Barker — Utility
Barker — отнюдь не новое имя на электронной сцене. После годов плодотворных экспериментов со звуком, в начале 10-х Сэм переезжает из родной Великобритании в мировую столицу техно, Берлин, и начинает работать в паре с Андреасом Баумекером. Тандем добивается значительных успехов, выпустив 2 альбома и 3 EP на главном техно-лейбле 21-го века, Ostgut Ton. Отвечая на вопрос, чему каждый из пары научился у своего партнера, Баумекер отмечает крайне сознательную работу Баркера с синтезаторами, в то время как Сэм начинает больше задумываться о структуре и динамике танцевального трека, инструментах, которые позволяют выстроить саспенс и захватить слушателя. Судя по последним релизам, эти мысли в результате увели Сэма далеко от конвенциональной техно-музыки. С 2018-го года Баркер издает пластинки исключительно сольно, однако влияние партнера — не единственный аспект, от которого он освободил свою музыку. Англичанин умудрился посягнуть на святая святых танцевальной музыки — бас-бочку.
Впервые такая идея пришла ему в голову во время азиатского турне. Играя один из своих диджейских сэтов Баркер заметил, что жара и повышенная влажность, а также трезвость танцующих требует иного подхода к построению микса — после чего продолжил эксперименты в своей берлинской студии, работая над треками, построенными из одних лишь синтезаторных секвенций. Англичанин действовал методично, по десертной ложке вводя такие заготовки в свои сэты, и регистрировал реакцию публики, а также свои собственные мысли и ощущения.
Опыты шли успешно — артист последовательно увеличивал долю и продолжительность подобных фрагментов в своих новых выступлениях, а публика чувствовала себя все более уверенно. Эта работа в конце концов натолкнула музыканта на мысли о парадоксальности и затертости привычной сигнальной системы техно, где и публика, и музыкант в одинаковой степени полагаются на удар бочки как на нечто незыблемое: без нее танцующие не чувствуют под ногами почвы, а диджеи и продюсеры, создавая свою музыку, боятся пуститься в открытое плавание, где на местах привычной, такой знакомой ритмической сетки, зияют белые пятна. Сравнивая танцоров и музыкантов, нуждающихся в драм-кике, чтобы заставить свое тело танцевать с собаками Павлова, Баркер отмечает раскрепощающий эффект, которого ему удалось достичь с помощью новой концепции во время работы над полноформатным альбомом этого года Utility. После успеха EP Debiasing он работал над музыкой для альбома в новой стилистике сознательно, но дополнил его своими архивными треками, просто заглушая или вовсе удаляя ударные в демо-проектах, которые считал неудавшимися. «Каждый техно-музыкант в определенной степени ограничен», — считает Баркер, ведь он фактически обязан вводить в свою музыку репитативный элемент, который не сообщает никакой новой информации слушателю, но также доминирует над всеми остальными звуками за счет своей оглушительности. Иногда британский музыкант все же оставляет для слушателя подсказки в виде едва слышимых, будто в отдалении, ритмов метронома, но чаще вовсе вырезает ударные из треков — и синтезаторные арпеджио, идущие внахлест, прекрасно справляются с тем, чтобы двигать музыку вперед, оставляя достаточно места для работы над гармониями, мелодиями и текстурами.
После релизов Debiasing и Utility прошло некоторое время. Другие музыканты, такие как Objekt с его миксом для Resident Advisor, подхватили идею и предложили свое собственное видение. Журналисты и слушатели начали плодотворные раскопки в произведениях классиков и современников с целью найти и обозначить схожие моменты. С энтузиазмом принятый критиками, коллегами по цеху и рядовыми слушателями, Utility закрепляет наработки Баркера, и, вполне возможно, обозначает новый вектор в танцевальной музыке.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Barker — отнюдь не новое имя на электронной сцене. После годов плодотворных экспериментов со звуком, в начале 10-х Сэм переезжает из родной Великобритании в мировую столицу техно, Берлин, и начинает работать в паре с Андреасом Баумекером. Тандем добивается значительных успехов, выпустив 2 альбома и 3 EP на главном техно-лейбле 21-го века, Ostgut Ton. Отвечая на вопрос, чему каждый из пары научился у своего партнера, Баумекер отмечает крайне сознательную работу Баркера с синтезаторами, в то время как Сэм начинает больше задумываться о структуре и динамике танцевального трека, инструментах, которые позволяют выстроить саспенс и захватить слушателя. Судя по последним релизам, эти мысли в результате увели Сэма далеко от конвенциональной техно-музыки. С 2018-го года Баркер издает пластинки исключительно сольно, однако влияние партнера — не единственный аспект, от которого он освободил свою музыку. Англичанин умудрился посягнуть на святая святых танцевальной музыки — бас-бочку.
Впервые такая идея пришла ему в голову во время азиатского турне. Играя один из своих диджейских сэтов Баркер заметил, что жара и повышенная влажность, а также трезвость танцующих требует иного подхода к построению микса — после чего продолжил эксперименты в своей берлинской студии, работая над треками, построенными из одних лишь синтезаторных секвенций. Англичанин действовал методично, по десертной ложке вводя такие заготовки в свои сэты, и регистрировал реакцию публики, а также свои собственные мысли и ощущения.
Опыты шли успешно — артист последовательно увеличивал долю и продолжительность подобных фрагментов в своих новых выступлениях, а публика чувствовала себя все более уверенно. Эта работа в конце концов натолкнула музыканта на мысли о парадоксальности и затертости привычной сигнальной системы техно, где и публика, и музыкант в одинаковой степени полагаются на удар бочки как на нечто незыблемое: без нее танцующие не чувствуют под ногами почвы, а диджеи и продюсеры, создавая свою музыку, боятся пуститься в открытое плавание, где на местах привычной, такой знакомой ритмической сетки, зияют белые пятна. Сравнивая танцоров и музыкантов, нуждающихся в драм-кике, чтобы заставить свое тело танцевать с собаками Павлова, Баркер отмечает раскрепощающий эффект, которого ему удалось достичь с помощью новой концепции во время работы над полноформатным альбомом этого года Utility. После успеха EP Debiasing он работал над музыкой для альбома в новой стилистике сознательно, но дополнил его своими архивными треками, просто заглушая или вовсе удаляя ударные в демо-проектах, которые считал неудавшимися. «Каждый техно-музыкант в определенной степени ограничен», — считает Баркер, ведь он фактически обязан вводить в свою музыку репитативный элемент, который не сообщает никакой новой информации слушателю, но также доминирует над всеми остальными звуками за счет своей оглушительности. Иногда британский музыкант все же оставляет для слушателя подсказки в виде едва слышимых, будто в отдалении, ритмов метронома, но чаще вовсе вырезает ударные из треков — и синтезаторные арпеджио, идущие внахлест, прекрасно справляются с тем, чтобы двигать музыку вперед, оставляя достаточно места для работы над гармониями, мелодиями и текстурами.
После релизов Debiasing и Utility прошло некоторое время. Другие музыканты, такие как Objekt с его миксом для Resident Advisor, подхватили идею и предложили свое собственное видение. Журналисты и слушатели начали плодотворные раскопки в произведениях классиков и современников с целью найти и обозначить схожие моменты. С энтузиазмом принятый критиками, коллегами по цеху и рядовыми слушателями, Utility закрепляет наработки Баркера, и, вполне возможно, обозначает новый вектор в танцевальной музыке.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
SUNN O))) — «Frost (C)»
Коллектив делится синглом с предстоящей работы Pyroclasts. Трек записан с помощью Стива Альбини — важного звукоинженера для гранжа и нойза 90-х годов. По словам музыкантов, материал с нового альбома является результатом ежедневных утренних или вечерних ритуалов начала и завершения рабочего дня. Специфичный подход образовался в процессе записи апрельского релиза Life Metal, что указывает на неразрывность и концептуальность двух работ.
Стивен О’Мелли, фронтмен коллектива, описывает будущую работу, как нечто существующее в виде пауз, временного пространства, которое находится между и вокруг композиционных структур треков SUNN O))). Работая с минимальным структурированием команда провела запись обеих работ в стенах Electrical Audio Studio, что способствовало реализации всех идей и задумок — так коллектив сосредотачивает внимание на деталях подачи материала.
