Чем больше всматриваюсь в чёрно-белые фотографии, тем больше верю: если бы мир для нас всегда был чёрно-белым, вариации яркости и преломления света мы бы чувствовали так же по-разному, как сейчас дифференцируем цвета. А тени играли бы центральную роль для составления целостного восприятия объекта.
Нахожу эти мысли ярко отраженными в творчестве Владимира Куприянова, первая часть ретроспективы которого открылась на прошлой неделе в пространстве pop/off/art 2.0. В его фотообъектах видимое изображение в объёме получено за счёт теней, падающих с фрагментов снимка — первого слоя работы — на второй внутренний слой.
Художника интересовали новые возможности репрезентации фотографии — в этом смысле он безусловный новатор. Эксперименты с двойной экспозицией, объёмом и наложением изображений друг на друга действительно впечатляют — в этих опытах художник ставил перед собой задачу «сценически» вовлечь зрителя в драматургию снимка, побороть плоскостную скуку, которая мешает вглядеться в трогательные запечатления обычной жизни.
Мой личный фаворит — эскизы к серии «Выпускники». Куприянов заснял одноклассников своего сына, и, наложив друг на друга фрагменты плёнки, как будто поставил в пары хулиганов и девочек-отличниц. Фотография по своей природе документальна, потому что буквально несёт свет из прошлого. Гениальный фотограф доносит до зрителя этот свет в моменты явления правды жизни. Куприянов и в этом смысле велик — мы смотрим на эти милые, обыденные сцены, и проявляются ностальгические слезы, потому что видишь себя.
На этой неделе проект по возрождению памяти о художнике продолжится открытием выставки «Владимир Куприянов. Возвращение времени», организованной совместно галереей pop/off/art и ММОМА. На музейной площадке на Гоголевском будут представлены уже широкоформатные работы мэтра, эскизы к некоторым из которых представлены в первой части проекта.
Большое спасибо галерее pop/off/art и лично Анастасии Котельниковой за важнейшую исследовательскую работу, благодаря которой пространство экспозиции обрело подлинный гений места 🖤
Нахожу эти мысли ярко отраженными в творчестве Владимира Куприянова, первая часть ретроспективы которого открылась на прошлой неделе в пространстве pop/off/art 2.0. В его фотообъектах видимое изображение в объёме получено за счёт теней, падающих с фрагментов снимка — первого слоя работы — на второй внутренний слой.
Художника интересовали новые возможности репрезентации фотографии — в этом смысле он безусловный новатор. Эксперименты с двойной экспозицией, объёмом и наложением изображений друг на друга действительно впечатляют — в этих опытах художник ставил перед собой задачу «сценически» вовлечь зрителя в драматургию снимка, побороть плоскостную скуку, которая мешает вглядеться в трогательные запечатления обычной жизни.
Мой личный фаворит — эскизы к серии «Выпускники». Куприянов заснял одноклассников своего сына, и, наложив друг на друга фрагменты плёнки, как будто поставил в пары хулиганов и девочек-отличниц. Фотография по своей природе документальна, потому что буквально несёт свет из прошлого. Гениальный фотограф доносит до зрителя этот свет в моменты явления правды жизни. Куприянов и в этом смысле велик — мы смотрим на эти милые, обыденные сцены, и проявляются ностальгические слезы, потому что видишь себя.
На этой неделе проект по возрождению памяти о художнике продолжится открытием выставки «Владимир Куприянов. Возвращение времени», организованной совместно галереей pop/off/art и ММОМА. На музейной площадке на Гоголевском будут представлены уже широкоформатные работы мэтра, эскизы к некоторым из которых представлены в первой части проекта.
Большое спасибо галерее pop/off/art и лично Анастасии Котельниковой за важнейшую исследовательскую работу, благодаря которой пространство экспозиции обрело подлинный гений места 🖤
❤22👍6👏4
Мифология Волги в первую очередь социокультурна — в контексте истории России это символ движения и жизни, которая просто происходила на её берегах: во всех своих радостных и убогих проявлениях.
Однако если принять точку зрения абстрактного вечного наблюдателя, волжский пейзаж, который представал перед его взором большую часть времени, был бы «стерильным» пространством тишины, погружающим человека в мысли об одиночестве.
Пейзажи Ивана Михайлова из серии «Волга» — это взгляд такого одинокого наблюдателя на минималистичный простор, в котором ощутимая разреженность воздуха символизирует медленное течение времени, а существующие в нем артефакты, оставленные людьми, консервируются в тумане, сливаясь с белой пустотой ландшафта.
