022. Айдентика как взгляд через иллюминатор стиральной машины
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
023. Айдентика, которая помещает в раму не только работы, но и саму галерею
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
🔥20❤🔥18❤9👀5
Катя Сикачева — гостевой автор project × beta
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
🔥24❤🔥15👀7
Лиза Тютяева на KURS Radio
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
❤🔥40🔥17👀12
024. Айдентика кофейного проекта, которая тонизирует
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательнойебанцы странности точно хватало бы для становления знаком.
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательной
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
❤🔥26🔥16👀10
025. Айдентика, которая складывается как цифровой ковёр
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
🔥17❤🔥9👀5
Лекция Виталия Гачковского «Design as scholarship: building observation-based metaphors»
В следующий понедельник Виталик, уже знакомый вам по постам в этом канале, будет рассказывать лекцию про то, как он использует культурологические, академические и научные исследования в дизайн-процессе.
Наверное, здесь важно отметить, что одной из главных причин, почему мы (как студия) когда-то познакомились с Виталиком, был его очевидный интерес к исследовательскому, стремление смотреть вглубь и интегрировать найденное в собственные и рабочие проекты — то есть желание не декорировать, а погружаться в контекст и осмысленно проектировать. Так что мы не сомневаемся, что рассказ будет интересный.
Лекция открытая и бесплатная, а звучать она будет на английском. Подключайтесь 11 августа в 18:00 (по Мск) —ссылку на зум мы добавим в день лекции по этой зум-ссылке.
В следующий понедельник Виталик, уже знакомый вам по постам в этом канале, будет рассказывать лекцию про то, как он использует культурологические, академические и научные исследования в дизайн-процессе.
Наверное, здесь важно отметить, что одной из главных причин, почему мы (как студия) когда-то познакомились с Виталиком, был его очевидный интерес к исследовательскому, стремление смотреть вглубь и интегрировать найденное в собственные и рабочие проекты — то есть желание не декорировать, а погружаться в контекст и осмысленно проектировать. Так что мы не сомневаемся, что рассказ будет интересный.
Лекция открытая и бесплатная, а звучать она будет на английском. Подключайтесь 11 августа в 18:00 (по Мск) —
❤🔥41🔥16👀12
026. Проект, который исследует неслучайные случайности
Привет, сегодня я (сегодня «я» — это Катя) расскажу вам про Outcomes Studies — это наш исследовательский проект о природе случайности.
Как и многие другие проекты, этот начался с вопроса. Что можно считать случайностью? Можно ли спровоцировать случайность? Случайность, к которой приложил руку человек, всё ещё случайна? Обо всём этом мы задумались, когда весной 2023 года придумывали тему для собственного research-проекта на сезон.
В качестве объектов исследования было решено использовать повседневные предметы — те, с которыми каждый и так взаимодействует постоянно, но без осознанной интенции. Первый этап исследования включал в себя работу с 7 повседневными объектами. Метод исследования заключался в том, что для каждого предмета было выбрано одно действие, которое в дальнейшем повторялось ежедневно в течение всего времени проведения эксперимента — то есть в течение 30 дней. Таким образом, случайность постепенно переставала быть абсолютно случайной, ведь она становилась последствием осознанного действия, но парадоксально каждый результат оставался непредсказуемым визуально, структурно, по характеру.
Каждый результат взаимодействия с объектами документировала наша подруга, также выступившая в роли специального исследователя, — фотограф Даша Фомина. Так мы могли отслеживать предсказуемость процесса и непредсказуемый визуальный outcome.
Проект мы начали весной 2023 года и закончили поздней зимой 2024 года, запустив сайт с результатами исследования. Но мы сразу понимали, что это будет лишь первое проявление Outcomes Studies, и заранее планировали следующие шаги. О них я расскажу в следующем посте.
Ссылка на исследование ↗
Привет, сегодня я (сегодня «я» — это Катя) расскажу вам про Outcomes Studies — это наш исследовательский проект о природе случайности.
