Рома, можешь ли ты дать совет молодым художникам о том, как они могут защитить свои творческие работы в современном мире цифровых технологий и интернета?

Привет!
Я тут поучаствовал в дискуссии и приеме дипломных работ для "Школы коллекционеров", которую провели АГА для СИРКИ в Красноярске. Спасибо за приглашение Есфирь Панек.
Конечно, красивый город и большое количество классных людей меня поразило. Но сегодня не об этом.

Я увидел очень много ярких проектов красноярских коллекционеров и понял несколько стратегий коллекционирования, которыми бы я хотел поделиться со всеми собирателями искусства.

Чего стоит избегать:
1. Одной лишь эмоциональной/эстетической мотивации. Коллекционеры часто руководствуются личными вкусами и эмоциональной реакцией на произведение искусства. Это стремление сохранить красоту, которое передает искусство, является мощным двигателем для покупки. Но не всегда вписывается в стратегию и портит впечатление от коллекции.
2. Коллекционирование только пейзажей, например. Это тоже не всегда выглядит профессионально. Да, любое искусство улучшает окружающее пространство, создает уникальную атмосферу. Но часто не вписывается в эстетические задачи коллекционирования как способа изучения того или иного направления в искусстве.
3. Ориентация только на инвестиционный потенциал искусства, особенно в контексте его раритетности и уникальности. Действительно, рост стоимости определенных работ и художников может принести значительную доходность в долгосрочной перспективе. Но тут еще не стоит забывать о том, насколько та или иная работа подходит в коллекцию, отвечает задачам коллекции. Потому что часто такая работа будет выглядеть как белая ворона.

Что нужно делать:

Для обеспеченных коллекционеров:
1. Если говорить про более или менее масштабную коллекцию, которая может стать поворотной в истории искусства, здесь лучше думать о стратегии первопроходца в собирании работ новаторских художников, которых современники еще недооценили.
Примеры: Вебер, Щукины, Третьяков, которые по достоинству оценили Сезанна, Ван Гога, Гогена, и их примеру последовали многие другие влиятельные коллекционеры.
2. Стратегия номер два – собрать настолько уникальное и полное собрание, чтобы оно стало национальным достоянием. Так случилось с собранием русско-испанского коллекционера Паулины Борнемиссы, охватывающей искусство от античности до модернизма. Ее дар испанскому народу лег в основу Музея Тиссен-Борнемисса - наверное одного из самых любимых мною музеев в мире.
3. Приобрести выдающиеся шедевры, проигнорированные музеями, тем самым способствуя переоценке ценности художника. Братья Третьяковы сыграли такую роль для русской реалистической школы.
4. Выступить меценатом и покровителем, поддерживающим молодых, непризнанных еще гениев. Таким был промышленник Соломон Гуггенхайм для авангардистов своего времени и куратор и его навигатор в коллекционировании Хилла фон Ребай.

Стратегия для всех:
1. Определите фокус коллекции. Сконцентрируйтесь на конкретном направлении, жанре, технике или региональной школе. Это поможет выстроить коллекцию более целенаправленно и в рамках бюджета.
2. Ориентируйтесь на работы начинающих или малоизвестных, но перспективных художников. Их работы стоят значительно дешевле.
3. Обращайте внимание на региональных авторов и местные арт-сообщества вашего города/региона. Там можно найти интересные произведения по привлекательным ценам.
4. Посещайте ярмарки молодого искусства, студенческие и смотры-продажи произведений начинающих художников. Например, в Красноярске скоро откроется ярмарка https://scanfair.ru
5. Знакомьтесь и общайтесь с галеристами, кураторами, художниками – это позволит быть в курсе новых имен и работ.

P.S.
Даже если вы как профессионал разбираетесь в искусстве, вам понадобится distant eye, а лучше навигатор в виде эксперта или куратора. С ним вы сможете отразить свои чувства и эмоции в более глубоком и структурированном ключе. Потому что не все работы, особенно после недавних событий, имеют потенциал. Важно учитывать и оценку международного арт-рынка.

Сегодня, 22-го июня, в 21:00 можете послушать меня в эфире станции Маяк, в передаче Ваге Севумяна и Андрея Николаева «Хорошо темперированный эфир».
Темой передачи, как это не удивительно, был «Синтез искусств».
Ну и про методы в искусстве тоже поговорили.
Также обсудили немного летние фестивали и наш проект на фестивале Signal.
Получилось достаточно живо. Спасибо ребятам.

upd начало в 21:07

Пространство будущего: проект “DO IT”
Сегодня возвращаемся к теме моего канала и поговорим про то, как пространства работают с искусством. Эту серию статей мы так и назовем «Пространство будущего».
Почему это так важно? Наверное, многие согласятся, что современные общественные пространства — музеи, галереи, концертные залы и так далее — часто выглядят немного вторично или не выполняют своих функций в полной мере.

Хороший пример работы с пространством — проект “DO IT”. Он был инициирован Хансом Ульрихом Обристом, Кристианом Болтански и Бертраном Лавье в 1993 году, как экспериментальная и концептуальная платформа. Основная идея проекта заключается в том, что художники пишут инструкции для произведений искусства, которые могут быть выполнены любым человеком, в любом месте и в любое время. Это позволяет искусству выйти за пределы традиционных галерей и музеев, становясь доступным для более широкой аудитории и создавая новые формы взаимодействия и партиципаторности.

Искусство может радикально трансформировать пространства, делая их не просто местами, где оно выставляется, но живыми и интерактивными средами, которые постоянно меняются благодаря вовлечению и участию зрителей — Ханс Ульрих Обрист

Было несколько вариантов «DO IT», например, Do It Museum, Do It Home, Do It TV, Do It Seminar, а также Anti-Do Its и Philosophy Do It.