Стерильность пространства и успокаивающая прохлада пейзажей задают зрителю вопрос: «Если вы осознали в себе желание обретения одиночества, какова его тотальность и в чем причина поиска изоляции от мира?»
В одном случае обращение к одиночеству — это эскапизм из более шумной среды, терапия тишиной, необходимая для восстановления своего психологического состояния.
Волга предстает как зона успокоения, обретаемого в природе. Тема побега от тревоги и напряжения, вызванных жизнью среди людей — одна из центральных во всём творчестве Михайлова. Лирические герои добиваются замедления собственной духовной динамики за счет взаимодействия с «неодушевленными» природными сущностями, внутренний ритм которых более ленив.
Другой ответ на поставленный серией вопрос о причинах поиска одиночества носит не временный терапевтический, а тотальный экзистенциальный характер.
В детстве у каждого человека был момент первичного осознания абсурдности бытия из-за невозможности логического понимания его первоисточника.
Это и есть акт срыва райского яблока, закладывающий зерно фундаментального непонимания мира, которое продолжит зреть всю жизнь — но возможно причина этой неразрешимости кроется в ошибочной направленности вопрошания вовне. Если же направить поиск смысла икслючительно внутрь себя, абсурд испарится.
Таким образом, альтернативный ответ на подвешенный в волжских пейзажах вопрос — заключается в признании и принятии собственного экзистенциального одиночества и нахождении уюта в коконе накопленных внутри себя смыслов, замкнутости собственного Я, находящегося в окружающей тотальной пустоте.
Однако если принять точку зрения абстрактного вечного наблюдателя, волжский пейзаж, который представал перед его взором большую часть времени, был бы «стерильным» пространством тишины, погружающим человека в мысли об одиночестве.
Пейзажи Ивана Михайлова из серии «Волга» — это взгляд такого одинокого наблюдателя на минималистичный простор, в котором ощутимая разреженность воздуха символизирует медленное течение времени, а существующие в нем артефакты, оставленные людьми, консервируются в тумане, сливаясь с белой пустотой ландшафта.
Стерильность пространства и успокаивающая прохлада пейзажей задают зрителю вопрос: «Если вы осознали в себе желание обретения одиночества, какова его тотальность и в чем причина поиска изоляции от мира?»
В одном случае обращение к одиночеству — это эскапизм из более шумной среды, терапия тишиной, необходимая для восстановления своего психологического состояния.
Волга предстает как зона успокоения, обретаемого в природе. Тема побега от тревоги и напряжения, вызванных жизнью среди людей — одна из центральных во всём творчестве Михайлова. Лирические герои добиваются замедления собственной духовной динамики за счет взаимодействия с «неодушевленными» природными сущностями, внутренний ритм которых более ленив.
Другой ответ на поставленный серией вопрос о причинах поиска одиночества носит не временный терапевтический, а тотальный экзистенциальный характер.
В детстве у каждого человека был момент первичного осознания абсурдности бытия из-за невозможности логического понимания его первоисточника.
Это и есть акт срыва райского яблока, закладывающий зерно фундаментального непонимания мира, которое продолжит зреть всю жизнь — но возможно причина этой неразрешимости кроется в ошибочной направленности вопрошания вовне. Если же направить поиск смысла икслючительно внутрь себя, абсурд испарится.
Таким образом, альтернативный ответ на подвешенный в волжских пейзажах вопрос — заключается в признании и принятии собственного экзистенциального одиночества и нахождении уюта в коконе накопленных внутри себя смыслов, замкнутости собственного Я, находящегося в окружающей тотальной пустоте.
❤8🔥4🥰2
Родовые муки видеоарта (часть 1)
В рамках нашей галерейной деятельности мы много говорим о «неконвеницональных» медиумах, а больше всего, пожалуй, о видеоарте.
Рождение видеоарта как полноценного медиума обычно связывают с выпуском на рынок в 1965 году камеры Sony Portapak, которая сделала возможной художественную съемку «на ногах».
Но всё новое в этом мире обречено пройти через преграды, чтобы заслужить право на жизнь. Видеоарт как медиум, «пригодный» для коллекционирования, ярче всех других иллюстрирует эту ницшеанскую правду.