Как и многие другие проекты, этот начался с вопроса. Что можно считать случайностью? Можно ли спровоцировать случайность? Случайность, к которой приложил руку человек, всё ещё случайна? Обо всём этом мы задумались, когда весной 2023 года придумывали тему для собственного research-проекта на сезон.
В качестве объектов исследования было решено использовать повседневные предметы — те, с которыми каждый и так взаимодействует постоянно, но без осознанной интенции. Первый этап исследования включал в себя работу с 7 повседневными объектами. Метод исследования заключался в том, что для каждого предмета было выбрано одно действие, которое в дальнейшем повторялось ежедневно в течение всего времени проведения эксперимента — то есть в течение 30 дней. Таким образом, случайность постепенно переставала быть абсолютно случайной, ведь она становилась последствием осознанного действия, но парадоксально каждый результат оставался непредсказуемым визуально, структурно, по характеру.
Каждый результат взаимодействия с объектами документировала наша подруга, также выступившая в роли специального исследователя, — фотограф Даша Фомина. Так мы могли отслеживать предсказуемость процесса и непредсказуемый визуальный outcome.
Проект мы начали весной 2023 года и закончили поздней зимой 2024 года, запустив сайт с результатами исследования. Но мы сразу понимали, что это будет лишь первое проявление Outcomes Studies, и заранее планировали следующие шаги. О них я расскажу в следующем посте.
Ссылка на исследование ↗
❤🔥23🔥12👀11
Онлайн-выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times»
Мимолётная выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times», которую мы показывали весной в Сеуле, обрела форму диджитальной выставки, которая будет с нами до тех пор, пока не закончится интернет.
В ней мы собрали 145 циферблатов, которые придумали для этого проекта, и сопроводили их все небольшими текстовыми комментариями от авторов. А также — это радостная случайность — на сайте появилось почти два десятка оживших циферблатов, которые сделал для нас настоящий энтузиаст Илья Симантовский, с которым мы познакомились благодаря школе Werkstatt.
Ещё, кажется, надо сказать пару слов про не самый радостный контекст, сопровождающий перемещение проекта из офлайна в онлайн. С момента, как мы сделали выставку в Pop Hannam — пространстве нежно любимого книжного Post Poetics, — и пространство, и сам книжный успели закрыться. Вот так наша временная выставка про неуловимость времени срифмовалась с печальным осознанием, что и Post Poetics тоже не вечный. Но приятно знать, что мы всё-таки успели не только подружиться с его командой, но и вписать себя на одну из страниц истории проекта, которым всегда восхищались.
Отдельным абзацем хочется поблагодарить всех причастных к проекту: Катю Сикачеву и Аню Емец, Лизу Тютяеву, Виталика Гачковского, Ваню Кольцова, Машу Красину, Владу Олейник, Лену Гавриленко, Дашу Левашову, Бориса Сатина, Карима Болгари, Глеба Куликова, Рому Белякова, Катю Прим, уже упомянутого выше Илью, Даню Шабака и Толю Гращенко — спасибо вам!
1-145.non-objective.works
Мимолётная выставка «Clockwise and Otherwise: Non-Objective Times», которую мы показывали весной в Сеуле, обрела форму диджитальной выставки, которая будет с нами до тех пор, пока не закончится интернет.
В ней мы собрали 145 циферблатов, которые придумали для этого проекта, и сопроводили их все небольшими текстовыми комментариями от авторов. А также — это радостная случайность — на сайте появилось почти два десятка оживших циферблатов, которые сделал для нас настоящий энтузиаст Илья Симантовский, с которым мы познакомились благодаря школе Werkstatt.
Ещё, кажется, надо сказать пару слов про не самый радостный контекст, сопровождающий перемещение проекта из офлайна в онлайн. С момента, как мы сделали выставку в Pop Hannam — пространстве нежно любимого книжного Post Poetics, — и пространство, и сам книжный успели закрыться. Вот так наша временная выставка про неуловимость времени срифмовалась с печальным осознанием, что и Post Poetics тоже не вечный. Но приятно знать, что мы всё-таки успели не только подружиться с его командой, но и вписать себя на одну из страниц истории проекта, которым всегда восхищались.