Послушать: https://youtu.be/Y20qC3qgpps
Коллектив делится синглом с предстоящей работы Pyroclasts. Трек записан с помощью Стива Альбини — важного звукоинженера для гранжа и нойза 90-х годов. По словам музыкантов, материал с нового альбома является результатом ежедневных утренних или вечерних ритуалов начала и завершения рабочего дня. Специфичный подход образовался в процессе записи апрельского релиза Life Metal, что указывает на неразрывность и концептуальность двух работ.
Стивен О’Мелли, фронтмен коллектива, описывает будущую работу, как нечто существующее в виде пауз, временного пространства, которое находится между и вокруг композиционных структур треков SUNN O))). Работая с минимальным структурированием команда провела запись обеих работ в стенах Electrical Audio Studio, что способствовало реализации всех идей и задумок — так коллектив сосредотачивает внимание на деталях подачи материала.
Послушать: https://youtu.be/Y20qC3qgpps
Doja Cat — «Bottom Bitch»
Калифорнийская исполнительница, ставшая популярной после клипа на трек «MOOO!», выпустила новый сингл и видео. Песня стала первым треком с грядущего альбома Hot Pink, который артистка планирует выпустить в 2020 году. Всего за неделю клип набрал более 3 миллионов просмотров.
В видео девушка катается на скейте, участвует в гаражной репетиции и идёт на гротескную костюмированную вечеринку в компании своих подруг, близким отношениям с которыми и посвящена песня. По своей стилистике видеоработа отсылает к нулевым годам, что достигается благодаря цветокоррекции, тематическим перебивкам и стилю съемки.
Посмотреть: https://youtu.be/ik0qg-O_2DM
Калифорнийская исполнительница, ставшая популярной после клипа на трек «MOOO!», выпустила новый сингл и видео. Песня стала первым треком с грядущего альбома Hot Pink, который артистка планирует выпустить в 2020 году. Всего за неделю клип набрал более 3 миллионов просмотров.
В видео девушка катается на скейте, участвует в гаражной репетиции и идёт на гротескную костюмированную вечеринку в компании своих подруг, близким отношениям с которыми и посвящена песня. По своей стилистике видеоработа отсылает к нулевым годам, что достигается благодаря цветокоррекции, тематическим перебивкам и стилю съемки.
Посмотреть: https://youtu.be/ik0qg-O_2DM
clipping. — «Blood of the Fang»
Трио из Лос-Анджелеса выпустило видео на трек с грядущего альбома There Existed an Addiction to Blood, релиз которого намечен на 18 октября.
Композиция построена на сэмпле Сэма Уэймона из Ganja & Hess, экспериментального фильма ужасов 1973 года о темнокожем антропологе, ведущем раскопки древней африканской цивилизации вампиров. В засэмплированной части излагается вся мифология фильма, и Дэйвид Диггс отталкивается от нее, изучая историю расовой политической борьбы в 1960-х и 70-х годах.
Клип вдохновлен знаменитой фотографией 1967 года покойного лидера Черных пантер Хьюи П. Ньютона, прикованного наручниками к больничной каталке после ранения в перестрелке с полицией.
Посмотреть: https://youtu.be/s9EsHbqmjN4
Трио из Лос-Анджелеса выпустило видео на трек с грядущего альбома There Existed an Addiction to Blood, релиз которого намечен на 18 октября.
Композиция построена на сэмпле Сэма Уэймона из Ganja & Hess, экспериментального фильма ужасов 1973 года о темнокожем антропологе, ведущем раскопки древней африканской цивилизации вампиров. В засэмплированной части излагается вся мифология фильма, и Дэйвид Диггс отталкивается от нее, изучая историю расовой политической борьбы в 1960-х и 70-х годах.
Клип вдохновлен знаменитой фотографией 1967 года покойного лидера Черных пантер Хьюи П. Ньютона, прикованного наручниками к больничной каталке после ранения в перестрелке с полицией.
Посмотреть: https://youtu.be/s9EsHbqmjN4
Alfa Mist — Structuralism
Британский клавишник, продюсер и композитор Alfa Mist в апреле этого года выпустил четвертый альбом. Многие профильные издания называют Alfa Mist надеждой современной джазовой сцены и широко обсуждают его музыку. Артист назвал новый релиз «Structuralism» в честь интеллектуального движения, популярного в ХХ веке. Структуралист рассматривает одежду, литературу, любые предметы и жесты как многочисленные «языки», на которых общаются представители той или иной культуры. Как говорил в одном из интервью об альбоме сам автор, на него повлияло окружение: «Эта музыка должна объяснить, что я тот, кто я есть из-за структуры общества, в котором я вырос». При записи треков был задействован полноценный джазовый коллектив: струнные, духовые и ударные инструменты. Атмосферу альбома также создают приглашенная вокалистка Kaya Thomas-Dyke и Jordan Rakei — популярный новозеландско-австралийский певец и композитор.
«Structuralism» — это альбом из восьми композиций. Первый и самый длинный трек всего альбома — «.44». Труба вступает после короткого монолога Kaya Thomas-Dyke. Как револьверный боеприпас высокой мощности, уверенный и настоящий, он задает настроение всему альбому. В следующей песне «Falling» преобладают меланхоличные настроения. На высоких нотах вокалистка словно поднимается вверх, а затем бросается вниз вместе с каплями дождя: «Falling with the rain». Порой кажется, что Kaya Thomas-Dyke поет из-за кулис: до нее хочется добраться, но она недостижима. Третий трек — «Mulago», получил свое название в честь района в столице Уганды. Поначалу чем-то напоминает первую композицию альбома, но звучит намного тревожнее. Четвертая песня «Glad I Lived» — это классическая бум-бэп-баллада, к концу которой меняется аранжировка и темп, уходя в сторону классического джаза. «Jjajja's Screen» — это музыка, посвященная прародителям. Слово «jjajja» на языке народа ганда означает «те, от кого мы все, произошли». Девятиминутный трек «Naiyti» подкупает разнообразием музыкальных тем. Здесь продюсер демонстрирует обилие ритмических сбивок и использует оффбит — приемы, широко распространенные в джазе, а Jamie Leeming показывает мастерство на гитаре. На пятой минуте композиции «Retainer» резко меняется темп и стиль — джаз превращается в классическую музыку для струнных инструментов, а потом врывается фортепиано. Завершающий трек альбома «Door» посвящен вере и любви. Легкий вокал Jordan Rakei поет о мотивации извне — «When I reached out for more hold on for me».
Душевный, эмоциональный и цельный альбом «Structuralism» выверен и с музыкальной точки зрения, и с идеологической. В начале своей карьеры Alfa Mist говорил: «Я хочу, чтобы люди что-то чувствовали». «Structuralism» доказывает то, что с чувственным выражением у артиста все в порядке.
Послушать:
Apple Music | Spotify | Deezer | Tidal | AlbumLink | Telegram
Британский клавишник, продюсер и композитор Alfa Mist в апреле этого года выпустил четвертый альбом. Многие профильные издания называют Alfa Mist надеждой современной джазовой сцены и широко обсуждают его музыку. Артист назвал новый релиз «Structuralism» в честь интеллектуального движения, популярного в ХХ веке. Структуралист рассматривает одежду, литературу, любые предметы и жесты как многочисленные «языки», на которых общаются представители той или иной культуры. Как говорил в одном из интервью об альбоме сам автор, на него повлияло окружение: «Эта музыка должна объяснить, что я тот, кто я есть из-за структуры общества, в котором я вырос». При записи треков был задействован полноценный джазовый коллектив: струнные, духовые и ударные инструменты. Атмосферу альбома также создают приглашенная вокалистка Kaya Thomas-Dyke и Jordan Rakei — популярный новозеландско-австралийский певец и композитор.