На экранах, доступных в ранние годы медиума, эстетически прекрасные видео смотрелись неизбежно плохо. Более того, ассоциации с бездумным просмотром телевизора не играли на руку художникам, стремившимся сказать о высоком. Страх физического износа носителей видео так же не располагал к попаданию в коллекции: до появления лазерных дисков в 1978 году полагаться приходилось на форматы на основе магнитной ленты (e.g. U-Matic, VCR, VHS) — которые были склонны к порче и износу временем.
Центральным предрассудком, который жив и сегодня, является непонимание и боязнь «необъектности» видеоискусства — что приобретает коллекционер: набор информации, заложенной в физическом носителе, или символическую суть, выработанную художником, или же просто права на распоряжение видео? Даже музеи в своих первых приобретениях видеоарта тяготели к объектности, предпочитая покупать видеоинсталляции, а не моноканальные видео.
Как следствие всех этих преград — до 1990-х цены на видеоработы не поднимались выше $60,000 — такой рекорд на то время был установлен на работу Нам Джун Пайка Family of Robot: High Tech Child, 1986 на торгах Christies's в 1988 году.
В рамках нашей галерейной деятельности мы много говорим о «неконвеницональных» медиумах, а больше всего, пожалуй, о видеоарте.
Рождение видеоарта как полноценного медиума обычно связывают с выпуском на рынок в 1965 году камеры Sony Portapak, которая сделала возможной художественную съемку «на ногах».
Но всё новое в этом мире обречено пройти через преграды, чтобы заслужить право на жизнь. Видеоарт как медиум, «пригодный» для коллекционирования, ярче всех других иллюстрирует эту ницшеанскую правду.
На экранах, доступных в ранние годы медиума, эстетически прекрасные видео смотрелись неизбежно плохо. Более того, ассоциации с бездумным просмотром телевизора не играли на руку художникам, стремившимся сказать о высоком. Страх физического износа носителей видео так же не располагал к попаданию в коллекции: до появления лазерных дисков в 1978 году полагаться приходилось на форматы на основе магнитной ленты (e.g. U-Matic, VCR, VHS) — которые были склонны к порче и износу временем.
Центральным предрассудком, который жив и сегодня, является непонимание и боязнь «необъектности» видеоискусства — что приобретает коллекционер: набор информации, заложенной в физическом носителе, или символическую суть, выработанную художником, или же просто права на распоряжение видео? Даже музеи в своих первых приобретениях видеоарта тяготели к объектности, предпочитая покупать видеоинсталляции, а не моноканальные видео.
Как следствие всех этих преград — до 1990-х цены на видеоработы не поднимались выше $60,000 — такой рекорд на то время был установлен на работу Нам Джун Пайка Family of Robot: High Tech Child, 1986 на торгах Christies's в 1988 году.
❤7🔥2👏2
Родовые муки видеоарта (часть 2)
Первые попытки галеристов институализировать экономический обмен видеоарта в итоге заканчивались выбором некоммерческих форм продвижения видеохудожников (финансирование через государство и меценатов) или трагическими личными последствиями для самих пионеров маркетирования видеоискусства.
Яркий и важный для истории пример — Герард Шум, в 1969 году открывший Berlin Television Gallery, а позже в 1971 году — Videogalerie Schum, посвященной уже исключительно видеоарту. Несмотря на признание в профессиональном сообществе, участие в Венецианской биеннале и в Documenta V в 1972 году, организованные выставки с участием Йозефа Бойса, Гилберта и Джорджа, Марио Мерца и других знаковых авторов, добиться схождения коммерческой модели не удалось. В 1973 году Шум покончил жизнь самоубийством, причиной чему по рассказам друзей послужил и финансовый неуспех.
Сегодня этот любимый нами медиум, благодаря жертвам энтузиастов, таких как Герард Шум, преодолел большинство преград, стоявших на пути его системного попадания в музейные и частные коллекции. Но остается ответить на, пожалуй, главный с гуманистической точки зрения вопрос — какие особые дары может принести покупка видеоработы для коллекционера?
Коллекционирование — это проживание акта обладания искусством, которое в случае попадания работы в сердечко вызывает особые сильные эмоции, обеспечивающие духовный рост. Когда объектность работы растворяется, возникают упомянутые психологические барьеры, но каждый раз, когда их преодоление свершается — эмоциональный градус от переживания опыта коллекционирования выходит на новый уровень, случается внутренний сдвиг, потому что искусство снова смогло удивить с новой силой.