Отдельным абзацем хочется поблагодарить всех причастных к проекту: Катю Сикачеву и Аню Емец, Лизу Тютяеву, Виталика Гачковского, Ваню Кольцова, Машу Красину, Владу Олейник, Лену Гавриленко, Дашу Левашову, Бориса Сатина, Карима Болгари, Глеба Куликова, Рому Белякова, Катю Прим, уже упомянутого выше Илью, Даню Шабака и Толю Гращенко — спасибо вам!
1-145.non-objective.works
❤🔥34🔥19👀10
027. Случайно сложившаяся выставка о случайностях
Обещанное продолжение рассказа про Outcomes Studies. Всем привет, здесь Катя!
Вполне в духе этого проекта все события были счастливыми случайностями. Весной 2024 мы с Артёмом были в Милане — и случайно, через нашу знакомую, Джулию (которая, к слову, делает великий Cose Journal), узнали про галерею Small Small Space.
Это, во-первых, очень-очень маленькое пространство, название не врёт. Во-вторых, оно находится в арке — сквозном проходе через жилой дом: как нам потом рассказали основатели SSS, раньше там было что-то вроде «дома быта». И, наконец, у него совершенно удивительная планировка, на первый взгляд немыслимая для галереи. По сути всё пространство — это двусоставная витрина: и если в одну часть ещё можно попасть, то вторая — это просто четыре «окна». И это автоматически значит, что приходить на выставку даже не нужно — каждый прохожий невольно становится зрителем, в любое время дня или ночи.
Нам показалось, что это всё красиво перекликается с идеей проекта: выставка о природе случайности, которую можно посетить совершенно случайно. Концептуально оправданное и немного абсурдное — это наше любимое.
Через месяц мы уже на связи с ребятами из галереи и договариваемся о звонке-знакомстве, чтобы обсудить возможную выставку. Дальше был один зум-звонок на 30 минут, много взаимных комплиментов — и вот мы уже фиксируем даты выставки: с 24 по 30 сентября, Милан, Small Small Space.
Следующие три месяца посвящены подготовке к выставке: нужно придумать экспозиционное решение и решить, что делать с продакшеном. Ещё мы сразу поняли, что не хотим просто дублировать то, что уже есть на сайте проекта, — и решили придумать какое-то site-specific продолжение. Поиск был довольно долгим, но мы справились (привет Артёму и Ане!). Решили разделить выставку на две части, подчеркнув двухчастность доступного нам пространства: на визуальную и на текстовую.
Визуальная состояла из фотодокументации взаимодействия с тремя объектами. Специально для выставки мы провели несколько новых экспериментов, чтобы показать новые объекты. Текстовая же часть состояла из карточек-инструкций о том, как можно интегрировать в свою жизнь контролируемую случайность. Мы написали 30 специальных рекомендаций, которые призывали задуматься о том, что же получается в результате случайных взаимодействий, — и в принципе мотивировали быть внимательнее к своему быту, учиться искать красивое или весёлое в будничном. (Здесь мы собирали небольшую гифку с этими карточками.)
И, конечно же, у каждой выставки должен быть свой каталог — и он стал завершающим элементом, связывающим две части (визуальную и текстовую) воедино. Но мы были бы не мы, если бы и в каталог не добавили какой-то случайности. Мы придумали, что он тоже станет одним из объектов исследования Outcomes Studies — и предложили владельцам книги отрывать её первый лист, тем самым создавая случайный и уникальный вариант обложки. (Весь тираж каталогов разлетелся за первые дни, но мы обязательно допечатаем его в каком-то обозримом будущем.)
А ещё пара слов про продакшен выставки. Оценив возможности (и стоимость…) печати в Милане, мы решили напечатать всё в Москве — и привезти всё с собой в чемодане. Так, в очередной раз — из ограничения, появилось решение, что вся выставка будет собираться из листов А5: так мы сможем легко всё упаковать, довезти и легко смонтировать на месте. И тогда же родилась идея «выставок в чемодане», которую мы продолжили в Сеуле — и планируем развивать и дальше. Есть что-то будоражащее воображение в том, чтобы придумывать, как при таких ограничениях делать разные выставки и так же безболезненно перевозить их из страны в страну.