«Structuralism» — это альбом из восьми композиций. Первый и самый длинный трек всего альбома — «.44». Труба вступает после короткого монолога Kaya Thomas-Dyke. Как револьверный боеприпас высокой мощности, уверенный и настоящий, он задает настроение всему альбому. В следующей песне «Falling» преобладают меланхоличные настроения. На высоких нотах вокалистка словно поднимается вверх, а затем бросается вниз вместе с каплями дождя: «Falling with the rain». Порой кажется, что Kaya Thomas-Dyke поет из-за кулис: до нее хочется добраться, но она недостижима. Третий трек — «Mulago», получил свое название в честь района в столице Уганды. Поначалу чем-то напоминает первую композицию альбома, но звучит намного тревожнее. Четвертая песня «Glad I Lived» — это классическая бум-бэп-баллада, к концу которой меняется аранжировка и темп, уходя в сторону классического джаза. «Jjajja's Screen» — это музыка, посвященная прародителям. Слово «jjajja» на языке народа ганда означает «те, от кого мы все, произошли». Девятиминутный трек «Naiyti» подкупает разнообразием музыкальных тем. Здесь продюсер демонстрирует обилие ритмических сбивок и использует оффбит — приемы, широко распространенные в джазе, а Jamie Leeming показывает мастерство на гитаре. На пятой минуте композиции «Retainer» резко меняется темп и стиль — джаз превращается в классическую музыку для струнных инструментов, а потом врывается фортепиано. Завершающий трек альбома «Door» посвящен вере и любви. Легкий вокал Jordan Rakei поет о мотивации извне — «When I reached out for more hold on for me».
Душевный, эмоциональный и цельный альбом «Structuralism» выверен и с музыкальной точки зрения, и с идеологической. В начале своей карьеры Alfa Mist говорил: «Я хочу, чтобы люди что-то чувствовали». «Structuralism» доказывает то, что с чувственным выражением у артиста все в порядке.
Послушать:
Apple Music | Spotify | Deezer | Tidal | AlbumLink | Telegram
FKA Twigs — «home with you»
Английская авант-поп-исполнительница Талия Дебретт Барнетт выпустила песню «home with you». Она сопровождается сюрреалистическим клипом, который срежиссировала сама артистка.
Видео начинается с кадров вечеринки из темно освещенной комнаты с множеством движущихся тел. Героиня устала от тусовки и решает поехать домой. В машине ее встречают девушки, у которых на веках нарисованы глазные яблоки. Танец в авто сопровождается органично поставленными движениями, пластичностью рук и тел. Затем следует резкая смена кадра: сцены клубной жизни меняются кадрами зеленых полей — героиня возвращается домой. Композиция войдет в состав предстоящего альбома Magdalene, релиз которого состоится 8 ноября.
Посмотреть: https://youtu.be/p2Rro6TQgpU
Английская авант-поп-исполнительница Талия Дебретт Барнетт выпустила песню «home with you». Она сопровождается сюрреалистическим клипом, который срежиссировала сама артистка.
Видео начинается с кадров вечеринки из темно освещенной комнаты с множеством движущихся тел. Героиня устала от тусовки и решает поехать домой. В машине ее встречают девушки, у которых на веках нарисованы глазные яблоки. Танец в авто сопровождается органично поставленными движениями, пластичностью рук и тел. Затем следует резкая смена кадра: сцены клубной жизни меняются кадрами зеленых полей — героиня возвращается домой. Композиция войдет в состав предстоящего альбома Magdalene, релиз которого состоится 8 ноября.
Посмотреть: https://youtu.be/p2Rro6TQgpU
Djrum — «Hard to Say / Tournesol»
Hard to Say / Tournesol — второй кряду сингл, выпущенный Djrum на лейбле R&S после трехтрэкового Broken Glass Arch, вышедшего в 2017-м.
Родом из самого начала 10-х годов, когда на клубной сцене разом появился целый сонм талантливых UK bass продюсеров, Djrum демонстрирует внушительный набор инструментов, с лёгкостью варьируя жанровые техники, а также работает с внестилевыми элементами, добавляя музыке эмоций и кинематографичности.
В свежей работе Феликс Мануэль вновь демонстрирует приверженность стилям, исповедующим up-tempo подход. На стороне A он объединяет собственные наработки в трайбл-перкуссии с тех-трансом, но именно сторона B — «Tournesol», бесспорно является ярчайшим местом сингла. На протяжении 10 минут Djrum с успехом проводит синтез племенных тамтамов с высокоскоростным, зубодробительным джанглом, что делает пластинку одной из самых интересных в танцевальном сегменте этого года.
Послушать:
Apple Music | Spotify | Deezer
Hard to Say / Tournesol — второй кряду сингл, выпущенный Djrum на лейбле R&S после трехтрэкового Broken Glass Arch, вышедшего в 2017-м.
Родом из самого начала 10-х годов, когда на клубной сцене разом появился целый сонм талантливых UK bass продюсеров, Djrum демонстрирует внушительный набор инструментов, с лёгкостью варьируя жанровые техники, а также работает с внестилевыми элементами, добавляя музыке эмоций и кинематографичности.
В свежей работе Феликс Мануэль вновь демонстрирует приверженность стилям, исповедующим up-tempo подход. На стороне A он объединяет собственные наработки в трайбл-перкуссии с тех-трансом, но именно сторона B — «Tournesol», бесспорно является ярчайшим местом сингла. На протяжении 10 минут Djrum с успехом проводит синтез племенных тамтамов с высокоскоростным, зубодробительным джанглом, что делает пластинку одной из самых интересных в танцевальном сегменте этого года.
Послушать:
Apple Music | Spotify | Deezer
Rosetta — Terra Sola
По завершении масштабного двухлетнего тура в поддержку своей последней полноформатной пластинки Utopoid, филадельфийский пост-метал квинтет Rosetta представил новый мини-альбом, включающий в себя три композиции. Название Terra Sola с латинского языка переводится как «Только Земля», концептуально затрагивая актуальные вопросы отношения человека с окружающей средой, зачастую носящие амбивалентный характер.
Заглавная и самая большая по длительности композиция «Terra Sola» начинается с неспешной инструментальной зарисовки, выполненной в духе раннего творчества группы, где элементы пост-хардкора вступают в связь с глубоким пост-метал-звучанием. Коллектив играет на контрасте, сочетая мелодичный и чистый вокал со скримингом. Параллельно со сменой стиля вокального исполнения, меняется и инструментальная часть, где гитарные риффы, утрачивая своё первоначально заявленное спокойствие и плавность, переходят в более агрессивное и динамичное русло. Следующая часть трека представляет собой инструментальную перебивку, исполненную с акцентом на ударных партиях. Выполняющие роль фона приглушенные гитары впоследствии возвращают своё былое главенствующее значение, когда в очередной раз происходит смена настроения в композиции. Вокал и скриминг сливаются воедино, образуя контрастирующее двухголосие. Вокально-инструментальная часть обрывается примерно в середине повествования, словно отдаляясь от слушателя и оставляя его наедине с однородным по своему наполнению инструментальным эпилогом. Лирика авторов преисполнена символизмом, находящим своё выражение в строчках вроде «Waves bound our mouths» или пессимистичных по своему лейтмотиву завершающих слов «When the air that we breathe is so thick with the shame / We expire». Следующий трек «57844» отличается своей звуковой монолитностью, отсутствием резких цикличных перемен в настроении самой композиции. Пост-рок составляющая, органично сочетающаяся с мягким вокальным исполнением, противопоставляется меланхоличной и печальной лирике, выражающей неминуемое ухудшение и без того плачевной экологической обстановки: «No solace waiting in this heat» и «Every minute faster than the one before». Заключительная инструментальная композиция выступает продолжением концепции предшествующего трека, ставя во главу акустические гитарные зарисовки, соединенные с нарочито лоу-фай электронной аранжировкой. Название «Where is Hope?» не только подводит итог лирических изысков авторов, но и выделяет проблематику поиска надежды.
На Terra Sola коллектив переосмысляет многие мелочи, составляющие в одно целое их многолетнюю карьеру, а также применяет новые методы и подходы к созданию музыки. Заявленная авторами концептуальная амбивалентность выражается не только в лирическом воплощении данных идей, но и через совмещение аутентичного для группы звучания с эклектическими экспериментами.
Послушать:
Bandcamp | Youtube | Telegram
По завершении масштабного двухлетнего тура в поддержку своей последней полноформатной пластинки Utopoid, филадельфийский пост-метал квинтет Rosetta представил новый мини-альбом, включающий в себя три композиции. Название Terra Sola с латинского языка переводится как «Только Земля», концептуально затрагивая актуальные вопросы отношения человека с окружающей средой, зачастую носящие амбивалентный характер.