Кадры из работ:
📹 Nam June Paik, Family of Robot: High Tech Child, 1986
📹 Philippe Parreno, The Boy from Mars, 2003
📹 Matthew Barney, The Cremaster Cycle, 1994-2002
📹 Isaac Julien, True North, 2004
📹 Диана Артемьева, CIY — Create It Yourself, 2023
📹 Александра Тен, Make Believe, 2024
Первые попытки галеристов институализировать экономический обмен видеоарта в итоге заканчивались выбором некоммерческих форм продвижения видеохудожников (финансирование через государство и меценатов) или трагическими личными последствиями для самих пионеров маркетирования видеоискусства.
Яркий и важный для истории пример — Герард Шум, в 1969 году открывший Berlin Television Gallery, а позже в 1971 году — Videogalerie Schum, посвященной уже исключительно видеоарту. Несмотря на признание в профессиональном сообществе, участие в Венецианской биеннале и в Documenta V в 1972 году, организованные выставки с участием Йозефа Бойса, Гилберта и Джорджа, Марио Мерца и других знаковых авторов, добиться схождения коммерческой модели не удалось. В 1973 году Шум покончил жизнь самоубийством, причиной чему по рассказам друзей послужил и финансовый неуспех.
Сегодня этот любимый нами медиум, благодаря жертвам энтузиастов, таких как Герард Шум, преодолел большинство преград, стоявших на пути его системного попадания в музейные и частные коллекции. Но остается ответить на, пожалуй, главный с гуманистической точки зрения вопрос — какие особые дары может принести покупка видеоработы для коллекционера?
Коллекционирование — это проживание акта обладания искусством, которое в случае попадания работы в сердечко вызывает особые сильные эмоции, обеспечивающие духовный рост. Когда объектность работы растворяется, возникают упомянутые психологические барьеры, но каждый раз, когда их преодоление свершается — эмоциональный градус от переживания опыта коллекционирования выходит на новый уровень, случается внутренний сдвиг, потому что искусство снова смогло удивить с новой силой.
Кадры из работ:
📹 Nam June Paik, Family of Robot: High Tech Child, 1986
📹 Philippe Parreno, The Boy from Mars, 2003
📹 Matthew Barney, The Cremaster Cycle, 1994-2002
📹 Isaac Julien, True North, 2004
📹 Диана Артемьева, CIY — Create It Yourself, 2023
📹 Александра Тен, Make Believe, 2024
❤7👍2🔥2
Зачем люди покупают искусство? | Часть 1
Каждый день, а особенно в преддверии Cosmoscow, мы думаем о наших коллекционерах, нынешних и будущих, надеюсь, никогда не бывших. И так как лучший способ почувствовать чью-то боль — пройти километр в его обуви — я и сам нахожусь в постоянном поиске ответа на вопрос о значении коллекционирования для конкретного человека.
Поделюсь причинами, которые сформулировал для себя и которые вкладываю в мотивации наших дорогих клиентов.
1 причина — Составить архив своей памяти
Неважно, сколько людей за историю выносила земля, мы верим, что каждая душа от того не менее ценна — все благодаря уникальности проживаемого экзистенциального опыта.
На мой взгляд, искусство это самый действенный инструмент, позволяющий «остановить время», направить свое ментальное внимание на отдельные фрагменты прожитой жизни и соединить их в логически связанную цепочку — дать себе ракурс, с которого возможно осмыслить как «единое произведение» свое прошлое.
Когда мы сталкиваемся с искусством, вызывающим искренний отклик нашего сердца, а не только ума — почти всегда это происходит, потому что пойманный ассоциативный ряд приводит нас к чему-то важному именно для нас, произошедшему или осознанному когда-то ранее. Эмоциональная сила, с которой раскрываются такие ассоциации через искусство, — недостижима, пожалуй, никакими другими средствами, кроме, возможно, сеанса психотерапии.
Собирая коллекцию искусства, человек создает архив, коллекцию собственных воспоминаний, прожитых чувств и смыслов, к которым появляется возможность обращаться через собранные произведения.
Здесь уместно процитировать Дмитрия Краснопевцева: «Прошлое — наше единственное достояние. Будущее неведомо, а настоящее неуловимо.»
2 причина — Составить собственный духовный портрет
Желание приобрести работу всегда вызвано впечатлением, которое случается, потому что содержащееся в работе каким-то образом обращается к сокрытому в человеке.
При этом для коллекционера не всегда сразу понятно, чему именно внутри него отозвалось данное произведение искусства.
