Werkstatt × Non-Objective
Мы дружим с Werkstatt с самого начала и очень сильно верим в то, что Юля с Толей — основатели школы — делают. В Werkstatt правит душа и желание делать классно, а не маркетологи и стремление захватить побольше и сразу, как это, к сожалению, часто бывало в других образовательных инициативах, с которыми мы сталкивались. И именно поэтому в школе есть свобода: каждому из учителей позволяют выстраивать курсы такими, чтобы они становились максимально полезным, честными и цельным — даже если иногда это происходит вопреки каким-то штукам, за которые бились бы условные маркетологи.
Нам повезло вести в Werkstatt сразу две программы, которыми мы гордимся: у Кати есть выдающийся интенсив «Инструменты креативности», а я (Артём) веду курс «Identity from I to Y».
Обе программы — так или иначе про то, как работает Non-Objective. Я показываю, как мы делаем айдентики, проводим исследования, налаживаем коммуникацию и настраиваем процесс работы. А интенсив Кати с одной стороны более прицельный, но в то же время куда универсальнее — он про придумывание в широком смысле. То есть подойдёт не только дизайнерам и применим не только к айдентикам, но и, например, пригодится в придумывании съёмок, продуктов, событий, мерча — да и вообще любых концепций. Бóльшую часть инструментов и подходов, про которые рассказывает Катя, мы ежедневно используем в своей работе и использовали для того, чтобы придумывать идеи, о которых пишем в этом канале.
В нашем идеальном сценарии курс и интенсив работают в комплексе. И вот сейчас так сошлись звёзды (на самом деле — наши расписания), что можно устроить себе максимальное погружение в подход Non-Objective: пройти бодрый интенсив по придумыванию в апреле и успеть записаться слушателем курс про айдентику, он стартует уже на следующей неделе. Группа практиков уже набралась, но будем честны: студентам совмещать интенсив с практическим форматом курса (плюс, скорее всего, с основной работой) было бы сложновато. Или же можно пойти на интенсив сейчас, а осенью применить полученные инструменты уже на практическом формате курса про айдентику — это тоже классный формат более плавного погружения в наш рабочий мир.
Мы очень любим делиться тем, как мы работаем, — и очень благодарны, что в Werkstatt нам позволяют делать это без каких-либо фильтров. Так что приходите, будем рады с вами познакомиться.
Такая вот быстрая и честная рекламная пауза. (Да, получается, заказали рекламу сами у себя.)
Мы дружим с Werkstatt с самого начала и очень сильно верим в то, что Юля с Толей — основатели школы — делают. В Werkstatt правит душа и желание делать классно, а не маркетологи и стремление захватить побольше и сразу, как это, к сожалению, часто бывало в других образовательных инициативах, с которыми мы сталкивались. И именно поэтому в школе есть свобода: каждому из учителей позволяют выстраивать курсы такими, чтобы они становились максимально полезным, честными и цельным — даже если иногда это происходит вопреки каким-то штукам, за которые бились бы условные маркетологи.
Нам повезло вести в Werkstatt сразу две программы, которыми мы гордимся: у Кати есть выдающийся интенсив «Инструменты креативности», а я (Артём) веду курс «Identity from I to Y».
Обе программы — так или иначе про то, как работает Non-Objective. Я показываю, как мы делаем айдентики, проводим исследования, налаживаем коммуникацию и настраиваем процесс работы. А интенсив Кати с одной стороны более прицельный, но в то же время куда универсальнее — он про придумывание в широком смысле. То есть подойдёт не только дизайнерам и применим не только к айдентикам, но и, например, пригодится в придумывании съёмок, продуктов, событий, мерча — да и вообще любых концепций. Бóльшую часть инструментов и подходов, про которые рассказывает Катя, мы ежедневно используем в своей работе и использовали для того, чтобы придумывать идеи, о которых пишем в этом канале.
В нашем идеальном сценарии курс и интенсив работают в комплексе. И вот сейчас так сошлись звёзды (на самом деле — наши расписания), что можно устроить себе максимальное погружение в подход Non-Objective: пройти бодрый интенсив по придумыванию в апреле и успеть записаться слушателем курс про айдентику, он стартует уже на следующей неделе. Группа практиков уже набралась, но будем честны: студентам совмещать интенсив с практическим форматом курса (плюс, скорее всего, с основной работой) было бы сложновато. Или же можно пойти на интенсив сейчас, а осенью применить полученные инструменты уже на практическом формате курса про айдентику — это тоже классный формат более плавного погружения в наш рабочий мир.
Мы очень любим делиться тем, как мы работаем, — и очень благодарны, что в Werkstatt нам позволяют делать это без каких-либо фильтров. Так что приходите, будем рады с вами познакомиться.
Такая вот быстрая и честная рекламная пауза. (Да, получается, заказали рекламу сами у себя.)
016. Айдентика, собранная из элементов процесса приготовления еды
Один из самых нежно любимых проектов студии — камерная и, по меркам остальных проектов, достаточно концептуально простая айдентика для итальянского бистро Mill. Сегодня — не только рассказ про проект, но и публичная рефлексия, почему он вызывает у нас такие яркие эмоции.
Во-первых, дело в человеческом мэтче. Мы давно заочно знали ребят по другому их проекту (знаменитый Meal), но личное знакомство и погружение в то, как они подходят к работе, окончательно нас покорило. Глубокое понимание своего дела, внимание к деталям, искренность, фокус на команду, тёплые отношения внутри, доверие к каждому сопричастному, открытость к новому — и всё это не на словах, а в поступках. Это подкупает и создаёт ощущение близости и созвучности подхода, хоть мы находимся в совершенно разных сферах. Работать с такой командой и иногда оказываться в их мире — большой подарок для нас.
Хороший пример — футболка, в которой ходит команда ресторана, и заодно основной мерч Mill. На ней не просто логотип или какая-то иллюстрация, а все причастные к созданию Mill: дизайнеры интерьера, автор мозаики, бренд керамики, Praxis(abc), который сшил рабочие куртки, поставщики муки, дизайнеры айдентики — мы. Эту идею придумали сами ребята — а мы просто нашли для неё идеальную визуальную форму. Кажется, это очень красивая история про уважение к труду: не только своему, но и всех причастных.
Во-вторых, фокус на процессе и его прозрачность. Вкусное и классно придуманное — при всей своей внешней простоте — результат кропотливого труда команды, продуманного до деталей процесса (например, заказали какую-то удивительную печь) и отработанного до идеальности, отобранных чуть ли не вручную лучших локальных поставщиков нужных ингредиентов.
Поэтому в айдентике мы не стали придумывать сложносочинённые концепции и метафоры, а решили пойти самым честным и уместным здесь путём — через эмоциональное и погружение в процесс, чтобы дизайн ощущался органически встроенным во вселенную Mill. Так и нашёлся логотип, который будто слепили из теста, а потом раскатали скалкой. Он по-хорошему дурацкий: в нём есть неидеальность и пластика ручной лепки, которая делает всё живым.
Так работают и иллюстрации, нарисованные углём: ведь уголь крошится — и эти крошки при сканировании рифмуются с мукой, которая остаётся на столе. Типографика в более имиджевых носителях раскидана вокруг логотипа, как пепперони по пицце.
А ещё есть маленький артефакт, который я нежно люблю, — раскраска для детей, приходящих в Mill с родителями: в ней угольные иллюстрации Лизы рассказывают историю приготовления пиццы. Она же, когда всё здание закрыли лесами, перекочевала в расширенном виде на временный забор — и классно, что ребята согласились на такое решение вместо более очевидного — просто с крупным логотипом. И этот мэтч, где интересное и идейное выше стереотипного и привычного, — про то, о чём я писал в «во-первых».
