть идеальным сопровождением для вашего тёплого и домашнего воскресного утра 😌
Послушать на всех площадках можно тут — https://mscmedia.bnd.lc/morninglotus
Как и прошлую композицию, этот трек мы записали совместно с ребятами из «Trio Pal Mundo». На вашем покорном как всегда был полный цикл производства от записи до сведения и мастеринга.
Продолжаем работать с Argishty и на прошедшей неделе дописали всё для третьего нового трека. Думаю скоро вы услышите и его.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #моиработы #релизы
На днях у нас с Argishty вышел второй в этом году релиз — композиция "Утро лотоса". Лёгкая, позитивная, весенняя композиция о любви. Музыка, которая может быть идеальным сопровождением для вашего тёплого и домашнего воскресного утра 😌
Послушать на всех площадках можно тут — https://mscmedia.bnd.lc/morninglotus
Как и прошлую композицию, этот трек мы записали совместно с ребятами из «Trio Pal Mundo». На вашем покорном как всегда был полный цикл производства от записи до сведения и мастеринга.
Продолжаем работать с Argishty и на прошедшей неделе дописали всё для третьего нового трека. Думаю скоро вы услышите и его.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#послушать #моиработы #релизы
❤6👍3🔥3
Про сведение
Однажды один мой знакомый хирург сказал: "Чем дольше я оперирую — тем меньше я оперирую". Сказано это было к тому, что чем больше человек набирался опыта, тем больше осознавал, что часто исцелить человека можно вообще без хирургического вмешательства. Так вот, со сведением музыки на самом деле всё точно также.
В начале своей звукорежиссёрской карьеры многие хотят "сделать как можно больше", чтобы их работу было видно. Каждую дорожку надо обязательно эквализировать, скомпрессировать, сатурировать, накинуть 100500 модных и только что купленных плагинов, воткнуть везде Soothe и так далее. С опытом ты понимаешь, что часто, чем меньше ты вообще как-либо вмешиваешься в звучание — тем для музыки лучше. Или скажем даже так — ты начинаешь больше думать о музыке, а не о своей работе. Также, как хороший опытный хирург больше думает о пациенте, нежели о своей работе.
Как я много раз говорил "Хорошая аранжировка в сведении не нуждается". 80% хорошего звучания вашей музыки — это правильно написанные партии, правильно подобранные тембры, хорошо записанные инструменты и ваше исполнительское мастерство. Поэтому музыканту, на мой взгляд, нужно сосредоточиться именно на этом. Не учиться, как сейчас предлагают многие, сводить свои треки, а учиться их не сводить. То есть изначально писать их так, чтобы они не особо и нуждались в сведении. К слову, именно этому я учу всех, кто занимается у меня созданию звука и аранжировке на курсах или индивидуально.
Если же говорить про сведение, то 80% хорошего микса — это просто правильный баланс и его автоматизация. Не бесконечные "умные плагины", не тонны сатурации, а просто баланс. Понимание и чувствование музыки, её драматургии, задумки автора, и правильная расстановка акцентов. 80% хорошего микса — это хороший вкус звукорежиссёра. Ну и ещё, конечно, развитый слух, умение эквализировать там, где это действительно нужно, понимание, где нужно скомпрессировать, а где можно не трогать. Умение подобрать правильное пространство, которое, к слову, также базируется в первую очередь на вашем вкусе и навыке чувствовать музыку.
Про себя я также могу сказать, что "чем дольше я свожу — тем меньше я свожу". Если 10 лет назад на некоторых дорожках я мог собрать батарею из кучи плагинов, то теперь я чаще всего обхожусь двумя-тремя, а иногда вообще просто ставлю плагин аналогового ченелстрипа и этого бывает достаточно. Я считаю, что в 90% случаев хорошего результата можно добиться базовыми техниками обработки, а все эти новомодные плагины придумывают просто для того, чтобы доить с лохов деньги. Действительно революционных обработок за последние 10-15 лет можно пересчитать по пальцам и сфера их применения часто достаточно ограничена.
Если вам интересно больше почитать про сведение, то ищите в канале посты по тэгам #сведение #сведениемузыки #звукорежиссура #звукозапись #советыпосведению #эквализация #компрессия #реверберация #компрессоры #микрофоны #микрофон .
А ещё на эту тему был целый выпуск подкаста, который можно посмотреть тут.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#сведение #сведениемузыки #звукорежиссура #советыпосведению
Однажды один мой знакомый хирург сказал: "Чем дольше я оперирую — тем меньше я оперирую". Сказано это было к тому, что чем больше человек набирался опыта, тем больше осознавал, что часто исцелить человека можно вообще без хирургического вмешательства. Так вот, со сведением музыки на самом деле всё точно также.
В начале своей звукорежиссёрской карьеры многие хотят "сделать как можно больше", чтобы их работу было видно. Каждую дорожку надо обязательно эквализировать, скомпрессировать, сатурировать, накинуть 100500 модных и только что купленных плагинов, воткнуть везде Soothe и так далее. С опытом ты понимаешь, что часто, чем меньше ты вообще как-либо вмешиваешься в звучание — тем для музыки лучше. Или скажем даже так — ты начинаешь больше думать о музыке, а не о своей работе. Также, как хороший опытный хирург больше думает о пациенте, нежели о своей работе.
Как я много раз говорил "Хорошая аранжировка в сведении не нуждается". 80% хорошего звучания вашей музыки — это правильно написанные партии, правильно подобранные тембры, хорошо записанные инструменты и ваше исполнительское мастерство. Поэтому музыканту, на мой взгляд, нужно сосредоточиться именно на этом. Не учиться, как сейчас предлагают многие, сводить свои треки, а учиться их не сводить. То есть изначально писать их так, чтобы они не особо и нуждались в сведении. К слову, именно этому я учу всех, кто занимается у меня созданию звука и аранжировке на курсах или индивидуально.
Если же говорить про сведение, то 80% хорошего микса — это просто правильный баланс и его автоматизация. Не бесконечные "умные плагины", не тонны сатурации, а просто баланс. Понимание и чувствование музыки, её драматургии, задумки автора, и правильная расстановка акцентов. 80% хорошего микса — это хороший вкус звукорежиссёра. Ну и ещё, конечно, развитый слух, умение эквализировать там, где это действительно нужно, понимание, где нужно скомпрессировать, а где можно не трогать. Умение подобрать правильное пространство, которое, к слову, также базируется в первую очередь на вашем вкусе и навыке чувствовать музыку.
Про себя я также могу сказать, что "чем дольше я свожу — тем меньше я свожу". Если 10 лет назад на некоторых дорожках я мог собрать батарею из кучи плагинов, то теперь я чаще всего обхожусь двумя-тремя, а иногда вообще просто ставлю плагин аналогового ченелстрипа и этого бывает достаточно. Я считаю, что в 90% случаев хорошего результата можно добиться базовыми техниками обработки, а все эти новомодные плагины придумывают просто для того, чтобы доить с лохов деньги. Действительно революционных обработок за последние 10-15 лет можно пересчитать по пальцам и сфера их применения часто достаточно ограничена.
Если вам интересно больше почитать про сведение, то ищите в канале посты по тэгам #сведение #сведениемузыки #звукорежиссура #звукозапись #советыпосведению #эквализация #компрессия #реверберация #компрессоры #микрофоны #микрофон .
А ещё на эту тему был целый выпуск подкаста, который можно посмотреть тут.
🔊 Создание звука с Андреем Девятых
#сведение #сведениемузыки #звукорежиссура #советыпосведению
👍26❤7🔥6👏3