Собранная коллекция становится собственным духовным портретом коллекционера в физическом проявлении: это и еще один способ изучения себя, а также возможность поделиться с кем-то самым сокровенным.
3 причина — Услышать поэзию мира
Нельзя забыть и про чистую эмоциональность — нашу способность быть растроганными великой красотой. Оказываясь в Сикстинской капелле или находя свою Мадонну, все мысли отступают и мы чувствуем безусловное слезное умиление прекрасному.
Джорджо Моранди: «Даже в самом простом на вид предмете великий художник может достичь вершин изобразительного мастерства и той глубины чувствования, которая находит в нас мгновенный отклик»
4 причина — Удивиться креативному гению
Я убежден, что среди почитателей нашего золотого тельца, есть те, чья страсть в первую очередь интеллектуальна, а не сентиментальна — в искусстве они ищат возможность удивиться хитросплетениям креативного гения — «вот как еще можно».
В отдельных случаях, когда уже прожита яркая жизнь, и ничто больше не способно удивить пресыщенный и утомленный скукой ум — искусство выступает последней гаванью, сохраняющей такую возможность удивлять, оставаясь последним рубежом достижения интеллектуальной удовлетворенности, который невозможно преодолеть.
T.B.C.
📷 Саша Якутина, Let's watch a movie, 2023
Каждый день, а особенно в преддверии Cosmoscow, мы думаем о наших коллекционерах, нынешних и будущих, надеюсь, никогда не бывших. И так как лучший способ почувствовать чью-то боль — пройти километр в его обуви — я и сам нахожусь в постоянном поиске ответа на вопрос о значении коллекционирования для конкретного человека.
Поделюсь причинами, которые сформулировал для себя и которые вкладываю в мотивации наших дорогих клиентов.
1 причина — Составить архив своей памяти
Неважно, сколько людей за историю выносила земля, мы верим, что каждая душа от того не менее ценна — все благодаря уникальности проживаемого экзистенциального опыта.
На мой взгляд, искусство это самый действенный инструмент, позволяющий «остановить время», направить свое ментальное внимание на отдельные фрагменты прожитой жизни и соединить их в логически связанную цепочку — дать себе ракурс, с которого возможно осмыслить как «единое произведение» свое прошлое.
Когда мы сталкиваемся с искусством, вызывающим искренний отклик нашего сердца, а не только ума — почти всегда это происходит, потому что пойманный ассоциативный ряд приводит нас к чему-то важному именно для нас, произошедшему или осознанному когда-то ранее. Эмоциональная сила, с которой раскрываются такие ассоциации через искусство, — недостижима, пожалуй, никакими другими средствами, кроме, возможно, сеанса психотерапии.
Собирая коллекцию искусства, человек создает архив, коллекцию собственных воспоминаний, прожитых чувств и смыслов, к которым появляется возможность обращаться через собранные произведения.
Здесь уместно процитировать Дмитрия Краснопевцева: «Прошлое — наше единственное достояние. Будущее неведомо, а настоящее неуловимо.»
2 причина — Составить собственный духовный портрет
Желание приобрести работу всегда вызвано впечатлением, которое случается, потому что содержащееся в работе каким-то образом обращается к сокрытому в человеке.
При этом для коллекционера не всегда сразу понятно, чему именно внутри него отозвалось данное произведение искусства.
Собранная коллекция становится собственным духовным портретом коллекционера в физическом проявлении: это и еще один способ изучения себя, а также возможность поделиться с кем-то самым сокровенным.
3 причина — Услышать поэзию мира
Нельзя забыть и про чистую эмоциональность — нашу способность быть растроганными великой красотой. Оказываясь в Сикстинской капелле или находя свою Мадонну, все мысли отступают и мы чувствуем безусловное слезное умиление прекрасному.
Джорджо Моранди: «Даже в самом простом на вид предмете великий художник может достичь вершин изобразительного мастерства и той глубины чувствования, которая находит в нас мгновенный отклик»
4 причина — Удивиться креативному гению
Я убежден, что среди почитателей нашего золотого тельца, есть те, чья страсть в первую очередь интеллектуальна, а не сентиментальна — в искусстве они ищат возможность удивиться хитросплетениям креативного гения — «вот как еще можно».
В отдельных случаях, когда уже прожита яркая жизнь, и ничто больше не способно удивить пресыщенный и утомленный скукой ум — искусство выступает последней гаванью, сохраняющей такую возможность удивлять, оставаясь последним рубежом достижения интеллектуальной удовлетворенности, который невозможно преодолеть.