В-третьих, дело, кажется, в лёгкости и честности. Ребята сконцентрированы на кухне — им не до графических редакторов, печати в типографиях и общения с ними (все знают, как это бывает). Поэтому меню, которое меняется довольно часто, нас попросили сдать в ворде (!), чтобы править и печатать прямо в ресторане. Фигма для макетов для соцсетей тоже звучало как лишнее усложнение. Мы уважаем полную концентрацию на своём деле — и то, что могло бы показаться препятствием для «хорошего» дизайна и челленджем, решили воспринять как эксперимент по дизайну без дизайна. Меню адаптировали под ворд, а для инстаграма нашли вообще гениальное решение: Настя Ким — продюсер проекта — придумала сканировать распечатанное меню прямо в заметки на айфоне. Такие сканы дают очень неровную, шероховатую текстуру, которая идеально вписывается в общее натуральное ощущение от айдентики: будто бы экран не разделяет, а передаёт фактуру — будто муку на пальцах после раскатки теста.
В-четвёртых, это безумно вкусно. Это самый короткий абзац, потому что писать про еду в Mill хорошо, но лучше пробовать — и мы надеемся, что у вас будет повод это сделать.
Картинки 1–16 ↗
Один из самых нежно любимых проектов студии — камерная и, по меркам остальных проектов, достаточно концептуально простая айдентика для итальянского бистро Mill. Сегодня — не только рассказ про проект, но и публичная рефлексия, почему он вызывает у нас такие яркие эмоции.
Во-первых, дело в человеческом мэтче. Мы давно заочно знали ребят по другому их проекту (знаменитый Meal), но личное знакомство и погружение в то, как они подходят к работе, окончательно нас покорило. Глубокое понимание своего дела, внимание к деталям, искренность, фокус на команду, тёплые отношения внутри, доверие к каждому сопричастному, открытость к новому — и всё это не на словах, а в поступках. Это подкупает и создаёт ощущение близости и созвучности подхода, хоть мы находимся в совершенно разных сферах. Работать с такой командой и иногда оказываться в их мире — большой подарок для нас.
Хороший пример — футболка, в которой ходит команда ресторана, и заодно основной мерч Mill. На ней не просто логотип или какая-то иллюстрация, а все причастные к созданию Mill: дизайнеры интерьера, автор мозаики, бренд керамики, Praxis(abc), который сшил рабочие куртки, поставщики муки, дизайнеры айдентики — мы. Эту идею придумали сами ребята — а мы просто нашли для неё идеальную визуальную форму. Кажется, это очень красивая история про уважение к труду: не только своему, но и всех причастных.
Во-вторых, фокус на процессе и его прозрачность. Вкусное и классно придуманное — при всей своей внешней простоте — результат кропотливого труда команды, продуманного до деталей процесса (например, заказали какую-то удивительную печь) и отработанного до идеальности, отобранных чуть ли не вручную лучших локальных поставщиков нужных ингредиентов.
Поэтому в айдентике мы не стали придумывать сложносочинённые концепции и метафоры, а решили пойти самым честным и уместным здесь путём — через эмоциональное и погружение в процесс, чтобы дизайн ощущался органически встроенным во вселенную Mill. Так и нашёлся логотип, который будто слепили из теста, а потом раскатали скалкой. Он по-хорошему дурацкий: в нём есть неидеальность и пластика ручной лепки, которая делает всё живым.
Так работают и иллюстрации, нарисованные углём: ведь уголь крошится — и эти крошки при сканировании рифмуются с мукой, которая остаётся на столе. Типографика в более имиджевых носителях раскидана вокруг логотипа, как пепперони по пицце.
А ещё есть маленький артефакт, который я нежно люблю, — раскраска для детей, приходящих в Mill с родителями: в ней угольные иллюстрации Лизы рассказывают историю приготовления пиццы. Она же, когда всё здание закрыли лесами, перекочевала в расширенном виде на временный забор — и классно, что ребята согласились на такое решение вместо более очевидного — просто с крупным логотипом. И этот мэтч, где интересное и идейное выше стереотипного и привычного, — про то, о чём я писал в «во-первых».
В-третьих, дело, кажется, в лёгкости и честности. Ребята сконцентрированы на кухне — им не до графических редакторов, печати в типографиях и общения с ними (все знают, как это бывает). Поэтому меню, которое меняется довольно часто, нас попросили сдать в ворде (!), чтобы править и печатать прямо в ресторане. Фигма для макетов для соцсетей тоже звучало как лишнее усложнение. Мы уважаем полную концентрацию на своём деле — и то, что могло бы показаться препятствием для «хорошего» дизайна и челленджем, решили воспринять как эксперимент по дизайну без дизайна. Меню адаптировали под ворд, а для инстаграма нашли вообще гениальное решение: Настя Ким — продюсер проекта — придумала сканировать распечатанное меню прямо в заметки на айфоне. Такие сканы дают очень неровную, шероховатую текстуру, которая идеально вписывается в общее натуральное ощущение от айдентики: будто бы экран не разделяет, а передаёт фактуру — будто муку на пальцах после раскатки теста.
В-четвёртых, это безумно вкусно. Это самый короткий абзац, потому что писать про еду в Mill хорошо, но лучше пробовать — и мы надеемся, что у вас будет повод это сделать.
Картинки 1–16 ↗
🔥30
Мы хотим собрать базу моушен-дизайнеров, которых могли бы звать на будущие проекты. Присылайте портфолио на почту
Нам написало очень много людей — спасибо вам! Пока что закрываем наш маленький опен колл.
017. Сайт, сделанный по правилам, который потом был аглифицирован
Часто говорят, что цифровая среда должна быть рациональной, удобной и даже незаметной. Когда мы (сегодня это слово пишет Виталик) работали над онлайн-магазином для Ugly Sweater Club, это представление противоречило нашей главной задаче — сохранить в сайте характер бренда, который полюбился людям своей непринужденностью, живостью и экспериментальностью.
Мы подумали, что непринужденность нельзя сымитировать, поэтому добавили в работу элемент игры: сначала сделали аккуратный сайт, а затем попытались его сломать. И даже придумали для этого процесса термин — сайт нужно было «аглифицировать». Это пример моего (Виталика) любимого метода — перформативного дизайна, когда метафора применяется не только к визуальному языку, но и к самому процессу работы.
В одежде Ugly Sweater Club используют вязку шиворот-навыворот и неожиданные сочетания цветов, оставляют вылезающую в процессе пряжу, искажают привычные силуэты. Так же и в сайте незаметное становится огромным и ярким, меню висит как торчащие нитки, а элементы наслаиваются и прилипают друг к другу. Один из главных приёмов — неаккуратно обрезанные фотографии — был взят из снимков рабочего процесса команды бренда.
Для нас было важно не переборщить с «аглификацией» и сохранить функциональность сайта, хоть и в стилизованном варианте: стартовая страница показывает последние съёмки и новые товары, каталог сделан привычной сеткой с фильтрами и поиском, а страница товара свёрстана понятным сплит-скрином с крупной фотографией и подробным описанием. С яркими цветами мы работали по принципам цифровой доступности: проверяли контрастность и не использовали цвет как единственный индикатор состояния.
Отдельно хочется рассказать о реализации сайта. Для команды Ugly Sweater Club важно легко обновлять контент и принимать оплату в рублях, поэтому сайт собирали на Тильде. Почти все использованные здесь блоки — базовые, лишь шапка и подвал написаны HTML-кодом. Мы модифицировали базовые блоки с помощью CSS-кода, который применён ко всему сайту, так что ребята могут самостоятельно собирать новые страницы или менять структуру.
Ссылка на сайт ↗
Часто говорят, что цифровая среда должна быть рациональной, удобной и даже незаметной. Когда мы (сегодня это слово пишет Виталик) работали над онлайн-магазином для Ugly Sweater Club, это представление противоречило нашей главной задаче — сохранить в сайте характер бренда, который полюбился людям своей непринужденностью, живостью и экспериментальностью.