Картинки 1–11 ↗
Обещанное продолжение рассказа про Outcomes Studies. Всем привет, здесь Катя!
Вполне в духе этого проекта все события были счастливыми случайностями. Весной 2024 мы с Артёмом были в Милане — и случайно, через нашу знакомую, Джулию (которая, к слову, делает великий Cose Journal), узнали про галерею Small Small Space.
Это, во-первых, очень-очень маленькое пространство, название не врёт. Во-вторых, оно находится в арке — сквозном проходе через жилой дом: как нам потом рассказали основатели SSS, раньше там было что-то вроде «дома быта». И, наконец, у него совершенно удивительная планировка, на первый взгляд немыслимая для галереи. По сути всё пространство — это двусоставная витрина: и если в одну часть ещё можно попасть, то вторая — это просто четыре «окна». И это автоматически значит, что приходить на выставку даже не нужно — каждый прохожий невольно становится зрителем, в любое время дня или ночи.
Нам показалось, что это всё красиво перекликается с идеей проекта: выставка о природе случайности, которую можно посетить совершенно случайно. Концептуально оправданное и немного абсурдное — это наше любимое.
Через месяц мы уже на связи с ребятами из галереи и договариваемся о звонке-знакомстве, чтобы обсудить возможную выставку. Дальше был один зум-звонок на 30 минут, много взаимных комплиментов — и вот мы уже фиксируем даты выставки: с 24 по 30 сентября, Милан, Small Small Space.
Следующие три месяца посвящены подготовке к выставке: нужно придумать экспозиционное решение и решить, что делать с продакшеном. Ещё мы сразу поняли, что не хотим просто дублировать то, что уже есть на сайте проекта, — и решили придумать какое-то site-specific продолжение. Поиск был довольно долгим, но мы справились (привет Артёму и Ане!). Решили разделить выставку на две части, подчеркнув двухчастность доступного нам пространства: на визуальную и на текстовую.
Визуальная состояла из фотодокументации взаимодействия с тремя объектами. Специально для выставки мы провели несколько новых экспериментов, чтобы показать новые объекты. Текстовая же часть состояла из карточек-инструкций о том, как можно интегрировать в свою жизнь контролируемую случайность. Мы написали 30 специальных рекомендаций, которые призывали задуматься о том, что же получается в результате случайных взаимодействий, — и в принципе мотивировали быть внимательнее к своему быту, учиться искать красивое или весёлое в будничном. (Здесь мы собирали небольшую гифку с этими карточками.)
И, конечно же, у каждой выставки должен быть свой каталог — и он стал завершающим элементом, связывающим две части (визуальную и текстовую) воедино. Но мы были бы не мы, если бы и в каталог не добавили какой-то случайности. Мы придумали, что он тоже станет одним из объектов исследования Outcomes Studies — и предложили владельцам книги отрывать её первый лист, тем самым создавая случайный и уникальный вариант обложки. (Весь тираж каталогов разлетелся за первые дни, но мы обязательно допечатаем его в каком-то обозримом будущем.)
А ещё пара слов про продакшен выставки. Оценив возможности (и стоимость…) печати в Милане, мы решили напечатать всё в Москве — и привезти всё с собой в чемодане. Так, в очередной раз — из ограничения, появилось решение, что вся выставка будет собираться из листов А5: так мы сможем легко всё упаковать, довезти и легко смонтировать на месте. И тогда же родилась идея «выставок в чемодане», которую мы продолжили в Сеуле — и планируем развивать и дальше. Есть что-то будоражащее воображение в том, чтобы придумывать, как при таких ограничениях делать разные выставки и так же безболезненно перевозить их из страны в страну.
Картинки 1–11 ↗
❤🔥16👀8🔥7