T.B.C.
📷 Саша Якутина, Let's watch a movie, 2023
❤6🔥3🥰1
Сегодня начинает свою работу уже 12-я по счёту ярмарка Cosmoscow, в которой мы участвуем впервые 🌹
Наш стенд посвящен наблюдению за переходными состояниями — пребывание в которых является фундаментальной характеристикой реальности, так как редко в мире можно встретить нечто, находящееся в истинном состоянии покоя. Даже если внешние проявления пока не видны, какие-то силы наверняка уже воздействуют на пространство, систему, сущность — в направлении, которое в итоге приведет к их трансформации.
Из осторожности цитируя Гераклита на английском, который утверждал: "War is the father of all things", но также дополнял, что в этой вечной борьбе оппонирующих друг другу сил и заключается гармония — обратим внимание на геометрический пазл, складывающийся из наложения снимков трубопрокатного завода в серии Тима Парщикова Missing Components. Тяжелые металлические конструкции, вступают в пространственную борьбу, следуя «сценографической» задумке художника. В этом переходящем в абстракцию металлическом «шуме» сокрыт утраченный компонент, который предлагается отыскать.
Но изменения не всегда связаны с борьбой и преодолением. В проекте Полины Шилкините Growing from Decay, предлагающем нам стать вуайеристами, подглядеть за историей чужой памяти — эта память, чья-то жизнь, сохраненная на фотографиях найденного в лесу фотоальбома, проходит через ряд изменений после взаимодействия с органической лесной средой, в которой альбом пролежал многие годы. История, изначально составлявшая альбом, изменяется, обретает сверхъестественные черты, но ее анонимные герои не являются жертвами — наоборот, пройдя через трансформацию, они обретают новую потустороннюю жизнь.
В своем новом видео Make Believe Александра Тен пытается определить, где проходит грань между правдой физической реальности и ее цифровыми имитациями. Даже если сам человек за тысячелетия существования не изменился, способы самовыражения прошли путь от наскальных рисунков до возможности сконструировать любой образ себя в веб-пространстве.
Всех будем ждать на нашем стенде Е13 до 27 октября!
А это утро хочется начать со строк из трека Don't Dream It's Over: "But you'll never see the end of the road" — девиз галериста и одновременно коллекционера, потому что искусство не перестанет удивлять 🖤
Наш стенд посвящен наблюдению за переходными состояниями — пребывание в которых является фундаментальной характеристикой реальности, так как редко в мире можно встретить нечто, находящееся в истинном состоянии покоя. Даже если внешние проявления пока не видны, какие-то силы наверняка уже воздействуют на пространство, систему, сущность — в направлении, которое в итоге приведет к их трансформации.
Из осторожности цитируя Гераклита на английском, который утверждал: "War is the father of all things", но также дополнял, что в этой вечной борьбе оппонирующих друг другу сил и заключается гармония — обратим внимание на геометрический пазл, складывающийся из наложения снимков трубопрокатного завода в серии Тима Парщикова Missing Components. Тяжелые металлические конструкции, вступают в пространственную борьбу, следуя «сценографической» задумке художника. В этом переходящем в абстракцию металлическом «шуме» сокрыт утраченный компонент, который предлагается отыскать.
Но изменения не всегда связаны с борьбой и преодолением. В проекте Полины Шилкините Growing from Decay, предлагающем нам стать вуайеристами, подглядеть за историей чужой памяти — эта память, чья-то жизнь, сохраненная на фотографиях найденного в лесу фотоальбома, проходит через ряд изменений после взаимодействия с органической лесной средой, в которой альбом пролежал многие годы. История, изначально составлявшая альбом, изменяется, обретает сверхъестественные черты, но ее анонимные герои не являются жертвами — наоборот, пройдя через трансформацию, они обретают новую потустороннюю жизнь.
В своем новом видео Make Believe Александра Тен пытается определить, где проходит грань между правдой физической реальности и ее цифровыми имитациями. Даже если сам человек за тысячелетия существования не изменился, способы самовыражения прошли путь от наскальных рисунков до возможности сконструировать любой образ себя в веб-пространстве.
Всех будем ждать на нашем стенде Е13 до 27 октября!
А это утро хочется начать со строк из трека Don't Dream It's Over: "But you'll never see the end of the road" — девиз галериста и одновременно коллекционера, потому что искусство не перестанет удивлять 🖤
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤7🔥2👍1