Мы подумали, что непринужденность нельзя сымитировать, поэтому добавили в работу элемент игры: сначала сделали аккуратный сайт, а затем попытались его сломать. И даже придумали для этого процесса термин — сайт нужно было «аглифицировать». Это пример моего (Виталика) любимого метода — перформативного дизайна, когда метафора применяется не только к визуальному языку, но и к самому процессу работы.
В одежде Ugly Sweater Club используют вязку шиворот-навыворот и неожиданные сочетания цветов, оставляют вылезающую в процессе пряжу, искажают привычные силуэты. Так же и в сайте незаметное становится огромным и ярким, меню висит как торчащие нитки, а элементы наслаиваются и прилипают друг к другу. Один из главных приёмов — неаккуратно обрезанные фотографии — был взят из снимков рабочего процесса команды бренда.
Для нас было важно не переборщить с «аглификацией» и сохранить функциональность сайта, хоть и в стилизованном варианте: стартовая страница показывает последние съёмки и новые товары, каталог сделан привычной сеткой с фильтрами и поиском, а страница товара свёрстана понятным сплит-скрином с крупной фотографией и подробным описанием. С яркими цветами мы работали по принципам цифровой доступности: проверяли контрастность и не использовали цвет как единственный индикатор состояния.
Отдельно хочется рассказать о реализации сайта. Для команды Ugly Sweater Club важно легко обновлять контент и принимать оплату в рублях, поэтому сайт собирали на Тильде. Почти все использованные здесь блоки — базовые, лишь шапка и подвал написаны HTML-кодом. Мы модифицировали базовые блоки с помощью CSS-кода, который применён ко всему сайту, так что ребята могут самостоятельно собирать новые страницы или менять структуру.
Ссылка на сайт ↗
018. Объективация Нон-Обджектив
В ближайшее время расскажу подробнее про вазу VASE-21, которую мы выпустили в рамках Apropos Editions, — а сегодня хочу немного задать контекст и объяснить, как и зачем появился сам проект Apropos.
В ежедневной работе и образовательной практике, в интервью и лекциях мы часто говорим о нашем понимании дизайна. Для нас он — про идеи. Про придумывание и проектирование. Про работу головой, а не только руками. Про мысль, а не только про рисование картинок. С этим тесно переплетена и другая важная мысль: все «дизайны» — графический, интерьерный, мода, предметный дизайн, архитектура, дисциплины, сфокусированные на проектировании, — на самом деле не так уж разделены. Напротив, они могут и должны соприкасаться, потому что эти точки контакта провоцируют появление нового. Ведь дизайнер — это не просто набор технических навыков, а носитель подхода, видения, личного контекста. И это видение не обязано ограничиваться рамками одной индустрии или дисциплины. Идеи не знают границ.
С этими мыслями — и с давним желанием делать больше собственных физических вещей, а не только двигать пиксели на экранах — мы решили запустить своё небольшое издательство. Так появился Apropos Press. Почти сразу он трансформировался в Apropos Editions: слово Editions освободило нас от исключительно печатного и ввело другую рамку — тиражность. От одного экземпляра до бесконечности.
Первым проектом стала книга-каталог «Outcomes Studies», которая подытожила наш исследовательский проект, который прежде существовал онлайн и был показан на выставке в миланском Small Small Space. Следом — небольшая книжка (про неё тоже расскажу, когда напечатаем новый тираж) об истории и идеологии Non-Objective, напечатанная уже к сеульской выставке, — она получилась куда содержательнее и эффектнее, чем визитки.
А параллельно всё это время мы работали над первым небумажным проектом Apropos — вазой VASE-21. Пока она оформлялась и доводилась до финала, стало ясно, что Apropos мы видим таким инди-брендом, выпускающим Non-Objective objectified вещи. То есть не только публикации и объекты, выросшие из нашего процесса и ставшие сайд-проектами, но и самостоятельные, автономные вещи (как, например, ваза, которая планирует тур по европейским дизайн-ярмаркам и выставкам). Объекты, которые могут существовать без прямой связки с основной студийной практикой, но остаются при этом очень нашими — ведь они проходят через наш подход и визуальный язык, наше видение, наши интересы в моменте. Просто теперь они обрели форму и пошли в мир.
У нас есть небольшой сайт ↗ с примерным планом релизов, а ещё можно поглядеть на первые штуки в соцсетях ↗
В ближайшее время расскажу подробнее про вазу VASE-21, которую мы выпустили в рамках Apropos Editions, — а сегодня хочу немного задать контекст и объяснить, как и зачем появился сам проект Apropos.
В ежедневной работе и образовательной практике, в интервью и лекциях мы часто говорим о нашем понимании дизайна. Для нас он — про идеи. Про придумывание и проектирование. Про работу головой, а не только руками. Про мысль, а не только про рисование картинок. С этим тесно переплетена и другая важная мысль: все «дизайны» — графический, интерьерный, мода, предметный дизайн, архитектура, дисциплины, сфокусированные на проектировании, — на самом деле не так уж разделены. Напротив, они могут и должны соприкасаться, потому что эти точки контакта провоцируют появление нового. Ведь дизайнер — это не просто набор технических навыков, а носитель подхода, видения, личного контекста. И это видение не обязано ограничиваться рамками одной индустрии или дисциплины. Идеи не знают границ.
С этими мыслями — и с давним желанием делать больше собственных физических вещей, а не только двигать пиксели на экранах — мы решили запустить своё небольшое издательство. Так появился Apropos Press. Почти сразу он трансформировался в Apropos Editions: слово Editions освободило нас от исключительно печатного и ввело другую рамку — тиражность. От одного экземпляра до бесконечности.
Первым проектом стала книга-каталог «Outcomes Studies», которая подытожила наш исследовательский проект, который прежде существовал онлайн и был показан на выставке в миланском Small Small Space. Следом — небольшая книжка (про неё тоже расскажу, когда напечатаем новый тираж) об истории и идеологии Non-Objective, напечатанная уже к сеульской выставке, — она получилась куда содержательнее и эффектнее, чем визитки.
А параллельно всё это время мы работали над первым небумажным проектом Apropos — вазой VASE-21. Пока она оформлялась и доводилась до финала, стало ясно, что Apropos мы видим таким инди-брендом, выпускающим Non-Objective objectified вещи. То есть не только публикации и объекты, выросшие из нашего процесса и ставшие сайд-проектами, но и самостоятельные, автономные вещи (как, например, ваза, которая планирует тур по европейским дизайн-ярмаркам и выставкам). Объекты, которые могут существовать без прямой связки с основной студийной практикой, но остаются при этом очень нашими — ведь они проходят через наш подход и визуальный язык, наше видение, наши интересы в моменте. Просто теперь они обрели форму и пошли в мир.
У нас есть небольшой сайт ↗ с примерным планом релизов, а ещё можно поглядеть на первые штуки в соцсетях ↗
019. Формула, по которой собираются пространства RADIUS
Привет, сегодня здесь Катя, и я пришла рассказать про то, как придумывался «конструктор» пространств для бренда оптики RADIUS, наших друзей и постоянных клиентов.
Как сделать так, чтобы теперь все интерьеры RADIUS были частью общей «вселенной» бренда, а не отдельными единицами? К этому моменту у бренда было уже несколько магазинов, которые были разрознены визуально и делались разными архитекторами. Понимая, что в будущем будут открываться новые магазины и закроется часть старых, мы решили сформировать креативную рамку для всех пространств, которая при этом будет гибкой, но всё равно узнаваемой за счёт верхнеуровневой идеи и общих архитектурных принципов.
Очки RADIUS помогают каждому видеть всё на 100% и испытывать любые эмоции, смотря на мир вокруг, и поэтому пространства магазинов должны давать посетителям возможность испытать новую эмоцию или опыт. Так мы нащупали принцип: каждый магазин RADIUS — это свой уникальный формат, новый опыт и своё название.