Заглавная и самая большая по длительности композиция «Terra Sola» начинается с неспешной инструментальной зарисовки, выполненной в духе раннего творчества группы, где элементы пост-хардкора вступают в связь с глубоким пост-метал-звучанием. Коллектив играет на контрасте, сочетая мелодичный и чистый вокал со скримингом. Параллельно со сменой стиля вокального исполнения, меняется и инструментальная часть, где гитарные риффы, утрачивая своё первоначально заявленное спокойствие и плавность, переходят в более агрессивное и динамичное русло. Следующая часть трека представляет собой инструментальную перебивку, исполненную с акцентом на ударных партиях. Выполняющие роль фона приглушенные гитары впоследствии возвращают своё былое главенствующее значение, когда в очередной раз происходит смена настроения в композиции. Вокал и скриминг сливаются воедино, образуя контрастирующее двухголосие. Вокально-инструментальная часть обрывается примерно в середине повествования, словно отдаляясь от слушателя и оставляя его наедине с однородным по своему наполнению инструментальным эпилогом. Лирика авторов преисполнена символизмом, находящим своё выражение в строчках вроде «Waves bound our mouths» или пессимистичных по своему лейтмотиву завершающих слов «When the air that we breathe is so thick with the shame / We expire». Следующий трек «57844» отличается своей звуковой монолитностью, отсутствием резких цикличных перемен в настроении самой композиции. Пост-рок составляющая, органично сочетающаяся с мягким вокальным исполнением, противопоставляется меланхоличной и печальной лирике, выражающей неминуемое ухудшение и без того плачевной экологической обстановки: «No solace waiting in this heat» и «Every minute faster than the one before». Заключительная инструментальная композиция выступает продолжением концепции предшествующего трека, ставя во главу акустические гитарные зарисовки, соединенные с нарочито лоу-фай электронной аранжировкой. Название «Where is Hope?» не только подводит итог лирических изысков авторов, но и выделяет проблематику поиска надежды.
На Terra Sola коллектив переосмысляет многие мелочи, составляющие в одно целое их многолетнюю карьеру, а также применяет новые методы и подходы к созданию музыки. Заявленная авторами концептуальная амбивалентность выражается не только в лирическом воплощении данных идей, но и через совмещение аутентичного для группы звучания с эклектическими экспериментами.
Послушать:
Bandcamp | Youtube | Telegram
Deep Cuts Events — Digest №9
27 октября в Москве состоится концерт британского индастриал-техно проекта JK Flesh. Под этим псевдонимом скрывается музыкант Джастин Бродрик — заинтересовавшись в 90-е производством хип-хопа и драм-н-бейса чуть позже он становится сооснователем важной метал-группы Godflesh и пост-метал коллектива Jesu.
Электронные работы Бродрика близки к духу ранних рэйв-вечеринок, с наличием тяжелых партий баса и режущим брейкбитом.
Приобретайте билеты: https://wearegrainsofsand.timepad.ru/event/1055633/
27 октября в Москве состоится концерт британского индастриал-техно проекта JK Flesh. Под этим псевдонимом скрывается музыкант Джастин Бродрик — заинтересовавшись в 90-е производством хип-хопа и драм-н-бейса чуть позже он становится сооснователем важной метал-группы Godflesh и пост-метал коллектива Jesu.
Электронные работы Бродрика близки к духу ранних рэйв-вечеринок, с наличием тяжелых партий баса и режущим брейкбитом.
Приобретайте билеты: https://wearegrainsofsand.timepad.ru/event/1055633/
Danny Brown — uknowwhatiamsayin¿
После выхода полноформатной пластинки Atrocity Exhibition в 2016 артист постоянно боролся с собственными демонами, разбирался с лейблом и успел потерять все данные, записанные для следующей пластинки. В декабре 2018-го, благодаря усилиям фанатов, выходит сборник неочищенных демо-версий Friday Night Dance Party, которые Дэнни включал на своих стримах на платформе Twitch. Компиляция не сильно разнилась от стилей прошлых релизов: артист все так же рассуждал на темы последствий самоубийства, войны, жестокости полиции, называя все это — «шоу уродов». «Когда люди видят, как что-то происходит... скажем, полиция или что-то насильственное, вместо того, чтобы пытаться исправить ситуацию, что они делают? Они вытаскивают телефон и снимают это. Мы живем на шоу уродов…»
Эпатажный образ Дэнни со временем растворился: недостающие зубы вставлены, волосы подстрижены, а джинсы больше не узкие. Браун обрел не только новый образ, но и приоритеты и взгляды на жизнь, которые отразились на новой пластинке uknowhatimsayin¿. На альбоме все еще соседствуют вышеперечисленные темы, но теперь они тревожат Дэнни еще больше. Понимание того, что музыка важна не только для роста поколений, но и для самого артиста, он больше не говорит о суицидальных мыслях, депрессии, изоляции и наркомании, как о безвыходной ситуации и источником всех проблем. Все что он требует — почувствовать его.
Во многом суть исцеляющего альбома, это заслуга Q-Tip, который не брался за продюсирование альбомов с 2014 года. В интервью для HOT 97 Браун рассказал о том, как Q-Tip изменил его подход к созданию музыки: «Все мои альбомы, над которыми я работал один — я просто получал биты от людей и записывал поверх свои слова. Но теперь я понял разницу между битмейкером и продюсером. Работать с продюсером — уделять внимание всем деталям. Q-Tip дал мне лучший совет, который я когда либо слышал. Песня доходит до людей, до мира, она должна нести здравый смысл и любовь. Прежде чем песня достигнет мира, ты должен вложить в нее всю свою заботу. Раньше я делал какое-то дерьмо и сразу же выпускал его».
Лучшая музыка Дэнни всегда была исключительно личной, и когда он объявил, что станет «величайшим рэпером» на XXX, это означало, что он может умереть, если потерпит неудачу. Он назвал uknowhatimsayin¿ — «альбомом комедии», вдохновившись комиком Ричардом Прайаром. Браун позаимствовал не только идею обложки но и посыл Ричарда, что самые любимые и самые стойкие комики тоже оставили свою кровь на сцене.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Telegram
После выхода полноформатной пластинки Atrocity Exhibition в 2016 артист постоянно боролся с собственными демонами, разбирался с лейблом и успел потерять все данные, записанные для следующей пластинки. В декабре 2018-го, благодаря усилиям фанатов, выходит сборник неочищенных демо-версий Friday Night Dance Party, которые Дэнни включал на своих стримах на платформе Twitch. Компиляция не сильно разнилась от стилей прошлых релизов: артист все так же рассуждал на темы последствий самоубийства, войны, жестокости полиции, называя все это — «шоу уродов». «Когда люди видят, как что-то происходит... скажем, полиция или что-то насильственное, вместо того, чтобы пытаться исправить ситуацию, что они делают? Они вытаскивают телефон и снимают это. Мы живем на шоу уродов…»
Эпатажный образ Дэнни со временем растворился: недостающие зубы вставлены, волосы подстрижены, а джинсы больше не узкие. Браун обрел не только новый образ, но и приоритеты и взгляды на жизнь, которые отразились на новой пластинке uknowhatimsayin¿. На альбоме все еще соседствуют вышеперечисленные темы, но теперь они тревожат Дэнни еще больше. Понимание того, что музыка важна не только для роста поколений, но и для самого артиста, он больше не говорит о суицидальных мыслях, депрессии, изоляции и наркомании, как о безвыходной ситуации и источником всех проблем. Все что он требует — почувствовать его.
Во многом суть исцеляющего альбома, это заслуга Q-Tip, который не брался за продюсирование альбомов с 2014 года. В интервью для HOT 97 Браун рассказал о том, как Q-Tip изменил его подход к созданию музыки: «Все мои альбомы, над которыми я работал один — я просто получал биты от людей и записывал поверх свои слова. Но теперь я понял разницу между битмейкером и продюсером. Работать с продюсером — уделять внимание всем деталям. Q-Tip дал мне лучший совет, который я когда либо слышал. Песня доходит до людей, до мира, она должна нести здравый смысл и любовь. Прежде чем песня достигнет мира, ты должен вложить в нее всю свою заботу. Раньше я делал какое-то дерьмо и сразу же выпускал его».
