6 августа 1856 года родился Аполлинарий Васнецов – художник, младший брат Виктора Васнецова. Ему удалось не затеряться в тени своего первого учителя и знаменитого родственника, а стать успешным художником и получить признание.

Многие свои произведения он посвятил старой Москве и родным просторам: Васнецов побывал в Сибири и на Кавказе, на Урале и в Крыму. Отовсюду он привозил свои пейзажи-впечатления, наполненные любовью к природе.

Больше узнать о жизни и творчестве художника можно в музее-квартире, расположенной по адресу
📍Фурманный переулок, дом 6,
а пока предлагаем полюбоваться подборкой его картин из собрания Третьяковки.

В новой рубрике #палитраТретьяковки предлагаем погрузиться в историю цвета в живописи. Наш путь по палитре начнем с цвета летних рассветов – розового.

Часто встречающийся в природе, розовый не сразу был признан самостоятельным цветом – долгое время он просто считался одним из оттенков красного, бледным красным. Ченнино Ченнини, итальянский художник XIV века, писал о розовом цвете в своей «Книге об искусстве». Он отмечал, что смесь пурпурного цвета с известковыми белилами дает превосходный тон для написания «лиц, рук и обнаженного тела».

Вплоть до XVIII века в русской и европейской живописи за розовым цветом было закреплено скорее функциональное, чем символическое значение – он использовался в основном для написания кожи в портретах. Однако с зарождением стиля рококо розовый цвет (наряду с другими пастельными тонами) начал приобретать популярность – розовыми изображали драпировки ткани, предметы интерьера, украшения.

Со временем в живописи раскрывается все более сложный спектр розовых оттенков. Нежным закатным светом они пробираются в пейзажи Николая Рериха и Аполлинария Васнецова; рябят и мерцают в «движущихся» полотнах импрессионистов – Константина Коровина, Николая Мещерина. Полюбился этот цвет и авангардистам, щедро добавлявшим на холсты малиновые акценты.

Предлагаем вместе с нами полюбоваться многообразием оттенков розового в специальной подборке произведений. И поделитесь – историю какого цвета вы бы хотели узнать?

В залах графики Третьяковской галереи проходит выставка, посвященная ученическим рисункам выдающихся художников и их пути «По ступеням мастерства».

В рамках выставки рассказываем, как было организовано обучение в Академии художеств.

Например, работы учеников оценивались не по привычной нам пятибалльной системе, а с помощью последовательной нумерации. Лучшую работу помечали единицей, вторую по качеству – двойкой и так далее. Оценка также указывала номер места в амфитеатре, которое академист должен был занимать в течение следующего месяца.

В натурном классе могло собираться более 150 учеников, и нумерация решала проблему их размещения: лучшие места в амфитеатре доставались отличникам, худшие — отстающим. Нижние места, расположенные под самыми светильниками, назывались «плафоном» и считались наименее удобными: «Кто сидел на нижней скамейке, на того с люстры капало масло, брызги летели во все стороны, отчего рисунки нередко портились». Неудачные места создавали для учащихся дополнительные сложности — им доставались далеко не самые выгодные ракурсы, иногда значительно усложнявшие задачу.

Были те, кому места «в плафоне» нравились. Очень любил «плафон» Василий Поленов, который всегда отдавал не имевшему места свой номер в бельэтаже для номеров первого десятка, которые он обычно получал.

Атмосфера занятия описана в мемуарах Ильи Репина: «На скамьях амфитеатра полукругом перед натурщиком сидело более полутораста человек в одном натурном классе. Тишина была такая, что скрип ста пятидесяти карандашей казался концертом кузнечиков, сверчков или оркестром малайских музыкантов. <…> Рядом, плечом к плечу с лохматой головой юнца в косоворотке, сидел седенький генерал в погонах; дальше бородач во фраке (красавец художник с эспаньолкой), потом студент университета, высокий морской офицер с окладистой бородой; повыше целая партия светловолосых вятичей, полная дама — тогда еще большая редкость в Академии художеств».

#Вэтотдень в 1737 году родился художник Антон Лосенко.

Самой известной картиной Лосенко стало масштабное историческое полотно «Прощание Гектора с Андромахой». В эпоху классицизма в искусстве воспевались высокие духовные идеалы, заложенные в сюжетах античного эпоса. Одним из таких сюжетов была сцена прощания Гектора с его женой и детьми перед смертельной битвой. Герой «Илиады» Гомера изображен заботливым и любящим отцом, и в то же время – самоотверженным, храбрым воином. Одна рука Гектора протянута к маленькому сыну, другую он простирает к небу, как бы взывая к богам и испрашивая их благосклонности. Особенный трагизм картине придает тот факт, что сражение с ахейцами стало последней битвой Гектора.

Символично, что и для художника эта работа также была последней. В 1772 году он был назначен директором Академии Художеств. Однако эта должность была обременительной для Лосенко – здоровье художника, утомленного долгими часами ежедневного преподавания и гнетом придворных интриг и козней, было подорвано. В 1773 году Лосенко скоропостижно скончался от водянки, так и не дописав «Прощание Гектора с Андромахой».

В день рождения художника показываем вам подборку его произведений из коллекции Третьяковской галереи.