Каждый магазин бренда — самостоятельное «место» со своим форматом, диктующим его эстетику и особенности. RADIUS Shop&Cafe на Петроградке, RADIUS Office на Покровке — а в будущем RADIUS Cinema, или может RADIUS Court, или Library?
Для того чтобы сохранять цельность, мы придумали «формулу», по которой собирается любое пространство RADIUS: узнаваемое ДНК (80%) + надстройки (20%). В первом мы собрали основы визуального языка и подхода RADIUS: какие материалы используем, какими они должны быть тактильно, какие должны быть ограничения по палитре, какие есть принципы работы с мебелью. А надстройки состоят из подхода к кастомным решениям в мебели, продуманном опыте в сервисе, униформе и графическом оформлении для каждого отдельного пространства. Так как надстройки составляют всего 20%, они позволяют бренду сохранять эклектичность, но в понятных рамках — хотя и без строгих гайдлайнов.
Прошлым летом открылось первое пространство бренда в формате корнера в универмаге. Его — уже по новой формуле — создавали со студией Slackers и чутким консультированием нашего друга Вовы Спакиса. Концепция про офис родилась у нас из мысли, что универмаг — это большой опенсейс, где у каждого бренда есть свой cubicle. Она была поддержана нарочитой функциональностью стеллажей, на которых (будто бы папки в архиве) стояли коробки с очками, зеркалом-вайтбордом на колёсиках, рабочим местом — стойкой консультанта, у которых были намеренно корпоративные бейджи в качестве обязательной части униформы.
А ещё мини-история в качестве бонуса. Теперь здесь Артём, привет.
Накануне открытия выяснилось, что подрядчик (здесь будет честным пожелать всем никогда не пересекаться с Factura Factory, контакт с которыми не оставил у нас всех ни единой реакции, которую пропустила бы цензура этого канала), отвечающий за мебель, привёз полностью испорченные стеллажи, а все остальные объекты — с серьёзными дефектами.
Переносить открытие, на которое уже позвали много гостей и друзей бренда, было невозможно, поэтому пришлось экстренно придумывать решение. Что-то, что помогло бы отвлечь гостей от всех недочётов, что было бы эффектным визуально — но быстрым в реализации, ведь у нас было буквально два дня. И, видимо, на адреналине мы нашли замечательную в своей простоте идею — заклеить вообще всё пространство post-it стикерами. И вот просто так то, что было придумано как заплатка, в итоге сработало и было воспринято как цельная инсталляция в офискор-духе.
Привет, сегодня здесь Катя, и я пришла рассказать про то, как придумывался «конструктор» пространств для бренда оптики RADIUS, наших друзей и постоянных клиентов.
Как сделать так, чтобы теперь все интерьеры RADIUS были частью общей «вселенной» бренда, а не отдельными единицами? К этому моменту у бренда было уже несколько магазинов, которые были разрознены визуально и делались разными архитекторами. Понимая, что в будущем будут открываться новые магазины и закроется часть старых, мы решили сформировать креативную рамку для всех пространств, которая при этом будет гибкой, но всё равно узнаваемой за счёт верхнеуровневой идеи и общих архитектурных принципов.
Очки RADIUS помогают каждому видеть всё на 100% и испытывать любые эмоции, смотря на мир вокруг, и поэтому пространства магазинов должны давать посетителям возможность испытать новую эмоцию или опыт. Так мы нащупали принцип: каждый магазин RADIUS — это свой уникальный формат, новый опыт и своё название.
Каждый магазин бренда — самостоятельное «место» со своим форматом, диктующим его эстетику и особенности. RADIUS Shop&Cafe на Петроградке, RADIUS Office на Покровке — а в будущем RADIUS Cinema, или может RADIUS Court, или Library?
Для того чтобы сохранять цельность, мы придумали «формулу», по которой собирается любое пространство RADIUS: узнаваемое ДНК (80%) + надстройки (20%). В первом мы собрали основы визуального языка и подхода RADIUS: какие материалы используем, какими они должны быть тактильно, какие должны быть ограничения по палитре, какие есть принципы работы с мебелью. А надстройки состоят из подхода к кастомным решениям в мебели, продуманном опыте в сервисе, униформе и графическом оформлении для каждого отдельного пространства. Так как надстройки составляют всего 20%, они позволяют бренду сохранять эклектичность, но в понятных рамках — хотя и без строгих гайдлайнов.
Прошлым летом открылось первое пространство бренда в формате корнера в универмаге. Его — уже по новой формуле — создавали со студией Slackers и чутким консультированием нашего друга Вовы Спакиса. Концепция про офис родилась у нас из мысли, что универмаг — это большой опенсейс, где у каждого бренда есть свой cubicle. Она была поддержана нарочитой функциональностью стеллажей, на которых (будто бы папки в архиве) стояли коробки с очками, зеркалом-вайтбордом на колёсиках, рабочим местом — стойкой консультанта, у которых были намеренно корпоративные бейджи в качестве обязательной части униформы.
А ещё мини-история в качестве бонуса. Теперь здесь Артём, привет.
Накануне открытия выяснилось, что подрядчик (здесь будет честным пожелать всем никогда не пересекаться с Factura Factory, контакт с которыми не оставил у нас всех ни единой реакции, которую пропустила бы цензура этого канала), отвечающий за мебель, привёз полностью испорченные стеллажи, а все остальные объекты — с серьёзными дефектами.
Переносить открытие, на которое уже позвали много гостей и друзей бренда, было невозможно, поэтому пришлось экстренно придумывать решение. Что-то, что помогло бы отвлечь гостей от всех недочётов, что было бы эффектным визуально — но быстрым в реализации, ведь у нас было буквально два дня. И, видимо, на адреналине мы нашли замечательную в своей простоте идею — заклеить вообще всё пространство post-it стикерами. И вот просто так то, что было придумано как заплатка, в итоге сработало и было воспринято как цельная инсталляция в офискор-духе.
🔥26
Non-Objective 5
Сегодня студии исполняется пять. Меняясь и понемногу разрастаясь с каждым годом, студийная практика Non-Objective остаётся для нас поводом и возможностью заниматься самым любимым: работать вместе с теми, в кого мы верим, помогать другим и знакомиться с новым, запускать собственные проекты, вносить вклад в визуальный ландшафт — и постепенно переосмыслять роль дизайнера в сегодняшнем мире.
Всё это было бы невозможно без команды, границы которой уже невозможно провести чётко: Катя, Лиза, Ваня, Катя, Аня, Виталик, Маша, Лена, Дима, Рома, Влада, Матвей, Настя, Борис, Ася — спасибо вам всем. И, конечно, это было бы невозможно без всех наших соавторов: клиентов, друзей, студентов и нашего комьюнити — спасибо вам всем.
Чтобы осознать момент и пополнить архив бескрайнего интернета, мы оставляем небольшую засечку — и раз в год обновляем студийный сайт. В этот раз — как обычно — добавили новые проекты в раздел Gallery, освежили общий дизайн, попрощались с Favorit, который сопровождал нас все пять лет, и перешли на ABC Diatype. Обновили иллюстрацию: описать её можно, как и всегда, одним главным словом — non-objective. Конечно же, она авторства бессменной Насти Ким. Пересобрали архив и пересмотрели тексты и формулировки в разделе Studio.
А ещё добавили новый раздел — Extensions — для проектов, которые выходят за рамки основной студийной практики: для художественных и исследовательских проектов, публикаций, объектов, медийных и образовательных форматов. То, что всё больше занимает нас — и в работе, и в размышлениях.
В общем, много нового — но одно точно неизменно: сайт остаётся нашим манифестом. Он по-прежнему отражает то, что нас интересует, как мы работаем и куда сейчас смотрим.