Лучшая музыка Дэнни всегда была исключительно личной, и когда он объявил, что станет «величайшим рэпером» на XXX, это означало, что он может умереть, если потерпит неудачу. Он назвал uknowhatimsayin¿ — «альбомом комедии», вдохновившись комиком Ричардом Прайаром. Браун позаимствовал не только идею обложки но и посыл Ричарда, что самые любимые и самые стойкие комики тоже оставили свою кровь на сцене.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Telegram
Deep Cuts x ИльяМазо — PLAYLIST NO. 13
Тринадцатый выпуск плейлиста для нас подготовил музыкальный продюсер коллектива ИльяМазо — Дмитрий Гудничев.
В то время как многие создают плейлисты для прослушивания на вечеринках, Дмитрий решил пойти от обратного. Со слов Дмитрия, эти композиции не рекомендуется включать на мероприятии, так как окружающие вряд ли оценят ваш выбор. Некоторые из этих треков нужно слушать одному, некоторые — только с родителями, другие — когда все на вечеринке уснули.
Подробнее: https://deepcuts.ru/playlist/13
Послушать:
Apple Music | Telegram | VK
Тринадцатый выпуск плейлиста для нас подготовил музыкальный продюсер коллектива ИльяМазо — Дмитрий Гудничев.
В то время как многие создают плейлисты для прослушивания на вечеринках, Дмитрий решил пойти от обратного. Со слов Дмитрия, эти композиции не рекомендуется включать на мероприятии, так как окружающие вряд ли оценят ваш выбор. Некоторые из этих треков нужно слушать одному, некоторые — только с родителями, другие — когда все на вечеринке уснули.
Подробнее: https://deepcuts.ru/playlist/13
Послушать:
Apple Music | Telegram | VK
Water From Your Eyes — «Adeleine»
Дуэт из Нью-Йорка связала не только тяга к совместному творчеству, но и романтические отношения. Пара постоянно живет внутри своей музыки. Вокал для первого альбома был записан в их общей ванной, а пластинки вдохновляются просмотренными вечером фильмами. «Adeline» стала вторым синглом с грядущего лонгплея. В сопровождение песне было выпущено видео.
В клипе миниатюрные копии артистов отправляются в психоделическое путешествие. Стилистика 70-х прослеживается не только в видеоряде, но и в самом треке. Спокойная композиция контрастирует с последним синглом «Somebody Else’s Song» из грядущего альбома Bad In The Sun. Лонгплей будет выпущен 25 октября, в него войдут 8 новых композиций.
Посмотреть: https://youtu.be/LEe3YvpD2Eo
Дуэт из Нью-Йорка связала не только тяга к совместному творчеству, но и романтические отношения. Пара постоянно живет внутри своей музыки. Вокал для первого альбома был записан в их общей ванной, а пластинки вдохновляются просмотренными вечером фильмами. «Adeline» стала вторым синглом с грядущего лонгплея. В сопровождение песне было выпущено видео.
В клипе миниатюрные копии артистов отправляются в психоделическое путешествие. Стилистика 70-х прослеживается не только в видеоряде, но и в самом треке. Спокойная композиция контрастирует с последним синглом «Somebody Else’s Song» из грядущего альбома Bad In The Sun. Лонгплей будет выпущен 25 октября, в него войдут 8 новых композиций.
Посмотреть: https://youtu.be/LEe3YvpD2Eo
Devendra Banhart — Ma
На обложке альбома изображен детский рисунок: цветы жёлтого, красного и синего цвета. Из того же сочетания цветов состоит флаг Венесуэлы, где Девендра провёл детство. Там, в условиях кризиса, голода и общественных волнений, живут его родные. Это отразилось на лирике новой записи. При звучании, напоминающем исполнителей психоделического рока 70-х, тексты песен Банхарта по-прежнему депрессивны. Тем не менее, Ma во многом построен на контрасте.
Трек «Is This Nice?» звучит первым и определяет звучание всей пластинки: тихий убаюкивающий вокал, струны скрипки против струн баса, короткие гитарные вступления, пианино и ударные. Девендра обращается к ребёнку: «Would you like Me to sing you this song? / It begins / With a question / I just asked one / and now I’ll carry on». Такое интро даёт понять, что исполнитель собирается делиться чем-то, чем поделился бы с собственным сыном. Девендра связывает любовь с образом цветка, который встречается в нескольких песнях в альбоме, как и образ луны, появляющийся в тексте следующего трека «Kantori Ongaku». К инструментам присоединяется саксофон и делает звучание более динамичным. При этом образы, которыми насыщен текст, звучат мрачнее инструментальной картины: «кнопка мира стирает всё, кроме Луны; цветок-любовь живёт от букета до букета; смерти в доме облегчают онлайн-покупки». Такие ложные оптимистичные образы присущи Девендре и это ощущается в «Memorial» и «Now All Gone». Но в этих треках настроение задаётся звучанием, а текст не абстрактен. В большинстве песен Ma вокал Девендры растворяется в инструментале, как его лирический герой растворён в реальности. Больше всего это заметно в песнях «Ami» и «Love Song», но совсем не в «Memorial». Это вообще самый минималистичный трек альбома — здесь главенствует вокал, а гитара и пианино остаются лишь в качестве фона. Звучание рифмуется с состоянием героя: здесь он не просто существует отдельно от реального мира — герой смотрит в пространство и время, как в телеэкран: «Time, time, up and down the blue screen, it's dawn and I'm insane». «Now All Gone» идёт ещё дальше и отрицает реальность всего сущего. В «Taking a Page» Девендра поёт о ничтожности личного опыта по сравнению со всем опытом и о том, как пытается быть кем-то другим. По традиции, альбом Банхарта не мог обойтись без песни на иностранном языке, в Ma таких трека четыре. Первый — «Carolina». Песня похожа но посвящение музе на её языке — португальском. Трек отличается струнным звучанием и мягкостью вокала. В «Abre las Manos», «October 12» и «My Boyfriend’s in The Band» артист поет на испанском. «October 12» посвящена матери, а Abre las Manos при своём задоре и оптимистичном тексте о божьем спасении упоминает события в родной для исполнителя Венесуэлы: голод, похищение соседа, разрушение музея. Семья и Венесуэла упоминаются и в «The Lost Coast» — песне о потерянном острове на краю света/в конце света: «The lost coast at the end of the world». Здесь голоса Девендры почти не слышно в гуле инструментала. «My Boyfriend’s in The Band» разбавляет альбом своей легкостью и танцевальностью — бэк-вокал, гитарные соло и шумный саксофон превращают песню в единственный звукоцентричный трек в альбоме.
Девендра Банхарт записал последнюю песню Ma совместно с Вашти Буньян — исполнительницей, которая стала для Банхарта наставником и другом. Её название так же вопросительно, как и название первого трека, — «Will I See You Tonight?» Только теперь это обращение не только к сыну, а к матери. Женский вокал ассоциируется с голосом матери, мужской — с голосом сына. Два голоса, поющие в унисон, пианино и скрипка образуют трогательный финал альбома. Ma — это альбом о передаче опыта и жизненной философии, воспоминаниях о детстве и об отталкивающей реальности.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
На обложке альбома изображен детский рисунок: цветы жёлтого, красного и синего цвета. Из того же сочетания цветов состоит флаг Венесуэлы, где Девендра провёл детство. Там, в условиях кризиса, голода и общественных волнений, живут его родные. Это отразилось на лирике новой записи. При звучании, напоминающем исполнителей психоделического рока 70-х, тексты песен Банхарта по-прежнему депрессивны. Тем не менее, Ma во многом построен на контрасте.