Кто принимал участие:
Илья и Эмилия Кабаковы, Дмитрий Гутов, Андрей Монастырский, Йоко Оно, Дэвид Линч, Ай Вейвей, Марина Абрамович и многие другие.

Международные институции где проводили “DO IT“:
Serpentine Galleries (Лондон, Великобритания), Independent Curators International (ICI, Нью-Йорк, США), New Museum (Нью-Йорк, США), Garage Museum of Contemporary Art (Москва, Россия), Kunsthalle Wien (Вена, Австрия) и другие.

Основные аспекты проекта:
1. Каждая инструкция представляет собой своего рода “рецепт” для создания произведения искусства. Эти инструкции могут быть реализованы различными людьми с собственной интерпретацией, что приводит к бесконечному разнообразию конечных вариантов.
2. Проект был реализован в более чем 50 странах, что создало обширную сеть взаимодействия между художниками, культурными институциями и различными сообществами. “DO IT” превратился в крупномасштабный проект с многочисленными вариациями и интерпретациями.

Преобразование пространств и взаимодействие сообществ:
“DO IT” способствует созданию уникальных, интерактивных и культурно богатых городских пространств, которые укрепляют социальные связи, развивают культурное наследие и повышают коммерческую привлекательность мест. Проект до сих пор способствует активации общественных пространств и созданию культурных центров.

Рекомендованные статьи и ресурсы:
1. Интервью с Хансом Ульрихом Обристом, где он подробно рассказывает о концепции и эволюции проекта “DO IT”.
2. DO IT на сайте журнала DWELL.
3. Примеры проектов художников “DO IT” на сайте Google.
4. Книга Обриста, которую перевел Гараж

Выводы:
Проект “DO IT” Ханса Ульриха Обриста — это не просто платформа для создания искусства, а мощный инструмент для трансформации общественных пространств и стимулирования культурного взаимодействия. Такие проекты способствуют демократизации всякого рода пространств, вовлекая широкие слои населения в творческий процесс и формируя новые культурные и социальные связи. “DO IT” служит платформой для сотрудничества между независимыми художниками, культурными институциями, местными властями и бизнесом, открывая новые возможности для реализации творческих идей и проектов.

Ура, наконец-то вышла запись моего интервью на радио “Маяк” с прекраснейшим Ваге Севумяном. У нас получился очень теплый и умный разговор, где мы глубоко копнули в тему русского поля экспериментов.

Мы обсудили коммерциализацию экспериментального искусства, ключевые этапы работы куратора синтеза искусств и сложности, с которыми сталкиваются кураторы. Поговорили о том, как можно полюбить классику, даже если изначально не испытываешь к ней симпатии, и какие преграды встречаются на этом пути.

Про значение искусства Новых Медиа, его созерцательность и трансцендентность.

Кроме того, мы рассказали о том, что придумали для фестиваля Signal, и проанализировали текущее состояние фестивальной индустрии: как она формируется и по каким критериям отбираются участники.

Приятного прослушивания!

Genius Loci

/Йо, тут я опять врываюсь, чтобы рассказать вам про территории и пространство по следам моего похода на выставку про Рим в Пушкинском музее.

Сегодня бахну текст про то, каким таким интересным образом античный Рим был спроектирован заново в эпоху барокко, то есть про его смысловой каркас во время проектирования.

Самое интересное, что я узнал про Рим для себя, что планирование этого невероятно красивого города было направлено на отражение чего-то абсолютного и космического
И вот как это делалось:

1. Надо понимать, что до этого города и улицы в Западной Европе чаще строились как бы более или менее произвольно. А тут у нас появляется симметрия и порядок. В городском планировании эта гармония в виде прямых улиц и симметричных площадей представляла собой не больше не меньше, а земное отражение небесного порядка.

2. Площади и улицы Рима часто имели геометрические формы, такие, например, как круги, овалы и треугольники. Вот, на картинке Пьяцца-дель-Пополо с расходящимися веером тремя улицами символизировала триединство. Ну и лестница на Площади Испании тоже про это. Смотрите на фото.

3. Важные здания, такие как соборы, дворцы и фонтаны, размещались в центре площадей или в конце прямых улиц, создавая фокусные точки. Это подчеркивало важность религиозных и административных центров, представляя их как оси мироздания. А размещение античных обелисков в ключевых точках города символизировало вертикальную связь между землей и небом. В Риме проделали огромную работу по перемещению древнеримских обелисков и созданию новых дорог. Эти обелиски и дороги служили ориентирами и символами силы и глорификации церкви, связывая важные религиозные и административные центры города.

4. Фасады зданий были украшены скульптурами, барельефами и фресками, которые представляли сцены из Библии и жизни святых, создавая атмосферу священного пространства.

5. Для меня как для куратора, важно, что барочные города часто становились аренами для грандиозных религиозных праздников, во время которых город превращался в театр, а жители – в участников ритуалов. Например, площадь Святого Петра, которую спроектировал Бернини, это символические "объятия" церкви.

Заключение

Чего-то такого осмысленного я бы хотел от современного проектирования у нас, не только внутри городов, но и внутри любых других общественных пространств. Наполненный искусством и смыслами Рим до сих пор служит символом силы и величия католической церкви и всего западного мира. И именно это открытое стремление к совершенству, а не к догматичности, сделало барочный Рим вечным образцом архитектурного мастерства. Хотелось бы, чтобы и мы стремились создавать пространства и города, которые бы не только соответствовали практическим потребностям его жителей, но и являлись бы отражением наших внутренних смыслов.