Смотрите:
www.non-objective.works
Сегодня студии исполняется пять. Меняясь и понемногу разрастаясь с каждым годом, студийная практика Non-Objective остаётся для нас поводом и возможностью заниматься самым любимым: работать вместе с теми, в кого мы верим, помогать другим и знакомиться с новым, запускать собственные проекты, вносить вклад в визуальный ландшафт — и постепенно переосмыслять роль дизайнера в сегодняшнем мире.
Всё это было бы невозможно без команды, границы которой уже невозможно провести чётко: Катя, Лиза, Ваня, Катя, Аня, Виталик, Маша, Лена, Дима, Рома, Влада, Матвей, Настя, Борис, Ася — спасибо вам всем. И, конечно, это было бы невозможно без всех наших соавторов: клиентов, друзей, студентов и нашего комьюнити — спасибо вам всем.
Чтобы осознать момент и пополнить архив бескрайнего интернета, мы оставляем небольшую засечку — и раз в год обновляем студийный сайт. В этот раз — как обычно — добавили новые проекты в раздел Gallery, освежили общий дизайн, попрощались с Favorit, который сопровождал нас все пять лет, и перешли на ABC Diatype. Обновили иллюстрацию: описать её можно, как и всегда, одним главным словом — non-objective. Конечно же, она авторства бессменной Насти Ким. Пересобрали архив и пересмотрели тексты и формулировки в разделе Studio.
А ещё добавили новый раздел — Extensions — для проектов, которые выходят за рамки основной студийной практики: для художественных и исследовательских проектов, публикаций, объектов, медийных и образовательных форматов. То, что всё больше занимает нас — и в работе, и в размышлениях.
В общем, много нового — но одно точно неизменно: сайт остаётся нашим манифестом. Он по-прежнему отражает то, что нас интересует, как мы работаем и куда сейчас смотрим.
Смотрите:
www.non-objective.works
«В будущее возьмут не всех: честное интервью со студией Non-Objective»
В этом году концепцию и айдентику фестиваля G8 выпало придумывать нам — и на фоне этого случился наш с Катей разговор с Ксюшей Коростелевой из медиа «поле». Про айдентику мы ещё расскажем отдельно, а вот выход интервью случайным образом совпал с днём рождения студии — и это как раз одна из тех случайностей, что мы так любим, потому что оно вышло достаточно манифестационным.
Получилось вроде бы и про айдентику G8, но на самом деле — про волнующее нас всех глобальное: про будущее, иррациональное, конфликты и про то, как дизайнеры становятся заложниками удобного и безопасного.
Ссылка ↗
В этом году концепцию и айдентику фестиваля G8 выпало придумывать нам — и на фоне этого случился наш с Катей разговор с Ксюшей Коростелевой из медиа «поле». Про айдентику мы ещё расскажем отдельно, а вот выход интервью случайным образом совпал с днём рождения студии — и это как раз одна из тех случайностей, что мы так любим, потому что оно вышло достаточно манифестационным.
Получилось вроде бы и про айдентику G8, но на самом деле — про волнующее нас всех глобальное: про будущее, иррациональное, конфликты и про то, как дизайнеры становятся заложниками удобного и безопасного.
Ссылка ↗
020. Айдентика галереи, (буквально) переворачивающая привычную оптику
Мы давно хотели поработать с Анной Мерман — многим она знакома по замечательному «объединению». Когда Аня написала нам насчёт айдентики и сайта для её нового проекта, мы просто не могли не согласиться. Проектом оказалась Galerie Merman — парижская галерея с фокусом на онлайн. С момента первого обсуждения прошёл почти год: за это время галерея успела запуститься, а недавно ребята попросили поделиться мыслями о визуальном языке, который мы придумали, в рамках небольшого интервью. Частично его перескажу.
В Non-Objective точка входа в каждый проект — исследование, на котором мы вместе с партнёром формулируем образ и характер. С Аней мы пришли к нужному ощущению, что в визуальном языке должен быть точно настроен баланс инакового и понятного, который давал бы возможность встроиться в уже существующую арт-среду, но в то же время показать в ней что-то совершенно новое (а именно: онлайн (!) галерея в не самом диджитализированном европейском рынке).
Мы решили, что смена оптики и переворот привычного восприятия — это то что надо. Ведь речь не только о новом формате галереи, но и о представлении новых художников незнакомой аудитории. Внутри этого переворота важно было не удариться в крайности, а создать простор сразу для нескольких плоскостей коммуникации: чтобы у галереи был свой голос, но в то же время чтобы он не заглушал художников и их высказывания.
Идея про переворот привычной оптики работает через простое, но изящное решение в вёрстке: мы буквально выстраиваем макеты сразу в двух ориентациях, а когда голоса из разных «плоскостей» накладываются, они не перебивают, а дополняют друг друга, создавая более цельную картину.
С этим помогает и выбор шрифтовой пары: поплывший краской гротеск Rauschen B отвечает за тактильность, не становясь при этом в лоб диджитальным. Вместе с ним используется ABC Daily, чудесным образом попавший к нам до своего официального релиза — антиква, которая заигрывает с традиционно музейным, но из-за моноширинности не теряет ироничности и современности. Вместе с достаточно широкой для галереи палитрой (мы отказываемся от строгого чёрно-белого) все элементы айдентики дают нам не только нужные ощущения, но и широкий набор инструментов, с которым Galerie Merman легко будет коммуницировать как про себя, так и про работы художников; про личные выставки и про групповые; в онлайне и офлайне; с серьёзным лицом и с расслабленной улыбкой.
Важным было ощущение объёма: чтобы проект не выглядел набором картинок на странице в интернете, а чувствовался именно диджитал-фёрст галерей. Для этого мы отказались от той самой «диджитальности в лоб»: например, просто перевернули (то есть очень даже в духе всей айдентики) привычную ориентацию меню и навигационных элементов на 90°, оставив в центре страницы бесконечную «стену» для работ, которым ничего не мешает ни сверху, ни снизу — а галерея и технический «интерфейс» сайта будто бы обрамляет их. Про этот пользовательский путь вдоль всех работ мы внутри команды шутили, что это перенос открывающих титров «Молодого папы» Соррентино в онлайн.
Ещё не хотелось слишком «коммерческого» ощущения от основного раздела сайта — от галереи со всеми работами художников. Для этого придумали то, что Миша Дериченко — дизайнер этого проекта — назвал «джазовой партитурой». Вместо более конвенциальной плитки, как в онлайн-магазинах, работы раскиданы в ритмичном, но будто бы случайном порядке (но это лишь кажущаяся случайность) — так мы имитируем посещение галереи в офлайне, где есть работы разного размера, довольно часто развешанные неравномерно.
В целом, нам хотелось, чтобы и айдентика, и сайт ощущались effortlessly cool: достаточно нарядными (новая любимая дизайн-характеристика — слово, которое я подцепил у Юли Кондратьевой), но без злоупотребления дизайном — где всего в меру. Кажется, это самый честный и открытый сеттинг для того, чтобы смотреть по-новому на привычное и встречать новые имена в мире искусства.
Ссылка ↗
Мы давно хотели поработать с Анной Мерман — многим она знакома по замечательному «объединению». Когда Аня написала нам насчёт айдентики и сайта для её нового проекта, мы просто не могли не согласиться. Проектом оказалась Galerie Merman — парижская галерея с фокусом на онлайн. С момента первого обсуждения прошёл почти год: за это время галерея успела запуститься, а недавно ребята попросили поделиться мыслями о визуальном языке, который мы придумали, в рамках небольшого интервью. Частично его перескажу.
В Non-Objective точка входа в каждый проект — исследование, на котором мы вместе с партнёром формулируем образ и характер. С Аней мы пришли к нужному ощущению, что в визуальном языке должен быть точно настроен баланс инакового и понятного, который давал бы возможность встроиться в уже существующую арт-среду, но в то же время показать в ней что-то совершенно новое (а именно: онлайн (!) галерея в не самом диджитализированном европейском рынке).