Трек «Is This Nice?» звучит первым и определяет звучание всей пластинки: тихий убаюкивающий вокал, струны скрипки против струн баса, короткие гитарные вступления, пианино и ударные. Девендра обращается к ребёнку: «Would you like Me to sing you this song? / It begins / With a question / I just asked one / and now I’ll carry on». Такое интро даёт понять, что исполнитель собирается делиться чем-то, чем поделился бы с собственным сыном. Девендра связывает любовь с образом цветка, который встречается в нескольких песнях в альбоме, как и образ луны, появляющийся в тексте следующего трека «Kantori Ongaku». К инструментам присоединяется саксофон и делает звучание более динамичным. При этом образы, которыми насыщен текст, звучат мрачнее инструментальной картины: «кнопка мира стирает всё, кроме Луны; цветок-любовь живёт от букета до букета; смерти в доме облегчают онлайн-покупки». Такие ложные оптимистичные образы присущи Девендре и это ощущается в «Memorial» и «Now All Gone». Но в этих треках настроение задаётся звучанием, а текст не абстрактен. В большинстве песен Ma вокал Девендры растворяется в инструментале, как его лирический герой растворён в реальности. Больше всего это заметно в песнях «Ami» и «Love Song», но совсем не в «Memorial». Это вообще самый минималистичный трек альбома — здесь главенствует вокал, а гитара и пианино остаются лишь в качестве фона. Звучание рифмуется с состоянием героя: здесь он не просто существует отдельно от реального мира — герой смотрит в пространство и время, как в телеэкран: «Time, time, up and down the blue screen, it's dawn and I'm insane». «Now All Gone» идёт ещё дальше и отрицает реальность всего сущего. В «Taking a Page» Девендра поёт о ничтожности личного опыта по сравнению со всем опытом и о том, как пытается быть кем-то другим. По традиции, альбом Банхарта не мог обойтись без песни на иностранном языке, в Ma таких трека четыре. Первый — «Carolina». Песня похожа но посвящение музе на её языке — португальском. Трек отличается струнным звучанием и мягкостью вокала. В «Abre las Manos», «October 12» и «My Boyfriend’s in The Band» артист поет на испанском. «October 12» посвящена матери, а Abre las Manos при своём задоре и оптимистичном тексте о божьем спасении упоминает события в родной для исполнителя Венесуэлы: голод, похищение соседа, разрушение музея. Семья и Венесуэла упоминаются и в «The Lost Coast» — песне о потерянном острове на краю света/в конце света: «The lost coast at the end of the world». Здесь голоса Девендры почти не слышно в гуле инструментала. «My Boyfriend’s in The Band» разбавляет альбом своей легкостью и танцевальностью — бэк-вокал, гитарные соло и шумный саксофон превращают песню в единственный звукоцентричный трек в альбоме.
Девендра Банхарт записал последнюю песню Ma совместно с Вашти Буньян — исполнительницей, которая стала для Банхарта наставником и другом. Её название так же вопросительно, как и название первого трека, — «Will I See You Tonight?» Только теперь это обращение не только к сыну, а к матери. Женский вокал ассоциируется с голосом матери, мужской — с голосом сына. Два голоса, поющие в унисон, пианино и скрипка образуют трогательный финал альбома. Ma — это альбом о передаче опыта и жизненной философии, воспоминаниях о детстве и об отталкивающей реальности.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Deep Cuts Events — Digest №10
26 октября в московском клубе Powerhouse выступит австралийский дуэт Kllo — коллектив впервые посетит столицу в рамках мирового тура. Хлоя и её двоюродный брат Саймон пишут музыку на стыке электро-попа, хип-хопа и британского гэриджа, а в ходе концерта представят свой лучший материал и песни с грядущего альбома.
Приобретайте билеты: https://forestbooking.org
26 октября в московском клубе Powerhouse выступит австралийский дуэт Kllo — коллектив впервые посетит столицу в рамках мирового тура. Хлоя и её двоюродный брат Саймон пишут музыку на стыке электро-попа, хип-хопа и британского гэриджа, а в ходе концерта представят свой лучший материал и песни с грядущего альбома.
Приобретайте билеты: https://forestbooking.org
Black Marble — «Private Show»
Адепты возникшего в 80-е колдвейва Black Marble выпустили новое видео на песню из грядущего альбома Bigger Than Life. «Private Show» повествует о ярмарке, которая на неделю оживила небольшой американский городок. «Это дикое и красивое место, которое кажется почти замороженным во времени», — говорит лидер проекта, Крис Стюарт.
Главный герой не находит себе места в толпе. Несмотря на всеобщее веселье, он в поисках своего «индивидуального шоу». Песня посвящена жизненному пути и его концу, который неизбежен для каждого. «В конце рассказчик чувствует себя обреченным на путь одиночества, но прилагает усилие усилие, чтобы найти родственную душу для странствия», — отмечает Стюарт.
Посмотреть: https://youtu.be/8VioQ0UirlU
Адепты возникшего в 80-е колдвейва Black Marble выпустили новое видео на песню из грядущего альбома Bigger Than Life. «Private Show» повествует о ярмарке, которая на неделю оживила небольшой американский городок. «Это дикое и красивое место, которое кажется почти замороженным во времени», — говорит лидер проекта, Крис Стюарт.
Главный герой не находит себе места в толпе. Несмотря на всеобщее веселье, он в поисках своего «индивидуального шоу». Песня посвящена жизненному пути и его концу, который неизбежен для каждого. «В конце рассказчик чувствует себя обреченным на путь одиночества, но прилагает усилие усилие, чтобы найти родственную душу для странствия», — отмечает Стюарт.
Посмотреть: https://youtu.be/8VioQ0UirlU
A$AP Ferg — Floor Seats
Мини-альбом выходит через шесть лет после релиза Trap Lord — пластинки, которая дала Фергюсону мировую популярность. Новая работа целиком сосредоточена на успехе рэпера, анализе проделанного пути. Примечательна обложка — на ней выходец из Гарлема раскованно сидит возле типичного входа в нью-йоркское жилище. На артисте белый костюм, а за спиной давно не крашенная, ободранная деревянная панель — так создается явный контраст между тем, где карьера стартовала, и какого прогресса достиг рэпер, придерживаясь концепции Always Strive And Prosper своего коллектива A$AP Mob.
Музыкально Floor Seats остается в поле трэпа, немного видоизменяясь в сторону ретро-футуризма вместе с ростом артиста, что хорошо видно по композиции «Butt Naked», а также по сэмплированию The Prodigy. При этом в интервью изданию Entertainment Weekly Ферг уточнил, что доказал себе и публике способность делать громкие хиты и в будущем хотел бы сосредоточиться на социальной стороне хип-хопа, делать больше фитов с женщинами-эмси. Первые движения в эту сторону отмечены гостевой поддержкой Asian Doll и Rico Nasty. Часть треков были представлены ранее, как синглы — это и заглавный «Floor Seats» и «Pups», с его переработкой композиции «Get At Me, Dog» рэпера DMX, которая вышла в 1998 году, оставаясь актуальной и периодически мелькая в произведениях локальных рэперов.
Главное отличие работы в том, что Ферг становится менее агрессивным, сохраняя харизму и шарм. Floor Seats не предлагает тяжелых танцпольных бэнгеров, работая скорее на общую репутацию артиста, поддерживая титул «трэп-лорда» в неприкосновенности. Финальный трек релиза, «Dreams, Fairytales, Fantasies» подмешивает вокальные партии Брента Файаса к расслабленному речитативу рэпера, на позитивной ноте закрывая эпоху, становясь предвестником коренных изменений будущего.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Мини-альбом выходит через шесть лет после релиза Trap Lord — пластинки, которая дала Фергюсону мировую популярность. Новая работа целиком сосредоточена на успехе рэпера, анализе проделанного пути. Примечательна обложка — на ней выходец из Гарлема раскованно сидит возле типичного входа в нью-йоркское жилище. На артисте белый костюм, а за спиной давно не крашенная, ободранная деревянная панель — так создается явный контраст между тем, где карьера стартовала, и какого прогресса достиг рэпер, придерживаясь концепции Always Strive And Prosper своего коллектива A$AP Mob.
Музыкально Floor Seats остается в поле трэпа, немного видоизменяясь в сторону ретро-футуризма вместе с ростом артиста, что хорошо видно по композиции «Butt Naked», а также по сэмплированию The Prodigy. При этом в интервью изданию Entertainment Weekly Ферг уточнил, что доказал себе и публике способность делать громкие хиты и в будущем хотел бы сосредоточиться на социальной стороне хип-хопа, делать больше фитов с женщинами-эмси. Первые движения в эту сторону отмечены гостевой поддержкой Asian Doll и Rico Nasty. Часть треков были представлены ранее, как синглы — это и заглавный «Floor Seats» и «Pups», с его переработкой композиции «Get At Me, Dog» рэпера DMX, которая вышла в 1998 году, оставаясь актуальной и периодически мелькая в произведениях локальных рэперов.