Мы решили, что смена оптики и переворот привычного восприятия — это то что надо. Ведь речь не только о новом формате галереи, но и о представлении новых художников незнакомой аудитории. Внутри этого переворота важно было не удариться в крайности, а создать простор сразу для нескольких плоскостей коммуникации: чтобы у галереи был свой голос, но в то же время чтобы он не заглушал художников и их высказывания.
Идея про переворот привычной оптики работает через простое, но изящное решение в вёрстке: мы буквально выстраиваем макеты сразу в двух ориентациях, а когда голоса из разных «плоскостей» накладываются, они не перебивают, а дополняют друг друга, создавая более цельную картину.
С этим помогает и выбор шрифтовой пары: поплывший краской гротеск Rauschen B отвечает за тактильность, не становясь при этом в лоб диджитальным. Вместе с ним используется ABC Daily, чудесным образом попавший к нам до своего официального релиза — антиква, которая заигрывает с традиционно музейным, но из-за моноширинности не теряет ироничности и современности. Вместе с достаточно широкой для галереи палитрой (мы отказываемся от строгого чёрно-белого) все элементы айдентики дают нам не только нужные ощущения, но и широкий набор инструментов, с которым Galerie Merman легко будет коммуницировать как про себя, так и про работы художников; про личные выставки и про групповые; в онлайне и офлайне; с серьёзным лицом и с расслабленной улыбкой.
Важным было ощущение объёма: чтобы проект не выглядел набором картинок на странице в интернете, а чувствовался именно диджитал-фёрст галерей. Для этого мы отказались от той самой «диджитальности в лоб»: например, просто перевернули (то есть очень даже в духе всей айдентики) привычную ориентацию меню и навигационных элементов на 90°, оставив в центре страницы бесконечную «стену» для работ, которым ничего не мешает ни сверху, ни снизу — а галерея и технический «интерфейс» сайта будто бы обрамляет их. Про этот пользовательский путь вдоль всех работ мы внутри команды шутили, что это перенос открывающих титров «Молодого папы» Соррентино в онлайн.
Ещё не хотелось слишком «коммерческого» ощущения от основного раздела сайта — от галереи со всеми работами художников. Для этого придумали то, что Миша Дериченко — дизайнер этого проекта — назвал «джазовой партитурой». Вместо более конвенциальной плитки, как в онлайн-магазинах, работы раскиданы в ритмичном, но будто бы случайном порядке (но это лишь кажущаяся случайность) — так мы имитируем посещение галереи в офлайне, где есть работы разного размера, довольно часто развешанные неравномерно.
В целом, нам хотелось, чтобы и айдентика, и сайт ощущались effortlessly cool: достаточно нарядными (новая любимая дизайн-характеристика — слово, которое я подцепил у Юли Кондратьевой), но без злоупотребления дизайном — где всего в меру. Кажется, это самый честный и открытый сеттинг для того, чтобы смотреть по-новому на привычное и встречать новые имена в мире искусства.
Ссылка ↗
Мы ищем проджект-менеджера / продюсера в Non-Objective. Ключевое для нас — опыт и понимание того, как работает дизайн и как работать с дизайнерами, как устроена клиентско-студийная среда, а также — как отстаивать решения, которые принимаются в студии. Необходимые качества — самостоятельность, чёткость и ответственность за продвижение проекта из точки начала к точке сдачи.
Глобально работа состоит из трёх блоков:
① Ведение проекта: контроль и менеджмент внутренней команды по проекту; ответственность за коммуникацию и сроки.
② Коммуникация: ведение коммуникации внутри команды и снаружи — с клиентами.
③ Контроль процессов: планирование загруженности, понимание, что происходит в проектах, которые сейчас в работе.
Начнём с одного совместного проекта, а дальше будем рассматривать возможность долгосрочного сотрудничества. Мы работаем удалённо, но в часовых поясах в промежутке GMT+2 – +4. Условия будем обсуждать ситуативно.
Присылайте рассказ про себя, свой опыт работы и резюме на
Нам снова написало очень много людей — спасибо вам! Закрываем пока наш поиск.
🔥24👀12
Курс Identity from I to Y, сезон 5
Быстро расскажу, что сегодня открылся пятый набор на курс про айдентику в школе Werkstatt, и он станет последним. Но всё не так драматично: просто после него точно будет какой-то перерыв, а после перерыва курс обязательно как-то трансформируется.
А в пятом сезоне — всё как всегда. Будем вместе проходить весь путь от первой коммуникации с клиентом до сборки кейса. Будем говорить про дизайн и про всё вокруг него. Буду я и будут гости. И, как обычно, будут практики и будут слушатели. Так что успевайте записаться, если хотели. А если не хотели, то не спешите.
Ссылка на страницу курса ↗
Быстро расскажу, что сегодня открылся пятый набор на курс про айдентику в школе Werkstatt, и он станет последним. Но всё не так драматично: просто после него точно будет какой-то перерыв, а после перерыва курс обязательно как-то трансформируется.
А в пятом сезоне — всё как всегда. Будем вместе проходить весь путь от первой коммуникации с клиентом до сборки кейса. Будем говорить про дизайн и про всё вокруг него. Буду я и будут гости. И, как обычно, будут практики и будут слушатели. Так что успевайте записаться, если хотели. А если не хотели, то не спешите.
Ссылка на страницу курса ↗
021. Экспозиционное решение, меняющее контекст восприятия ежедневных объектов
Зимой 2022 года посчастливилось придумывать и курировать в «Координате» (пространство современного дизайна в Петербурге, с которым мы дружим и работаем в совершенно разных ролях) выставку стульев современных российских дизайнеров — «Точка опоры. Стулья здесь и сейчас». В каком-то смысле она появилась как ответ выставке Русского музея «Кресло, стул, табурет в русском искусстве XVIII–XX веков». Или не ответ, а продолжение её — потому что хотелось подсветить замечательных дизайнеров сегодняшнего дня. Ведь многие из них остаются в тени, хотя на их «работах» сидят и в модных ресторанах, и в локальных кофейнях, и в коворкингах, и в яндексах.
Тема дизайна ежедневных объектов интересует нас уже очень давно. И одна из главных сложностей, с которыми эта тема обычно сталкивается, — это неумение аудитории быстро переключаться между разными оптиками: как — хотя бы ненадолго — перестать видеть в совершенно бытовом объекте что-то большее, объект дизайна, у которого есть своя история, бэкграунд и за которым так или иначе обязательно стоит свой автор.
Рассказ про саму выставку и её участников заслуживает отдельной заметки, но для контекста, совсем вкратце: мы собрали наиболее заметных дизайнеров и бренды, до которых смогли дотянуться. Балансируя между функциональным и художественным, массовым и более малотиражным, традиционным и переосмысленным, подборка ограничивалась возможностями пространства, но всё-таки довольно ярко очерчивала границы существующего и подсвечивала разные грани того, что происходит в современном объектном дизайне.
А сегодня расскажу, как экспозиционное решение помогло поменять контекст восприятия объектов. Главный вопрос, на который нужно было ответить: как создать нужную дистанцию между зрителями и экспонатами, чтобы объекты стали восприниматься самодостаточными, а не бытовыми и функциональными? Эта дистанция необходима — именно за счёт неё у нас получается смотреть на объект, а не пользоваться им: функция должна отойти на второй план, на первом нам нужен объект исследования.
Ставить стулья за традиционные музейные оградки, как это было в Русском музее, точно не хотелось: в таком случае дистанция была бы слишком большой, плюс исчезло бы ощущение, что всё-таки это бытовые объекты, которые мы легко можем встретить в городской среде или, например, у друзей дома. Но в том, что нужно искать пространственное решение, сомнений не было. Так придумались постаменты: но чтобы не загромождать и без того небольшое пространство ненужными объёмами, было решено сделать их бумажными — из белых листов А0.
Чистый белый лист на полу — не только визуальная, но и мощная условная, психологическая граница (передаю привет Лёше Оситнянко). То есть он не только визуально выделяет объект на сером полу, но и подталкивает выдерживать дистанцию, на него точно не хочется случайно наступить. А ещё понравилось, как сработала концептуальная дистанция: объект находится будто бы на пьедестале, переставая быть стулом, который можно подвигать туда-сюда и протестировать. Приятным дополнительным слоем стало то, что изначально функциональное решение стало ещё и эффектным художественным приёмом — ведь этикетки ко всем стульям вполне логично перебрались на эти самые белые листы-постаменты.
Картинки 1–4 ↗
Зимой 2022 года посчастливилось придумывать и курировать в «Координате» (пространство современного дизайна в Петербурге, с которым мы дружим и работаем в совершенно разных ролях) выставку стульев современных российских дизайнеров — «Точка опоры. Стулья здесь и сейчас». В каком-то смысле она появилась как ответ выставке Русского музея «Кресло, стул, табурет в русском искусстве XVIII–XX веков». Или не ответ, а продолжение её — потому что хотелось подсветить замечательных дизайнеров сегодняшнего дня. Ведь многие из них остаются в тени, хотя на их «работах» сидят и в модных ресторанах, и в локальных кофейнях, и в коворкингах, и в яндексах.
Тема дизайна ежедневных объектов интересует нас уже очень давно. И одна из главных сложностей, с которыми эта тема обычно сталкивается, — это неумение аудитории быстро переключаться между разными оптиками: как — хотя бы ненадолго — перестать видеть в совершенно бытовом объекте что-то большее, объект дизайна, у которого есть своя история, бэкграунд и за которым так или иначе обязательно стоит свой автор.
Рассказ про саму выставку и её участников заслуживает отдельной заметки, но для контекста, совсем вкратце: мы собрали наиболее заметных дизайнеров и бренды, до которых смогли дотянуться. Балансируя между функциональным и художественным, массовым и более малотиражным, традиционным и переосмысленным, подборка ограничивалась возможностями пространства, но всё-таки довольно ярко очерчивала границы существующего и подсвечивала разные грани того, что происходит в современном объектном дизайне.
А сегодня расскажу, как экспозиционное решение помогло поменять контекст восприятия объектов. Главный вопрос, на который нужно было ответить: как создать нужную дистанцию между зрителями и экспонатами, чтобы объекты стали восприниматься самодостаточными, а не бытовыми и функциональными? Эта дистанция необходима — именно за счёт неё у нас получается смотреть на объект, а не пользоваться им: функция должна отойти на второй план, на первом нам нужен объект исследования.
Ставить стулья за традиционные музейные оградки, как это было в Русском музее, точно не хотелось: в таком случае дистанция была бы слишком большой, плюс исчезло бы ощущение, что всё-таки это бытовые объекты, которые мы легко можем встретить в городской среде или, например, у друзей дома. Но в том, что нужно искать пространственное решение, сомнений не было. Так придумались постаменты: но чтобы не загромождать и без того небольшое пространство ненужными объёмами, было решено сделать их бумажными — из белых листов А0.
Чистый белый лист на полу — не только визуальная, но и мощная условная, психологическая граница (передаю привет Лёше Оситнянко). То есть он не только визуально выделяет объект на сером полу, но и подталкивает выдерживать дистанцию, на него точно не хочется случайно наступить. А ещё понравилось, как сработала концептуальная дистанция: объект находится будто бы на пьедестале, переставая быть стулом, который можно подвигать туда-сюда и протестировать. Приятным дополнительным слоем стало то, что изначально функциональное решение стало ещё и эффектным художественным приёмом — ведь этикетки ко всем стульям вполне логично перебрались на эти самые белые листы-постаменты.
Картинки 1–4 ↗
022. Айдентика как взгляд через иллюминатор стиральной машины
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
Мы очень любим браться за нетипичные для нас проекты, поэтому работу с Lavadouro продали сами себе уже после входящего имейла с темой «прачечные самообслуживания в Португалии». Тем более что ландроматы — это и про ежедневный быт, который нас так интересует, и про формирование гиперлокальных комьюнити.
Ключевая идея Lavadouro — стать сетью современных и удобных (as in диджитализированных) прачечных, которые при этом были бы комфортным, а не вынужденным местом для случайной встречи с соседями по району. Что нужно в дизайне? Найти баланс между удобством, быстротой взаимодействия и дружелюбием коммуникации, хорошей диджитальностью.
Без лишней концептуализации сразу случилась визуально-ощущенческая находка: без каких-либо дальнейших планов на этапе поиска нарисовали букву «a», увидев её в открытой дверце стиральной машинки. И только потом рассмотрели в ней такую пластику и залипы, которые хорошо попали в нужное настроение, — и так к «a» добавились d, o, r, а потом и остальные буквы названия.
Но логотип — лишь одна сюжетная линия, которой было недостаточно для полноценного рассказа. Тогда мы решили примерить взгляд через всё те же круглые дверцы — через главные «окна» прачечной. Через них мы увидели разные сюжеты, довести до ума которые нам помогла великая Настя Сорокоумова. Она нарисовала иллюстрации про правильное использование стиральных и сушильных машин, про забытые в карманах вещи, способы оплаты и многие другие типичные для прачечной сценарии. Все они, конечно же, буквально встроены в круг: где-то это цикл, где-то — взгляд наружу, на происходящее в прачечной, а где-то этот иллюминатор становится ироничной «клеткой» для нарушителя-вандала.
Наверное, моя любимая — идейно заглавная иллюстрация про цикл (pun intended) посещения прачечной, которая становится местом встречи и точкой контакта нескольких жителей, например, одного квартала. Вот парень только пришёл и приветственно машет рукой знакомым, другая героиня в это время перекладывает вещи из стиралки в сушилку. А вот кто-то залипает в ноутбук с чашечкой кофе (потому что в Lavadouro есть вайфай и кофемашина), пока четвёртая героиня, помахав на прощание соседям, уходит со стопкой чистых, сверкающих вещей.
К этому всему добавилась ненавязчивая шрифтовая пара из Suisse Intl и Cigars (к слову, безумно красивой антиквы), нужная для билингвальности, и структурная, последовательная вёрстка — чтобы минимально задумываться, как чем пользоваться.
Дружелюбно, чисто и не без лоска. Под конец этого поста должна прозвучать мелодия, как в конце стирки.
Картинки 1–12 ↗
023. Айдентика, которая помещает в раму не только работы, но и саму галерею
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
Галерея pop/off/art — большое имя в российском современном искусстве: здесь и художники уровня Эрика Булатова и Юрия Злотникова, и 20-летняя история, и место, ставшее для многих точкой входа в сферу. Это галерея, которая на протяжении двух десятилетий (!) сумела не растерять чувства и понимания момента. Но, как это часто бывает, визуальный язык не всегда за ней поспевает — на этом фоне мы и познакомились.
Как всегда в работе с уже сложившимися брендами и проектами с большим наследием, нам нужно было оставаться предельно аккуратными и внимательными к тому, что уже есть: дробное написание названия, минималистичный подход, ведущий красный, даже плашка в логотипе.
Но что делать, когда все самые узнаваемые элементы одновременно оказываются самыми уязвимыми в контексте современного дизайна? Уже существующий красный — мутноватый и грязноватый, шрифт в логотипе явно устал там находиться, а плашка при частом использовании превращает всё в корпоративные макеты из нулевых.
Мы довольно быстро разобрались с уточнением красного и обновлением шрифта, но застряли на плашке: убирать её было бы некорректно, но и закрыть глаза на её неуместность мы тоже не могли. Тогда мы, как обычно, начали придумывать от ограничения — не злиться на него, а пытаться перевернуть всё в свою пользу.