Главное отличие работы в том, что Ферг становится менее агрессивным, сохраняя харизму и шарм. Floor Seats не предлагает тяжелых танцпольных бэнгеров, работая скорее на общую репутацию артиста, поддерживая титул «трэп-лорда» в неприкосновенности. Финальный трек релиза, «Dreams, Fairytales, Fantasies» подмешивает вокальные партии Брента Файаса к расслабленному речитативу рэпера, на позитивной ноте закрывая эпоху, становясь предвестником коренных изменений будущего.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
wiki — «Eggs»
В первый раз совместную работу wiki и Madlib можно было услышать в 2015 году. Дебютный микстейп рэпера Lil Me начинался с состоящего из двух битов WikiFlag, за первую часть которого отвечал Madlib, а за вторую — Sporting Life. Спустя два года после релиза No Mountains in Manhattan выходит вторая композиция с Мэдлибом под названием «Eggs» и сопровождающее её видео. Ранее wiki объявил об открытии собственного лейбла Wikset Enterprise — теперь новая музыка артиста будет выходить там.
Индустриальный и городской звук рэпера уступает место калифорнийским ударным и вдохновленным соул музыкой циклам. На записанных девушкой wiki кадрах можно увидеть привычные Нью-Йоркские пейзажи и многочисленные источники вдохновения музыканта, представленные в виде фотографий и рисунков.
Послушать: https://youtu.be/f3czsW6vHYU
В первый раз совместную работу wiki и Madlib можно было услышать в 2015 году. Дебютный микстейп рэпера Lil Me начинался с состоящего из двух битов WikiFlag, за первую часть которого отвечал Madlib, а за вторую — Sporting Life. Спустя два года после релиза No Mountains in Manhattan выходит вторая композиция с Мэдлибом под названием «Eggs» и сопровождающее её видео. Ранее wiki объявил об открытии собственного лейбла Wikset Enterprise — теперь новая музыка артиста будет выходить там.
Индустриальный и городской звук рэпера уступает место калифорнийским ударным и вдохновленным соул музыкой циклам. На записанных девушкой wiki кадрах можно увидеть привычные Нью-Йоркские пейзажи и многочисленные источники вдохновения музыканта, представленные в виде фотографий и рисунков.
Послушать: https://youtu.be/f3czsW6vHYU
Surf Curse — Heaven Surrounds You
Инди-сёрф-дуэт Surf Curse выпустил третью полноформатную пластинку. На смену деструктивно-романтической философии пришла отполированная меланхолия.
Новая работа построена на привычных для группы коротких риффах и волнительном голосе Ника Рэттигана, вещающего то о любви, то о смерти через ёмкие, как из подросткового дневника, рефрены. О человеческой уязвимости Heaven Surrounds You сообщает меньше, чем предыдущие лонгплеи. Использование в названиях песен прямых отсылок к классике американского кино («Лабиринт» 1986, «Связанные насмерть» 1988... – полностью одноимённых треков несколько) намекает, что герой подключается к переживаниям из прошлого не столько эмоционально, сколько эстетически. За счёт этого создаётся впечатление, что группа опасается зазвучать поверхностно – со второй половины появляется больше как жанровых люфтов, оживляющих однородно танцевальную обыкновенность первых пяти песен, так и чувствительности, манифестом которой два года назад стал «Nothing Yet» .
В «Hour of the Wolf» отчётливее слышна несвойственная Surf Curse низкая гитара; проигрыш в середине песни вовсе напоминает «Hello» у Nirvana; «Safe»
кажется продолжением трека «Fall Apart» с альбома «Nothing Yet» благодаря перекликающимся строкам об ощущениях героя: ранее речь шла о его нервном срыве, а нынешнее восстановление иллюзорно, потому что в безопасности человек себя чувствует только в пределах своего дома. На этом фоне «Opera» и «Trust» с использованием скрипки и женского вокала Элизы Бэгг из группы Pavo Pavo – самые кинематографичные, если не пафосные треки релиза. Последняя строчка «Trust» будто помогает Surf Curse не слишком «в лоб» признаться в создании музыки намного более «поп» , чем прежде: слова «take a сhance on me» в контексте общего винтажного настроения альбома отсылают к одноименной песне ABBA.
Последняя композиция, волнообразная «Jamie», построена вокруг привычной для дуэта темы ночного блуждания, которое служит фоном для раскрытия блужданий эмоциональных . Однако здесь замкнутость как сценарий выживания разбивается о звон голосов и песен в баре. Герой утверждает, что «его друзья помогают ему оставаться живым», что сопрягается c посылом альбома «Heaven Surrounds You» – любовь к жизни сильнее, чем любовь к архивам.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Инди-сёрф-дуэт Surf Curse выпустил третью полноформатную пластинку. На смену деструктивно-романтической философии пришла отполированная меланхолия.
Новая работа построена на привычных для группы коротких риффах и волнительном голосе Ника Рэттигана, вещающего то о любви, то о смерти через ёмкие, как из подросткового дневника, рефрены. О человеческой уязвимости Heaven Surrounds You сообщает меньше, чем предыдущие лонгплеи. Использование в названиях песен прямых отсылок к классике американского кино («Лабиринт» 1986, «Связанные насмерть» 1988... – полностью одноимённых треков несколько) намекает, что герой подключается к переживаниям из прошлого не столько эмоционально, сколько эстетически. За счёт этого создаётся впечатление, что группа опасается зазвучать поверхностно – со второй половины появляется больше как жанровых люфтов, оживляющих однородно танцевальную обыкновенность первых пяти песен, так и чувствительности, манифестом которой два года назад стал «Nothing Yet» .
В «Hour of the Wolf» отчётливее слышна несвойственная Surf Curse низкая гитара; проигрыш в середине песни вовсе напоминает «Hello» у Nirvana; «Safe»
кажется продолжением трека «Fall Apart» с альбома «Nothing Yet» благодаря перекликающимся строкам об ощущениях героя: ранее речь шла о его нервном срыве, а нынешнее восстановление иллюзорно, потому что в безопасности человек себя чувствует только в пределах своего дома. На этом фоне «Opera» и «Trust» с использованием скрипки и женского вокала Элизы Бэгг из группы Pavo Pavo – самые кинематографичные, если не пафосные треки релиза. Последняя строчка «Trust» будто помогает Surf Curse не слишком «в лоб» признаться в создании музыки намного более «поп» , чем прежде: слова «take a сhance on me» в контексте общего винтажного настроения альбома отсылают к одноименной песне ABBA.
Последняя композиция, волнообразная «Jamie», построена вокруг привычной для дуэта темы ночного блуждания, которое служит фоном для раскрытия блужданий эмоциональных . Однако здесь замкнутость как сценарий выживания разбивается о звон голосов и песен в баре. Герой утверждает, что «его друзья помогают ему оставаться живым», что сопрягается c посылом альбома «Heaven Surrounds You» – любовь к жизни сильнее, чем любовь к архивам.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Swans — «It's Coming It's Real»
Не теряясь в затяжных перерывах, сессионный оркестр под руководством бессменного Майкла Джира делится синглом с будущего альбома, выход которого запланирован на 25 октября. Для группы это уже 15-й альбом за всю дискографию и первый за последние 3 года. По словам артиста, Leaving Meaning будет первым альбомом Swans, выпущенным после роспуска состава музыкантов, участвующих в коллективе в период с 2010 по 2017 год. На данный момент группа состоит из сменяемых и задерживающихся музыкантов, чье творчество, личные качества и вкус принимает и переживает фронтмен. Например, в записи данного трека принимали участие сестры Анна и Мария фон Хаусвольф.
«It's Coming It's Real» сопровождается отрывистыми строчками о пути и движении, спасении и безумии. Как и большая часть творчества Swans, трек наполнен большим количеством метафор и аналогий: Джира активно использует размытые смыслы и открытые концовки. Нагнетая динамику трека, коллектив создает впечатление приближающегося открытия, контекстуально обыгрывая это тем, что трек занимает последнюю позицию в списке композиций альбома.
Послушать: https://youtu.be/3ZVZo30M8Lc
Не теряясь в затяжных перерывах, сессионный оркестр под руководством бессменного Майкла Джира делится синглом с будущего альбома, выход которого запланирован на 25 октября. Для группы это уже 15-й альбом за всю дискографию и первый за последние 3 года. По словам артиста, Leaving Meaning будет первым альбомом Swans, выпущенным после роспуска состава музыкантов, участвующих в коллективе в период с 2010 по 2017 год. На данный момент группа состоит из сменяемых и задерживающихся музыкантов, чье творчество, личные качества и вкус принимает и переживает фронтмен. Например, в записи данного трека принимали участие сестры Анна и Мария фон Хаусвольф.
«It's Coming It's Real» сопровождается отрывистыми строчками о пути и движении, спасении и безумии. Как и большая часть творчества Swans, трек наполнен большим количеством метафор и аналогий: Джира активно использует размытые смыслы и открытые концовки. Нагнетая динамику трека, коллектив создает впечатление приближающегося открытия, контекстуально обыгрывая это тем, что трек занимает последнюю позицию в списке композиций альбома.
Послушать: https://youtu.be/3ZVZo30M8Lc
Rich Brian — Sailor
Один из ведущих артистов набирающего популярность объединения 88rising представил свою новую пластинку Sailor. Несмотря на то что альбом не имеет явного концепта, он является логическим продолжением дебютной работы артиста Amen, так как в Sailor музыкант также говорит о переезде из Индонезии в США, становления себя в «новом» мире, одиночестве и повсеместных попытках идти в ногу с тенденциями. Также он продолжил сотрудничество со значимыми артистами: гостями релиза стали Bekon, который также является сопродюсером альбома, легендарный рэпер RZA и, уже традиционно, товарищ артиста по лейблу Joji.
Открывающий трек дал название альбому. В нем артист обращается к двум темам, которые прошли красной нитью сквозь релиз — переезд из Индонезии и успех, которого он достиг в Америке. Также в этой композиции Rich Brian отсылает к песне со своего первого альбома «Kitty», в которой он говорил с девушкой. Вторая композиция снова посвящена высотам, которых достиг музыкант. Записанная в дуэте с лидером Wu-Tang Clan «Rapapa» носит статус главного бэнгера на альбоме — легкая в музыкальном и текстовом плане она буквально заседает в голове. Следующие две песни являются самыми личными на альбоме. Для придания драматизма в них артист прибегает к инструментальной музыке и использованию хора. В треке «Yellow» рэпер говорит о дискриминации, которая проследовала его на протяжении подростковых лет, вспоминает 21 Savage и судебное дело, которое индонезийцу повторять не хотелось бы. Также здесь он отмечает, что для него главное сохранять музыку личной. В «Kids» Rich Brian размышляет о ценности настоящего творчества — музыкант отмечает, что многие хотят заниматься простым копирайтингом хитов, в то время как он пишет настоящую музыку. Именно это превратило его в из моряка в капитана и Симбу от 88rising. Песни «Drive Safe» и «Vacant» рассказывают о неразделенной любви. Если в «Drive safe» рэпер говорит, что несмотря на измену и разбитое сердце он волнуется за свою бывшую пассию, то в «Vacant» он пытается представить себя с лучшей стороны для девушки, которая испытывает проблемы в отношениях. Для придания драматизма в этих композициях он часто переключается на вокал и использует гитару. «Confetti», «1000 degrees» и «Slow down turbo» посвящены признанию, которого Rich Brian достиг за столь короткий срок. «No worries» — жизнеутверждающий трек, который говорит о преодолении подросткового одиночества и успехе, следующим за этим. Ее логическим продолжением стала «Curious» — в автобиографичной композиции автор снова возвращается к своей трудной жизни в период переезда, о тяжбах нахождения вдали от семьи и родного дома и трудностях, которые не сломили его, а сделали только сильнее. Завершает пластинку коллаб с Joji «Where does the time go». В ней исполнители говорят скорее об идеологии 88rising в целом — несмотря ни на что идти к цели и преодолевать проблемы.
Пластика переполнена амбициями молодого рэпера: он часто говорит о достигнутых вершинах, о том, что планирует добиваться большего, при этом делая свою уникальную музыку. Неудивительно, что она сыскала популярность на родине музыканта — свой сингл с этого альбома Rich Brian презентовал лично президенту Индонезии. В релизе артист часто обращается к иконам репа: 2Pac, André 3000, 50 Сent, — отсылает к современным самобытным артистам (например в треке «Kinds» он говорит, что Mac Miller стал для него учителем, сожалея о его смерти). Очевидно, что сам Rich Brian хочет встать в один ряд со своими кумирами. Неординарная история жизни, вера в собственный успех и желание идти по своему музыкальному пути выделяют пластинку среди прочих релизов этого года.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
Один из ведущих артистов набирающего популярность объединения 88rising представил свою новую пластинку Sailor. Несмотря на то что альбом не имеет явного концепта, он является логическим продолжением дебютной работы артиста Amen, так как в Sailor музыкант также говорит о переезде из Индонезии в США, становления себя в «новом» мире, одиночестве и повсеместных попытках идти в ногу с тенденциями. Также он продолжил сотрудничество со значимыми артистами: гостями релиза стали Bekon, который также является сопродюсером альбома, легендарный рэпер RZA и, уже традиционно, товарищ артиста по лейблу Joji.
Открывающий трек дал название альбому. В нем артист обращается к двум темам, которые прошли красной нитью сквозь релиз — переезд из Индонезии и успех, которого он достиг в Америке. Также в этой композиции Rich Brian отсылает к песне со своего первого альбома «Kitty», в которой он говорил с девушкой. Вторая композиция снова посвящена высотам, которых достиг музыкант. Записанная в дуэте с лидером Wu-Tang Clan «Rapapa» носит статус главного бэнгера на альбоме — легкая в музыкальном и текстовом плане она буквально заседает в голове. Следующие две песни являются самыми личными на альбоме. Для придания драматизма в них артист прибегает к инструментальной музыке и использованию хора. В треке «Yellow» рэпер говорит о дискриминации, которая проследовала его на протяжении подростковых лет, вспоминает 21 Savage и судебное дело, которое индонезийцу повторять не хотелось бы. Также здесь он отмечает, что для него главное сохранять музыку личной. В «Kids» Rich Brian размышляет о ценности настоящего творчества — музыкант отмечает, что многие хотят заниматься простым копирайтингом хитов, в то время как он пишет настоящую музыку. Именно это превратило его в из моряка в капитана и Симбу от 88rising. Песни «Drive Safe» и «Vacant» рассказывают о неразделенной любви. Если в «Drive safe» рэпер говорит, что несмотря на измену и разбитое сердце он волнуется за свою бывшую пассию, то в «Vacant» он пытается представить себя с лучшей стороны для девушки, которая испытывает проблемы в отношениях. Для придания драматизма в этих композициях он часто переключается на вокал и использует гитару. «Confetti», «1000 degrees» и «Slow down turbo» посвящены признанию, которого Rich Brian достиг за столь короткий срок. «No worries» — жизнеутверждающий трек, который говорит о преодолении подросткового одиночества и успехе, следующим за этим. Ее логическим продолжением стала «Curious» — в автобиографичной композиции автор снова возвращается к своей трудной жизни в период переезда, о тяжбах нахождения вдали от семьи и родного дома и трудностях, которые не сломили его, а сделали только сильнее. Завершает пластинку коллаб с Joji «Where does the time go». В ней исполнители говорят скорее об идеологии 88rising в целом — несмотря ни на что идти к цели и преодолевать проблемы.
Пластика переполнена амбициями молодого рэпера: он часто говорит о достигнутых вершинах, о том, что планирует добиваться большего, при этом делая свою уникальную музыку. Неудивительно, что она сыскала популярность на родине музыканта — свой сингл с этого альбома Rich Brian презентовал лично президенту Индонезии. В релизе артист часто обращается к иконам репа: 2Pac, André 3000, 50 Сent, — отсылает к современным самобытным артистам (например в треке «Kinds» он говорит, что Mac Miller стал для него учителем, сожалея о его смерти). Очевидно, что сам Rich Brian хочет встать в один ряд со своими кумирами. Неординарная история жизни, вера в собственный успех и желание идти по своему музыкальному пути выделяют пластинку среди прочих релизов этого года.
Послушать:
Apple Music | Deezer | Spotify | Tidal | Telegram