Обычно галерейное пространство полно рам — и в буквальном, и в концептуальном смысле. Рамки вокруг работ привычны в контексте искусства. Это хорошо поддержало идею о том, что плашка в логотипе — в каком-то смысле тоже рама, только вокруг шрифта. Так мы решили поместить в рамку саму галерею, позволив ей стать самостоятельным произведением, высказыванием, ориентиром — и начали гиперболизировать эту идею, насыщая её деталями.
Теперь бóльшая часть визуальной коммуникации стала строиться вокруг двух рам: в одну помещается работа художника, в другую — «работа» галереи, то есть коммуникация от лица pop/off/art, например, анонс новой выставки. Рядом с каждой рамой — этикетка (те самые детали) с указанием авторства, названия работы и года. В случае «галерейной» рамки на этикетке указаны название галереи, тип события и год.
Получилась гибкая и выразительная двухчастная система, которая подчёркивает значимость самой галереи и одновременно решает нашу проблему с вездесущей плашкой — теперь она масштабировалась до более самостоятельного элемента.
Как мы и планировали, удалось сохранить всё, что уже стало визуальным почерком pop/off/art — фирменный красный и респектабельный минимализм, — и усилить это новым дизайн-языком, связав всё в единую систему. Никаких радикальных жестов — только история, обрамлённая в современный контекст, где галерея с её 20-летней историей становится самостоятельным объектом визуального изучения.
Картинки 1–12 ↗
🔥20❤🔥17❤9👀5
Катя Сикачева — гостевой автор project × beta
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
Привет! Врываемся в эфир с коротким анонсом: на этой неделе Катя — партнёр и креативный директор Non-Objective — станет гостьей и со-админом телеграм-канала project × beta, где будет рассказывать про свой взгляд на креативную индустрию и особенности работы нашей студии. Будет микс того, про что она пишет в «иррациональных предпочтениях», и того, о чём мы обычно рассказываем в этом канале, — вот такое прекрасное комбо. Подключайтесь!
Ссылка ↗
🔥24❤🔥14👀7
Лиза Тютяева на KURS Radio
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
А вдогонку ещё один быстрый и недолговечный анонс: прямо сегодня в 19:00 (по Мск) на нашем любимом радио KURS будет включать музыку Лиза Тютяева — между прочим, первый дизайнер Non-Objective. Опять же — подключайтесь!
Ссылка на трансляцию ↗
❤🔥39🔥15👀12
024. Айдентика кофейного проекта, которая тонизирует
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательнойебанцы странности точно хватало бы для становления знаком.
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
Сегодня расскажу про компактный, но очень любимый проект — кофейню и магазин кофе Resource, которые какое-то время обитали и работали в Петербурге. Resource — импортёр зелёного кофе, который через новый формат решил попробовать себя в B2C. Из сильных качеств, с которыми просто невозможно спорить, — свежайший кофе и обжарка прямо на месте, а также три вида фильтра, меняющихся ежедневно. (С чистой совестью скажу, что это был самый вкусный кофе, который я когда-либо пил в России — а пил я его немало).
Не буду подробно рассказывать про айдентику целиком: мы довольно быстро нашли подходящие по характеру шрифты и сформулировали приём с небольшим поворотом основного блока в макетах — он удачно транслировал неуловимое чувство какого-то нового кофейно-вкусового опыта. А остановиться хочется на знаке (если его можно так назвать), с которого в каком-то смысле и начались наши размышления о запуске Fine Graphics Dept — студии абстрактной иллюстрации.
Понимая, что исключительно особенностями вёрстки и типографики не обойдёшься, мы стали искать иллюстрацию или графику, которая могла бы стать самостоятельным символом всего проекта. За несколько итераций вместе с гениальной Настей Ким и её не менее гениальными руками мы придумали нашего персонажа, который сформулировался чисто ощущенчески, но потом оброс своим мифом: это такой человечек, который будто бы выпил три фильтра (вот же здесь три капельки) — и его слегка накрыло кафеиновым кайфом. В нём нашлось то, что мы обычно так любим и ценим — он был по-хорошему дурацким: настолько, что потенциала этой очаровательной
Кроме того, в нём была замечательная особенность — рукотворность и неидеальность как противопоставление всему векторно-корпоративному. В среде, где всё упростилось в пользу масштабируемости, быстроты использования, лёгкости понимания — и, в результате, бездушности и шаблонности, — такие решения дают приятную свежесть. А ведь это то, что когда-то было привычным, но потом заменилось едва отличающимися друг от друга шрифтовыми логотипами. Приятно замыкать этот круг — заново открывая новый цикл. (Похожую штуку мы позже провернём в проекте Ruby, о котором будет отдельный пост, — там мы полностью откажемся от шрифтового лого в пользу ручной иллюстрации.)
Наш накофеиненный человечек красиво пожил на стаканчиках, упаковке и других печатных штуках, а потом исчез вместе с Resource coffee&shop, которые, к сожалению, просто не сумели справиться с B2C-сегментом. Но он навсегда останется жить в пинтерестах и в наших сердцах.
Картинки 1–11 ↗
❤🔥26🔥16👀10
025. Айдентика, которая складывается как цифровой ковёр
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
Armat — цифровой музей армянской идентичности. Это вечно пополняющееся хранилище личных свидетельств и воспоминаний, которое начинается с одной из самых чувствительных тем — Арцаха. Проект создавался вне политического контекста: это попытка сохранить исчезающее через рассказы людей, которые были вынуждены покинуть свой дом.
Мы (сегодня здесь Лиза и Виталик) начали работу с визуального кода, который уже существовал в контексте проекта: флаг Республики Арцах. Его пятизубчатый ступенчатый узор символизирует надежду на воссоединение с родиной. Но одна фотография заставила нас увидеть его по-другому: флаг висел вертикально, и в этом положении ковровый мотив напоминал крышу дома. Так родился наш знак — символ места, которое остаётся с тобой.
Из этого элемента родилась вся система. При добавлении к знаку дополнительных модулей он начинает разрастаться, превращаясь в ковровое полотно. Такую структуру можно масштабировать или удалять часть элементов — и каждый раз она будет складываться из новых смыслов.
Визуальный язык получился блочный, почти пиксельный — и в этом тоже есть точность: Armat существует в digital-среде, и его «ткань» — цифровая. Это музей, который ткут не архивисты, а свидетели. Каждый модуль — это рассказ, фрагмент общей памяти.
Палитра сложилась интуитивно: тёплые, немного выцветшие оттенки основных цветов армянского флага. Каждому цвету мы подобрали пару — более светлую, чуть прозрачную. Они будто бы прошли сквозь время и сохранились на полке памяти, слегка поблекнув, но не утратив сути.
В основу сайта также заложен этот ступенчатый узор — но помимо прямого графического использования, здесь он ещё задает принцип повествования и работы с контентом. Мы хотели показать, как все собранные проектом свидетельства — от слов в интервью до сохранённых арцахцами памятных и бытовых вещей — собираются в общую историю народа. Поэтому сайт состоит из единой ленты постов, которые бывают трёх типов: артефакты, видео и страницы. У каждого типа контента заданы свои размеры карточки, из-за чего лента превращается в ступенчатый рельеф.
Пользователь сайта может листать ленту в хронологическом порядке, либо пользоваться тегами категорий для более детального изучения. Мы заложили в эту систему возможность добавлять новые типы постов и теги, чтобы в будущем проект мог расширять и углублять коллекцию, сохраняя общую линию повествования и лёгкость навигации.
А сам сайт собрали на Webflow — это позволило нам передать команде проекта лёгкий в пользовании административный интерфейс. Новые посты добавляются с помощью базового функционала CMS и автоматически встраиваются в ленту, поэтому для обновления сайта команде Armat не нужен дизайнер — хорошие дела должны делаться легко.
Картинки 1–16 ↗
🔥17❤🔥9👀5